Arquivos Artes Visuais - Revista Trama

As faces do amor

Sun, 10 Nov 2024 18:53:00 +0000

A coleção “as faces do amor”, é um encontro visceralmente íntimo com o lado que todos têm em comum, amar e esquecer. A primeira obra, “Amar”, técnica mista com bordado sobre tela, fala sobre o sentimento de se apaixonar, sobre a idealização imaginária do eu e você tornar- se um só ser, intrínsecos, compartilhado por uma linha amarrada em suas terminações e corações. A segunda obra, “Esquecer”, técnica mista, bordado sobre tela e mistura de tecidos, fala sobre o extremo oposto, a decisão de esquecer, cobrir todas aquelas emoções borbulhantes, costurar os vazios que foram novamente esvaziados e decidir que precisa aprender a viver com eles. A terceira e última obra, “Amar e/ou esquecer Esquecer é tão bom quanto amar”, técnica mista, borra de café e bordado sobre tela, significa a binaridade e semelhança entre esses estados, parafreseando Clarice Lispector: Mas não há paixão sofrida em dor e amor a que não se diga uma aleluia (Água viva)

Ana Sampaio, graduanda do curso de artes visuais na escola de Belas Artes – UFBA, cresceu no interior de Minas Gerais, em Montes Claros e decidiu, ao completar o ensino médio, que seguiria sua paixão, fazer arte em sua completitude de diferentes formas. Em abril de 2024, Ana Sampaio apresentou três obras na exposição “Tons da Mulher” do coletivo que participa: UMA- união de mulheres artistas do norte de minas, no museu regional de Minas Gerais, em Montes Claros.

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Trabalhadores que dormem tarde e acordam cedo

Sun, 10 Nov 2024 18:51:00 +0000

“Trabalhadores que dormem tarde e acordam cedo” é uma coletânea de fotografias feitas durante viagens por Brasília , Minas Gerais e Ceará, e que visa valorizar os trabalhadores de base que compõem a nossa sociedade. Feirantes, vendedores ambulantes, pescadores, entre outras profissões mostram que mesmo com sua forma simples de serem apresentadas, possuem uma função extraordinária na construção do cotidiano em que estão inseridas, servindo ou produzindo bens de valor a quem precisa. “Trabalhadores que dormem tarde e acordam cedo” é uma referência aqueles que só descansam após concluírem sua jornada e que descansam para recomeçar um novo dia de trabalho duro.

Priscila Bezerra da Rocha, é fotógrafa cearense que começou essa trajetória fotografando eventos pelo coletivo cultural Arte no Kilo Produções, no qual é co-fundadora e produtora e com o passar do tempo descobriu que amava ver mulheres brilhando em sua arte-trabalho. Criou as Gurias na Mídia com o objetivo de produzir e apresentar mulheres protagonizando sua própria história. Registra de forma documental o cotidiano no qual se insere, pela @neuro.photography também desenvolve exposições fotográficas, oficinas e palestras em escolas. Acredita que toda história importa e o registro dessa jornada é que mantém o legado das pessoas vivo por gerações.

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Conexões Missionárias

Sun, 27 Oct 2024 17:23:30 +0000

Ajudar os outros, aqueles que não conhecemos e que provavelmente nunca poderão nos retribuir, é a maior forma de amor que existe. “Conexões Missionárias” representa um testemunho da perseverante obra missionária que vai além da mera assistência espiritual, explorando de maneira meticulosa as demandas materiais e emocionais enfrentadas por comunidades em situações de miserabilidade. Como fotojornalista de missões, tive a chance de presenciar o árduo trabalho de dezenas de voluntários que dedicaram seu tempo, talento e recursos para o bem comum. Durante minhas visitas a comunidades desfavorecidas no Brasil e na Bolívia, capturei imagens de pessoas desamparadas e sem esperança, o que me fez refletir sobre realidades distantes que precisam de nossa atenção. A proposta destaca o impacto positivo da conexão visceral dos voluntários na construção de sociedades mais acolhedoras e compassivas, tornando-se uma experiência marcante e inesquecível, apesar de todas as dificuldades. Cada fotografia representa um apelo sutil ao reconhecimento do valor inestimável de patrocinar iniciativas que moldam, fortalecem e enriquecem o tecido social com tamanha singularidade. Convido comissão avaliadora a sentir a pulsação deste projeto fotográfico e a se deixarem envolver por uma narrativa visual que clama por compreensão, apoio e ação. Juntos, podemos construir um legado de esperança, amor e solidariedade.

