Existem muitas implicações em suprimir o caráter crítico e a diversidade de possibilidades de expressão nas artes visuais, e, entre tais implicações, há um destaque especial para a dessensibilização das pessoas diante do fenômeno da arte. Esse é um processo que contribui para a consolidação de um modo de pensar pautado no consumo, esvaziado de suas potências críticas, estéticas e, em última análise, que padroniza os modos de ser no mundo. Aliás, de certa forma, esse é o papel da cultura em uma sociedade neoliberal no capitalismo tardio: anestesiar as pessoas com a falsa impressão de que estão no centro de um processo coletivo que as atende em um nível individual. Tenho a impressão de que nem mesmo Theodor Adorno poderia imaginar que uma tecnologia tão disruptiva quanto as redes sociais surgiria e encontraria a lógica descrita por ele em sua obra “A Indústria Cultural” como um dedo se encaixa no nariz.

Se em seu tempo Adorno discutia como a cultura de massa é produzida em série, padronizando e comercializando a arte para atender aos interesses do capital, hoje me pergunto o que ele escreveria sobre as relações estabelecidas com a arte por meio das novas mídias. Se em sua época já havia uma natureza de propósito distorcida, sobretudo na elaboração de produtos artísticos e culturais, hoje nos deparamos com a sua consolidação como algo tão banal quanto o entretenimento. Através dos celulares, vemos a arte reduzir-se à sua capacidade de estimular visualmente as pessoas de modo a mantê-las distraídas, com mais tempo de tela e direcioná-las para a compra de alguma futilidade produzida em larga escala. Nas redes, nossa expressão artística perdeu quase completamente a capacidade de provocar reflexões profundas e questionamentos sobre a sociedade e a condição humana, tornando-se não só mais um produto de consumo no lugar de uma expressão genuína da criatividade humana, mas também transfigurou suas atribuições semânticas em mero entretenimento. Por outro lado, para preservar a diversidade e a autenticidade das formas de expressão artística, precisamos ter em mente que é fundamental investir no apoio à arte e à cultura produzidas em um nível local. Determinado investimento não apenas enriquece a vida cultural de um bairro ou uma pequena comunidade, mas promove a compreensão mútua e a tolerância entre diferentes grupos e culturas, como já defendido pelo sociólogo francês Pierre Bourdieu em suas obras sobre o campo cultural. A arte e a cultura desempenham um papel central na construção de identidades individuais e coletivas, promovendo um diálogo intercultural essencial para o fortalecimento dos laços sociais, e, para além das estruturas sociais que pautam o consumo em nossa sociedade, devemos entender que esse jogo pode ser jogado de várias formas.

Ao apoiar instituições culturais, projetos artísticos autorais, espaços alternativos de arte e cultura, teatros e, especialmente, artistas independentes, estamos investindo não apenas na preservação da história e da diversidade cultural. Estamos oportunizando novos olhares sobre a vida, sobre o mundo e sobre como ser no mundo. Além disso, apoiando artistas e instituições culturais locais, ajudamos a manter uma cadeia de cultura que contribui, inclusive, para que pequenos artistas possam viver de seu trabalho. Em outras palavras, existe uma diferença substancial entre o pôster industrializado de um blockbuster norte-americano qualquer que você compra na Amazon e uma compra de mesmo valor de um print de um artista do seu bairro que está começando sua carreira.

Por outro lado, é claro que garantir que a arte e a cultura permaneçam acessíveis e relevantes para todos é necessário haver um compromisso sério com políticas culturais inclusivas e democráticas. Isso implica no financiamento adequado de iniciativas culturais independentes, o apoio a artistas emergentes e marginalizados e a promoção do acesso equitativo a recursos e espaços culturais através do Estado. Afinal de contas, se não é possível pensar um projeto de cidade sem um projeto de cultura, quem dirá um projeto de país.

Enfim, neste texto, não quero parecer que estou transferindo para o indivíduo a responsabilidade sobre o financiamento ou sobre as condições de produção de arte e cultura de artistas, escritores e trabalhadores da cultura em geral. Isso é papel do Estado em uma sociedade politicamente saudável. Entretanto, não vivemos em um mundo ideal. Se o apoio financeiro à arte e à cultura é essencial para a preservação de nossa humanidade em um mundo cada vez mais dominado pela uniformidade cultural capitalista, se as regras do jogo estão dadas em uma realidade imediata, precisamos jogar o jogo pelos nossos. Apoie seus amigos artistas. Apoie iniciativas culturais autorais. Nos fortalecendo enquanto classe, quem sabe algum dia teremos mais condições de mudar as regras desse jogo.