Carla Nunes é uma fotojornalista carioca que utiliza a arte da fotografia como uma poderosa ferramenta de comunicação, dedicando sua carreira a dar voz e visibilidade às comunidades carentes ao redor do mundo. Seu trabalho destaca os desafios e vulnerabilidades enfrentados por diversos povos e contextos, com o objetivo de promover a conscientização missionária, o engajamento cultural e o patrocínio. Além disso, a mesma presta serviços voluntários na Missão Evangélica do Brasil, uma organização social sem fins lucrativos com mais de 78 anos de existência, dedicada integralmente ao suporte comunitário, além de lecionar em um curso de fotografia e empreendedorismo próprio: “Criativos Carla Nunes”. Em 2023, a Retratista Urbana foi honrada com dois prestigiosos prêmios internacionais, um deles no maior concurso de fotografia do mundo, o Cewe Photo Award. Carla ainda conta com mais de 20 aprovações de portfólio no Brasil e no exterior, dez anos de carreira, três exposições internacionais e sente-se muito grata pelo reconhecimento ao seu talento e dedicação à fotografia como agente de mudanças.

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Império

Sun, 27 Oct 2024 16:25:36 +0000

Enquanto a imprensa passa a imagem de uma favela de luto, nós trazemos a beleza visual através das cores. A coleção Império não apenas celebra a beleza e o empoderamento negro, mas também mergulha nas complexidades das relações sociais, explorando temas como solidão e amor negro. Através das lentes das fotografias, colocamos em destaque o protagonismo afro, desafiando estereótipos e promovendo reflexões profundas sobre a saúde mental dos jovens negros e sua conexão com suas raízes ancestrais. A coletânea Império representa um marco significativo no trabalho do coletivo Vivendo sobre Nós. Inspirados por renomados fotógrafos como Anderson Valentim, Rafael Freire, Oghalé, Ronald Cruz e Mara Lazaridou, buscamos criar um diálogo entre a beleza negra e a natureza. Assim como os artistas mencionados, não queremos apenas representar o corpo negro como um aspecto de sofrimento, mas também como uma manifestação de beleza e leveza. Em nosso projeto, selecionamos cuidadosamente modelos negros para ocuparem o centro do palco, seja em ambientes contrastantes, como espaços brancos onde suas figuras se destacam, ou em ambientes ao ar livre, onde há uma harmonia entre o modelo e o entorno. O cenário ao ar livre, localizado no Instituto Municipal Nise da Silveira, carrega consigo uma história rica, uma vez um engenho de açúcar do século XIX, transformado no primeiro hospital psiquiátrico da América Latina. Esta escolha não é apenas estética; ela simboliza a importância da saúde mental na periferia do Rio de Janeiro e cria uma conexão entre o passado e a contemporaneidade. Esses locais foram selecionados para enfatizar a narrativa e a mensagem por trás de nossa curadoria, destacando a beleza da negritude e oferecendo um espaço de reflexão profunda sobre questões sociais e históricas intrínsecas à nossa comunidade.

Vivendo sobre Nós

Somos um coletivo artístico criado e dirigido por Isabelle Gonçalves, Thayná Lourenço e Yuri Satturino, formado para fazer arte e causar impacto positivo em toda a comunidade local, utilizando diversas linguagens como pinturas, fotografias, instalações artísticas e performances, com o principal intuito de promover a arte e a cultura negra.

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Todo Jardim é um Cemitério Secreto

Sun, 13 Oct 2024 17:45:56 +0000

A obra Todo Jardim é um Cemitério Secreto, vem de uma pesquisa que iniciou-se em 2020 sobre a relação entre o mundo funghi, ecologia, decomposição, corpo e morte durante minha graduação no curso bacharel em Artes Visuais, e como podemos ressignificar a morte de uma forma poética e em uma perspectiva sensível através desse dialogo entre as temáticas. Durante a graduação, fiz uma pesquisa particular em ecologia, logo depois relacionei a sociologia na arte, e fui conectando com os outros assuntos, criando uma trama para desenvolver essa primeira obra da minha pesquisa. A morte sempre foi um assunto considerado tabu a ser discutido ou mesmo refletido sobre, porém, acredito que podemos ressignificar esse último ato de respiro do corpo como algo sensível e importante, pois todo corpo que morre, se decompõe e com seus nutrientes outras vidas nascem a partir daquela que se foi. Se tornando, dessa forma, um ciclo de vidas que não acabaram, mas se transformaram. A partir desse raciocínio e poética, trouxe como relação o trabalho essencial que os cogumelos, fungos e botânica tem para que esse ciclo seja completo. O ponto crucial que trouxe a vida essa criação foi a optativa que efetuei em 2023 de ecologia e sociologia na arte, dada por Mario Seretta na EMBAP – UNESPAR, onde o projeto final era produzir uma obra que se relacionasse aos assuntos dado em aula, e por minha pesquisa já ser sobre esses questionamentos da ecologia, acredito que foi o estimulo necessário para que a obra saísse dos inúmeros papeis escritos e recheados de rascunhos. O processo criativo foi juntar toda a pesquisa teórica com os estudos de ilustração cientifica que desenvolvi ao longo dos anos, e somando com a optativa que laceou perfeitamente essa jornada, para a partir disso a obra nascer e florescer na tela com pinceis e nanquim. Pretendo com essa criação, propor uma reflexão e dialogo, sobre o papel essencial da natureza em relação a não só ao nosso respiro mas o da terra, e como a morte pode ser algo a ser ressignificado se transformarmos essa ótica de “o fim”, para uma “continuação” de um ciclo infinito.