Frederico Lopes

é artista e educador, graduado em artes pela Universidade Federal de Juiz de Fora, especialista em gestão cultural pela FAGOC. Possui treinamento profissional em conservação e restauro de papel pelo LACOR/MAMM-UFJF. Atuou no setor de curadoria e expografia do Museu de Arte Murilo Mendes de 2013 a 2017. Integrou a equipe de implementação do Memorial da República Presidente Itamar Franco, onde trabalhou na curadoria e na coordenação da divisão de educação até 2020. É fundador da Instituição Cultural Bodoque Artes e ofícios (2012), da Revista Trama (2019), do Museu de Artes e ofícios de Juiz de Fora (2020) e do Laboratório de experimentação em artes visuais e design (ARTELAB). Foi membro do conselho curador do MRPIF e suplente da vice-presidência do Conselho Municipal de Cultura na cadeira de artes visuais. É sócio honorário da Instituição Cultural Estação Canelas (Portugal). Também atuou como designer na editora Harper Collins (2022 – 2023). É autor do livro: Ensaios sobre Arte e Cultura (2022)

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O post Arte, Cultura e a lógica de consumo: apoie artistas locais! apareceu primeiro em Revista Trama.

A articulação com o colecionismo parte da compreensão de que, apesar de suas contradições, é uma prática importante no mundo da arte. Muitas coleções promovem arranjos e salvaguardam acervos que muitas vezes o poder público não consegue contemplar com suas políticas de memória. A grande maioria dos museus nasceu de coleções particulares ou incorporaram coleções privadas, e assim aborda as coleções como um dos dispositivos basilares de legitimação dos artistas e de suas produções. Em uma perspectiva histórica, o curador buscou reunir obras de artistas que, em diferentes momentos e de diferentes modos, deram suas contribuições para a história da arte juiz-forana no século XX.

1. Conte-nos um pouco sobre a sua formação e trajetória profissional.

Sempre trabalhei na área de produção cultural e projetos ligados a memória. Mesmo antes de fazer curso superior de História. Dirigi algumas instituições culturais privadas e exerci cargos de gestão cultural em órgãos públicos. Foi quando percebi que trabalhar com arte e cultura era o que mais me dava prazer. Por conta de projetos de pesquisa acabei fazendo especializações em patrimônio cultural e em artes visuais. Hoje faço Mestrado em Artes na UFJF.

2. O que o motivou a assumir essa empreitada como curador da exposição “Coleções Conectadas”?

Por conta de pesquisas sobre alguns artistas naturais de minha cidade, que fizeram carreia artística em Juiz de Fora, como Xisto Valle de Assis e Sylvio Aragão, a aproximação com a arte juiz-forana foi imediata. Pude avançar as pesquisas sobre alguns períodos específicos. Estudei por conta do Xisto Valle de Assis a arte local da transição do século XIX para o XX. Depois me dediquei aos anos 1950 e 1960 do século XX, quando fiz uma investigação sobre a adesão à arte abstrata em Juiz de Fora, que resultou em um artigo na Revista Nava. Entre os artistas contemporâneos das décadas de 1980 e 1990 tive uma aproximação muito forte com a obra do Arlindo Daibert. Tanto nas pesquisas acadêmicas como na atuação profissional mantenho diálogo com muitas instituições e também com colecionadores de arte. Daí, dessa idéia. Revelar um pouco das coleções. Conecta-las com o público.

3. De modo geral, quais foram os critérios de escolha dos 18 artistas que integram essa exposição?

Nessa mostra vamos abordar a produção apenas de artistas já falecidos. Selecionamos as obras disponíveis a partir de uma listagem daqueles nomes que aparecem com maior importância pelos mecanismos de legitimação da arte, como os museus, as galerias, as exposições e as coleções. Embora esse recorte deixa artistas muito importantes de fora, fizemos um esforço para contemplar as vertentes da arte acadêmica, moderna e contemporânea.

4. Ao seu ver, que contribuição essa exposição tem a oferecer ao circuito artístico-cultural de Juiz de Fora?

Tenho dito que as galerias de arte precisam fazer, como em outros tempos fizeram com mais afinco, um trabalho de formação de público. É preciso discutir História da arte também nas galerias. Galeristas, críticos, curadores e pesquisadores precisam ser elo entre os artistas e a comunidade. E esse foi o meu propósito. Essa exposição prevê algumas ações educativas importantes.

5. Você pretende seguir com esse projeto, levando-o para outros espaços de Juiz de Fora e região? Conte-nos um pouco mais sobre seus um possíveis projetos em andamento ou em vias de realização, caso os tenha.

As pesquisas continuam. Tenho me dedicado a outras pesquisas, sobre alguns artistas que foram subalternizados na arte local, por questões étnicas, sociais e etc. Aos poucos temos conseguido rediscutir algumas questões ainda não colocadas na nossa história. Há revisões a serem feitas e tensionamentos da escrita hegemônica da história da arte. Os trabalhos que tenho feito sobre Xisto Valle de Assis e Lage das Neves estão nesse contexto.

COLEÇÕES CONECTADAS:

Curadoria: André Colombo
Produção: Ione Ribeiro
Expografia: Rafael Zampa

Galeria RH Espaço Arte
Alameda Engenheiro Gentil Forn, 1805 – segundo piso. Morro do Cristo – Juiz de Fora (MG)
Abertura: 11 de abril de 2024, às 19h
Exposição: 11 de abril a 03 de maio de 2024.
Horário: Segunda a sexta-feira de 13 as 19h e sábados de 8:30 às 12:30h

André Vieira Colombo

é produtor cultural, historiador, pós-graduado em políticas públicas, gestão do patrimônio cultural e em artes visuais. É também mestrando em Arte, Cultura e Linguagens pela Universidade Federal de Juiz de Fora – UFJF. Desenvolve projetos e pesquisas nas áreas de arte, memória e patrimônio cultural.

Entrevista por: Sérgio Augusto Vicente

Doutorando e mestre em História, Cultura e Poder pela Universidade Federal de Juiz de Fora. Bacharel e licenciado em História pela mesma universidade. Dedica-se a estudos na área de história social da cultura no período correspondente à segunda metade do século XIX e às décadas iniciais do século XX, com ênfase nos seguintes temas: associativismo, sociabilidades, trajetórias, história intelectual, história social da literatura, memória, arquivos e coleções bibliográficas e documentais. Professor efetivo de História da Prefeitura Municipal de Juiz de Fora (MG). Possui experiência em pesquisa histórica, processamento técnico de acervo e difusão cultural em museus – como curadorias de exposições e mostras, palestras, minicursos e oficinas. Entre os anos 2022 e 2023, integrou a equipe curatorial de três grandes exposições que reabriram o Museu Mariano Procópio integralmente aos públicos, com novas abordagens historiográficas e narrativas expográficas. São elas: 1. Rememorar o Brasil: a Independência e a construção do Estado-Nação; 2. Fios de Memória: a formação das coleções do Museu Mariano Procópio; 3. Villa Ferreira Lage (ambientação da residência de uma família da elite senhorial brasileira do século XIX). Desde 2020, atua como escritor da revista Trama Bodoque: arte, cultura e criatividade (ISSN 2764-0639) e, a partir de 2022, também passou a atuar como membro do conselho editorial do referido periódico semanal. 

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Explico.

No trem, o último da noite. Me sento sozinha num canto, distante de todo mundo.

Duas estações pra frente, entra um rapaz, senta de costas pra mim. O cheiro dele é incomum aos meus sentidos, perfume diferente. Me lembra do que eu chamo de “cheiro de água”, mas mais agradável. Olho de soslaio pelo reflexo no vidro. É um moço preto, não muito encorpado nem muito magro. O cabelo cacheado pende sobre o disfarce. Camisa branca, corrente prateada no pescoço, uma barba goatee.

Ele se senta e, poucos segundos depois, começa a cantar. Pra si, sem fazer alarde ou querer chamar a atenção. Não canta assim tão bem, mas o faz com uma honestidade de quem sente o que está cantando. Não conheço a música, mas me agrada.

Olho o reflexo da janela mais distante de mim, e a cena é esteticamente agradável. Simétrica. Ele, de costas pra mim. Me deixo divagar, pensando em como essa seria uma ótima cena pra começar um livro, ou um filme, ou um romance na vida real. E então, acontece. Acontece o que sempre acontece.