Ímpar é ilustradora e artista visual, tem 23 anos e reside em Curitiba – PR, desde 2020 cursa o bacharelado em Artes Visuais na EMBAP – UNESPAR onde começou a desenvolver sua veia artística. A artista utiliza o nanquim e bico de pena como seus materiais principais para a criação de suas obras, e tem uma pesquisa artística sobre o dialogo entre a ecologia, decomposição e a morte, buscando uma ressignificação poética e sensível sobre o assunto. Suas maiores referências estão entre os artistas do obscuro como Odilon Redon, Goya e Remedios Varo, mas também traz na sua bagagem inspirações de artistas da Era de Ouro da Ilustração como Harry Clarke e Beatrix Potter. É conhecida e assina na internet como Plante meus Ossos, onde criou uma comunidade que acompanha e apoia seu trabalho nas redes sociais a partir desse selo. Fez parte de exposições coletivas na Galeria Oposta e na Galeria Alfaiataria, participando também de feiras como Mamute, Bienal de Quadrinhos, El Cabriton, Motim e entre outras. Atualmente ilustra contos escritos por Fabricio Vaz Nunes no site literário O Baile.

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Reprimir

Sun, 29 Sep 2024 13:40:34 +0000

Série “REPRIMIR” Reprimere – Permanecer escondido; não demonstrar; guardar. Controlar, manter, penalizar ou combater Viveremos numa sociedade plural com diversidades de raças, culturas, valores, conhecimentos, padrões sociais e estilos. Nesse contexto nascemos e somos influenciados diretamente por aqueles que nos rodeiam. Em alguns momentos podemos nos perder ou nos castigar nesse processo, reprimindo sentimentos, pensamentos, gostos pessoais, comportamentos e partes do nosso corpo para agradar ao mundo que queremos fazer parte. Para não nos sentir inadequados vamos nos adaptando e reprimindo parte de nós. Alguma parte do teu corpo sofre ou pode representar o seu “reprimir”? Essa Série fotográfica retratista como linguagem artística visual propõe um exercício de experiência individual. Foi realizado uma conversa antes, onde essas mulheres relataram histórias do passado ou que estariam vivenciando no momento presente, onde se sentem, ou sentiram, reprimidas. Então decidiam qual parte do corpo seria presa e ou vendada. Algumas optaram por olhar pra câmera, outras escolheram exatamente esconder o olhar.

Mani Vaz é artista visual, ceramista, escultora, desenhista e fotógrafa. Utiliza a fotografia como uma linguagem de comunicação voltada para o universo feminino e seus desafios. Descendente de indígenas guarani mbya e imigrantes, combina as raízes ancestrais e a sua realidade como ferramenta para arte.