Poucas estações depois. Menos de 10 minutos. Ele continua cantando, passa para a segunda música. O som começa a me irritar. Que caralhos ele quer cantando em voz alta no meio do trem? E desafinado, ainda… Mas claramente convencido de que o faz extremamente bem. O cheiro, também, passa a sobrecarregar meus sentidos. Qual é a necessidade das pessoas de passar tanto perfume? Terrível, terrível. A magia da estética e da narrativa se quebra. Mal me aguento, só quero que ele saia logo do trem.

Mais duas estações, ele desce. Alívio. Internamente, rio de mim mesma, e constato o que disse na abertura: eu não tenho talento nenhum pra viver isso. Mas talvez, pra escrever, eu tenha algum.

Carol Cadinelli

é mulher de palavras (e, às vezes, de fotos). Mestranda em Estudos da Condição Humana na UFSCar. Gosta de comidas inusitadas, viagens grandes e pequenas, narrativas sáficas, tatuagem, exposições de arte e de São Paulo, onde divide um apartamento com Elis Regina e Erasmo Carlos. É conselheira editorial na Revista Trama e teacher, de/em Inglês mesmo.

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Que aflora tanto no Outro

Estranho Outro

Que afeta tanto Nós

Inexoravelmente afetados

Dividindo espaço-tempo

Diante de tantos Nós

O Eu e o Outro

Somos apenas caracóis

Ná Silva

é artista visual e professora pedagoga. Especialista em Educação, Política e Sociedade e licenciada em Pedagogia. Como artista plástica, desenvolve trabalhos nas áreas de pintura, caneta contínua e pontilhismo. Integra o Coletivo Feminista de Arte e Poesia “Vozes Escarlate” e participou da antologia Vozes Escarlate(Editora Hecatombe, 2021) e Coletivo Marianas. 

Instagram : @na_silva_____ 

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No Irã, Mah Mooni só poderia ser segunda voz de cantores homens e, no Brasil, encontrou liberdade para construir sua carreira com autonomia e dignidade.

A iraniana Mah Mooni, 42 anos, sempre teve o sonho de ser cantora. Mas, se continuasse no Irã, não poderia realizá-lo. Pelas leis do seu país de origem, ela só poderia cantar como segunda voz de homens ou em coral com outras mulheres; nunca por conta própria e profissionalmente.   

Determinada a lutar pela sua liberdade, Mah deixou o Teerã em 2012, quando chegou ao Brasil com o marido, Ali Entezari, 46. “Eu vim ao Brasil em busca de viver como uma mulher livre”, diz. “As mulheres no Irã não podem escolher as suas roupas para sair de casa, a sua profissão, fazer decisões para a sua vida… É muito pesado”, complementa. 

Formada em filosofia, Mah Mooni refez os seus documentos de identidade na cidade de São Paulo, onde ainda mora, com o apoio da Agência da ONU para Refugiados (ACNUR). “Foi a primeira coisa que eu fiz. Recomecei a minha vida do zero, sem nem saber o idioma. Foi muito difícil”, relembra. 

Jornada até realizar sonho não foi fácil 

A mais de 12 mil quilômetros de distância do Irã, Mah teve que lidar com outros desafios. Sem entender e falar português, encontrou uma forte barreira linguística. Além disso, sua música persa não interessava aos brasileiros, que no máximo ouviam canções em inglês, além das nacionais. 

“Foi muito desafiador, nenhum produtor queria abrir as portas para mim. É difícil mostrar a sua arte quando ninguém a conhece, é uma cultura muito distante do Brasil”, afirma Mah Mooni. 

Três anos se passaram sem que Mah tivesse a chance de seguir o sonho de finalmente se tornar cantora. A frustração só chegou ao fim quando começou a enxergar o desconhecimento acerca da sua cultura como uma oportunidade: ela seria a responsável por mostrar ao país que a acolheu a beleza da sua música e idioma natais.  

“Entendi que eu poderia usar isso para crescer. Como uma das únicas artistas iranianas que vivia aqui, achei um lado bom: o Brasil vai conhecer a cultura persa comigo, eu vou apresentar a minha música para brasileiros, como pioneira”, comemora. 