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DEVIR QUIMERA

Sun, 29 Sep 2024 12:51:06 +0000

“Devir Quimera” é um corpo poroso em que tudo penetra, tudo atravessa. Um corpo sem órgãos, sem regras ou manuais. Um corpo possibilidade. Corpo multiplicidades. Corpo utopia. As imagens deste trabalho foram feitas no começo da pandemia, quando mergulhei nos estudos de teorias dissidentes. Elas são consequência de um procedimento repetido muitas e muitas vezes por mim naquela época que consistia em duas etapas: a primeira, em tirar um autorretrato, geralmente um em que aparecesse mais o corpo do que o rosto; e a segunda, se tratava do processo de interferir na imagem com sobreposições de filtros e efeitos de diferentes aplicativos até que a imagem inicial assumisse outras formas corpóreas em que os limites do corpo estão torcidos, borrados e/ou deformados. Na primeira etapa estava contida uma espécie de busca, o exercício de olhar para si como um eu-fora. A tentativa de perceber como é que esse corpo se inscreve no mundo, como é lido, a quais ficções correspondem os códigos presentes nele. O autorretrato como auto registro. Como tentativa de aproximação do que se é, de enxergar fundo e cru, independente das nomenclaturas e prescrições das convenções sociais, o que há de desejo e possibilidade. Na segunda etapa havia algo como um delírio, a possibilidade de imaginar para além do que dá conta a realidade. Como se enquanto experimentava as diversas possibilidades de distorção e transformação da visualidade causada pelos efeitos do aplicativo sobre da imagem que até então era eu, também fosse criando condições para me desidentificar de auto representações que já não faziam sentindo, e para elaborar outras que fizessem mais. Ao perceber meu próprio corpo um espaço de pesquisa e (re)criação desses limites e fronteiras, vi com o autorretrato e a foto performance um modo de registrar esse percurso de experimentações e (re)elaborações de si. E até uma maneira de tentar materializar o que acima nomeei delírios. Devir Quimera é o delírio que torna possível a existência de um corpo não generificado. Um corpo fluído, em constante transformação e atualização de si.

Xei é uma pessoa não-binária, tem vinte e nove anos e mora em Londrina (PR). É bacharel em Artes Cênicas pela Universidade Estadual de Londrina e atualmente é aluno do curso de especialização “Ações Poéticas e Educacionais na Contemporaneidade” no departamento de Artes Visuais da mesma instituição. É atuador, produtor cultural, diretor e atualmente flerta com as arte visuais através da pesquisa e produção de desenhos, foto e vídeo-performances e instalações artísticas. Pesquisa sobre gênero, identidade e autoficção. Em 2024 participou de sua primeira exposição chamada “Avessos”, realizada pelo departamento de Artes Visuais da Universidade Estadual de Londrina.

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Ave Labor

Sun, 15 Sep 2024 17:55:24 +0000

“Ave Labor!” , frase que exclama uma ode ao trabalho, é o título dessa série de pinturas que abordam esse tema. Doses de bom humor e ironia envoltas por ambientes lúgubres e caóticos, (assim como pode ser o dia a dia de muitos de nós, infelizmente), dessa forma que exploro a série cujo os apegos às ideias que nossa sociedade abraçou para defender a manutenção da vida a partir da riqueza gerada pela exploração de objetos e pessoas, servem de inspiração e eclodem em narrativas de desdobramentos estranhos ou injustos. Com formas quiméricas em ambientes oníricos, paisagens diversas e caminhos confusos, imagens de mundos relacionados, como a religião, a cultura, o sucesso, a violência, punição e recompensa, tempo, ganho e perda, riqueza e falta, as obras exploram as aflições que passamos em nossas próprias jornadas laborais. Como indivíduos, estamos imersos nesses mundos e, enquanto imersos, teremos dificuldades para perceber as estruturas que ergueram as paredes que sustentam esse sonho. Nessa exposição reuni pinturas de 2021 à 2024, feitas todas em guache sobre papel e que abortam o tema laboral.

Estremas

Pátio escuro

Noite

Libitina

Forte Estrela

A Besta do trabalho

Chamas de palha

Vencedores

Bossa nova

3,5 bilhões

Rodrigo Seles nasceu em São José do Rio Preto/SP, em 1987, vive e trabalha em Mirassol/SP. É artista visual e designer formado em Design (2014), pela UNESP. Seu trabalho artístico recente percorre através de personagens, símbolos e ícones, a compartimentação e interconexão de espaços geométricos inspirados no leiaute de jogos eletrônicos primitivos, explorando ambientes oníricos e temas sociais e políticos por meio de um prisma antiutópico. Participou das exposições Era de Atari (2023), São Paulo; 50º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto (2022), Santo André; 12ª Bienal Internacional de Arte Jovem de Vila Verde (2022), Portugal; PicNic Art Festival (2019), China. Ganhou prêmios no 38º Salão de Artes Plásticas de Jacarezinho e na Mostra Inundada, em Belém.

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Não mais musas, artistas!