“Sem cantar, a minha vida não vale nada. Fazer música é a minha respiração.“

Mah Mooni, cantora refugiada iraniana vivendo no Brasil

Em 2015, Mah começou a fazer apresentações solo e publicar vídeos cantando nas redes sociais. Depois, formou uma banda própria, a Kereshme. Hoje, tem suas próprias canções e integra, desde 2017, os grupos Brisa do Oriente e a Orquestra Mundana Refugi – projeto multicultural apoiado pelo ACNUR que agrega refugiados e migrantes de diversas nacionalidades por meio da música e da dança.  

Mah perdeu a perna aos 14 anos e hoje é modelo no Brasil 

Mah Mooni também passou a se sentir mais confiante em relação ao seu corpo no Brasil. Vítima de um acidente de trânsito aos 14 anos, Mah tem a sua perna esquerda amputada. Aqui, tornou-se modelo de moda inclusiva e admira mulheres com diferentes corpos usando roupas de banho na praia.  

“Quando ando na rua com muletas, isso não é mais pesado para mim. No Irã, não é bom para uma mulher ter deficiência; você tem que esconder o seu corpo. No Brasil, vejo mulheres na praia sem medo de expor o seu corpo real. Aqui, posso mostrar a minha beleza, que é diferente”, observa. 

Atualmente, Mah vive com os volumosos cachos do seu cabelo loiro soltos e usa vestidos acima do joelho, que a deixam exibir com orgulho a sua prótese. O seu lugar preferido em São Paulo é o Sesc Pompeia, onde se apresenta com frequência nos teatros do local. 

Mas a sua resiliência não deixa que ela perca a esperança de crescer ainda mais no seu novo país, onde vive liberdades profissionais e pessoais que não poderia ter no Irã.

O ACNUR e as mulheres refugiadas  

Globalmente, as mulheres refugiadas representam cerca da metade das 114 milhões de pessoas forçadas a se deslocar, mas os desafios que enfrentam são, muitas vezes, desproporcionalmente maiores. Mesmo assim, ao serem forçadas a sair de suas casas, movem mundos inteiros para sobreviver e construir uma vida melhor para si, suas comunidades e famílias.  

A discriminação contra as mulheres e meninas é causa mas também consequência do deslocamento forçado e da apatridia. Muitas vezes, a situação é agravada por outras circunstâncias, como a origem étnica, deficiências físicas, religião, orientação sexual, identidade de gênero e origem social.  

Os caminhos que as mulheres percorrem em busca de refúgio são repletos de riscos. Elas são expostas à violência sexual, física e psicológica, incluindo a exploração sexual e laboral cometida por grupos criminosos ou até mesmo pessoas de sua comunidade. Geralmente, enfrentam os perigos de longas jornadas para chegar a um lugar onde possam viver sem violência. 

O ACNUR oferece proteção às mulheres e meninas em todas as etapas do deslocamento forçado para promover sua integração sustentável e solidária nas comunidades que as acolhem.   

Para saber mais sobre mulheres refugiadas no Brasil, siga @acnurbrasil nas redes e visite a página: https://www.acnur.org/portugues/ 

Artigo retirado da página da ONU Brasil no dia 18/04/2024

A ONU (Organização das Nações Unidas) é uma organização internacional formada por países que se reuniram voluntariamente para trabalhar pela paz e o desenvolvimento mundiais.

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Tiago Margaça

é natural de Aveiro (Portugal), é artista plástico e musico, o seu trabalho aborda o erro como processo criativo. Trabalha materiais tradicionais como pedra, madeira, ou aço, mas também, novas tecnologias como o arduino, LED ou sensores. Depois de fazer parte de vários projectos musicais, em 2007 funda Musgos, um projecto que cruza a musica com o vídeo. A partir do seu baixo, cria paisagens sonoras juntamente com Miguel Sampaio na bateria. Licenciado em escultura na ESAD (Caldas da Rainha), antes de terminar os estudos, ganha o Prémio de pintura Ariane de Rothschild 2007, e vai para Londres, onde faz uma residência artística na Slade School of
Arts. Após várias exposições na área da instalação e escultura, parte para Berlim, com o objectivo de aprender a revelar película analógica, onde trabalha 8 anos na ANDEC, onde aprende a revelar super8, 16mm e 35mm. Aproximadamente quatro anos regressa a Aveiro, onde recentemente terminou o mestrado em “Criação artística contemporânea“ na U.A. Durante este período, foi artista residente por duas vezes na Bienal de Coruche, autor de uma obra em Calcário, para o simpósio em pedra de Rio Maior e realizou três obras em
Aveiro, uma para o Teatro Aveirense, outra para o “Criatech” e a última para o Museu da cidade de Aveiro. Actualmente desenvolve trabalho no conservatório de musica e dança Calouste Gulbenkian de Aveiro na
associação ACAV.

https://musgosband.com/
https://tiagomargaca.com/

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Diogo Magno

é ator, poeta, artesão e artista de rua, sempre caminhou com sua arte fora da academia e no meio da rua.
A matéria de seu trabalho é aquilo que pode ser encontrado por aí em um dia normal e na alma de uma pessoa perdida.

Fotografias por: Rafaelle Brito

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Ludmila Queirós

é uma artista multimédia (artes visuais, instalação, performance) e também investigadora, nascida em Portugal. É licenciada em Gestão de Sistemas de Informação pela Escola Superior de Ciências Empresariais, Instituto Politécnico de Setúbal (2017). Possui Mestrado em Criação Artística Contemporânea no Departamento de Comunicação e Arte da Universidade de Aveiro. Atualmente frequenta o doutoramento em Arte Contemporânea, no Colégio das Artes, Universidade de Coimbra, Portugal Trabalhou como promotora cultural no “Espaço Cultural da União de Freguesias de Souselas e Botão, Coimbra. Foi responsável pelo Projeto “Bail’AR” que organizou encontros periódicos de diferentes Artes no “Salão Brasil” (Coimbra). Atua como produtora de eventos culturais no campo das artes plásticas, dança e música. Além disso, gere conteúdo multimédia e executa trabalhos freelance de fotografia e vídeo. É fundadora do projeto de criação (espaço para experimentação) – um Laboratório de Experimentação Artística Sinestésica. Foi selecionada como uma das artistas portugueses emergentes de 2019 por um júri internacional para integrar a edição publicada “Portuguese Emerging Art 2019 (PEA2019)”, cujo foi apresentado na “Fundação Serralves”, Porto (Portugal) e “Museu de Arte Contemporânea do Chiado”, Lisboa (PORTUGAL) – Organizado pela associação EMERGE. 

Tem artigos apresentados e publicados nas Conferências [AVANCA | CINEMA 8ª Conferência Internacional Cinema – Arte, Tecnologia, Comunicação] e [#18.ART: DA ADMIRÁVEL ORDEM DAS COISAS: arte, emoção e tecnologia”] e participou como oradora no TedX 2015 Coimbra, cujo lema foi “É necessário mudança” com a comunicação “Desafiando Desafios”. 

Participou entre outras residências na primeira residência digital – a residência artística internacional OCA (1ª versão digital) – “Transmetatlanticus”, Brasil / Portugal, produzida pela associação EMERGE em parceria com a Casa Niemeyer – Universidade de Brasília. 

Estação Viva é um espaço cultural localizado na cidade de Canelas (Portugal), idealizado pela Junta de Freguesia de Canelas e pelo artista plástico Mário Afonso. O espaço tem o intuito de divulgar o trabalho de artistas nacionais e internacionais, de várias áreas artísticas, realizando exposições e oferecendo, à freguesia de Canelas, acesso gratuito a projetos culturais atuais.

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E uma panela na cabeça 

Escrevo versos de admiração 

Pelo cartunista mais legal do mundo! 

Ziraldo foi para o outro lado da vida 

Ele é o seu próprio lado 

Eu vou rir sozinho 

Quando a saudade apertar 

Pois a saudade é o lado 

Do novo lado da vida que vem aí 

Guardo na memória da infância 

O livro com desenhos 

Descobri que Ziraldo 

tinha sido era um menino feliz! 

Gabriel Lopes Garcia – Eu sou poeta, professor e divulgador científico. Na coluna Póesis, uso da linguagem poética para expressar minha reverência pelo Universo e o sentimento do sagrado que me habita a intimidade. Elaboro sensibilidades estéticas-éticas, sigo o fluxo de ideias prazerosas, reinvento semânticas, faço silêncio e verbo conjugarem harmonicamente. Eu não escrevo poesias. Eu me escrevo nelas. 

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