Sun, 15 Sep 2024 17:21:00 +0000

Este projeto é fundamentado na minha pesquisa artística com colagens. Na série, ressignifico imagens de diversas artistas mulheres que marcaram e continuam marcando a História através de uma narrativa visual. Em minhas aulas como professora de Artes Visuais, ressalto sempre a presença da mulher no espaço da Arte como uma atitude de reapresentar outras perspectivas diante da História da Arte. Assim como a Arte contemporânea e a “ideia ampliada da Arte” nos permite transitar por diferentes linguagens e expressividades, a prática que proponho em sala de aula, centra-se nessa concepção. A Arte que nos é contada tanto na escola como nos espaços de formação de professor como a universidade, é uma História separada em períodos que tem como alicerce a Europa branca e heteronormativa e, é desse lugar que entendo meu ímpeto de ruptura com o tradicional tanto no conteúdo como na práxis. É urgente como docente, e principalmente como docente em Artes Visuais, promover debates e reflexões que percorrem “as ausências”. As ausências das artistas mulheres, das artistas negras e dos artistas negros, artistas LGBTQIA+ e artistas indígenas.

A série é denominada “Não mais musas, artistas!” com o objetivo de ressaltar o resgate da autonomia artística e criativa da mulher. Eu, uma artista mulher, professora de artes visuais, designer, que luta dentro de um mercado onde desde os primórdios valoriza o fazer do artista homem usando do seu criar como forma de resistência.

Juliana Monteiro de Souza Dias, atualmente atua como arte educadora. Sou formada no antigo Bacharelado Interdisciplinar em Artes e Design (IAD – UFJF) e em Licenciatura em Artes Visuais(IAD-UFJF). Sua trajetória de vida sempre esteve vinculada ao campo da arte e da criatividade. Logo na fase de Educação Infantil criava telas e compunha poemas, durante o ensino fundamental I e II explorou diversas linguagens entre dança, artes cênicas, fotografia e artes visuais, e durante o Ensino Médio, tomou a decisão de me manter nesse caminho, ingressando no curso de Artes e Design. Hoje, é aluna do curso de Mestrado no programa de Pós-graduação em Educação na UFJF.

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Aura

Sun, 01 Sep 2024 11:17:50 +0000

A série ‘Aura’ é uma odisséia visual que ultrapassa os limites da percepção humana, redefinindo a maneira como contemplamos o mundo ao nosso redor. Utilizando técnicas de longa exposição, fantasiei movimento para a flora, onde cada matiz se funde em uma sinfonia abstrata de luz e sombra, criando rastros vibrantes que parecem se desintegrar graciosamente diante de nossos olhos. As fotografias destacam uma combinação única de técnica, intuição e criatividade, explorando de forma perspicaz nossas percepções mais intimistas sobre a magnitude da impermanência. A inspiração artística surgiu de inusitados momentos de contemplação com a natureza, os quais me conduziram para uma jornada de autodescoberta tão profunda que permitiram uma visão diferenciada e fluida, capaz de conectar metaforicamente a flora, as energias e as emoções, bem como a efemeridade da existência. ‘Aura’ é um lembrete gentil de que, apesar de estarmos imersos na correria do dia a dia, ainda há beleza e significado a serem encontrados nas coisas mais simples da vida, convidando a uma conexão profunda com o mundo que nos cerca, principalmente sobre o que tem sido indevidamente negligenciado e a importância de apreciar cada instante com gratidão e plenitude. Torna-se, portanto, uma jornada sensorial que celebra a natureza em sua essência mais pura e efêmera sem perder de vista o protesto velado contra a superficialidade da sociedade moderna.

Carla Nunes é uma fotojornalista carioca que utiliza a arte da fotografia como uma poderosa ferramenta de comunicação, dedicando sua carreira a dar voz e visibilidade às comunidades carentes ao redor do mundo. Seu trabalho destaca os desafios e vulnerabilidades enfrentados por diversos povos e contextos, com o objetivo de promover a conscientização missionária, o engajamento cultural e o patrocínio. Além disso, a mesma presta serviços voluntários na Missão Evangélica do Brasil, uma organização social sem fins lucrativos com mais de 78 anos de existência, dedicada integralmente ao suporte comunitário, além de lecionar em um curso de fotografia e empreendedorismo próprio: “Criativos Carla Nunes”. Além de seu compromisso fotojornalístico, Carla demonstra fortes aspirações artísticas e abstratas, especialmente utilizando técnicas inusitadas de longa exposição, cores e sombras. Essa abordagem criativa adiciona uma nova dimensão ao seu trabalho, explorando a fotografia além dos limites do Street Photography. Em 2023, a Retratista Urbana foi honrada com dois prestigiosos prêmios internacionais, um deles no maior concurso de fotografia do mundo, o Cewe Photo Award. Carla ainda conta com mais de 20 aprovações de portfólio no Brasil e no exterior, dez anos de carreira, três exposições internacionais e sente-se muito grata pelo reconhecimento ao seu talento e dedicação à fotografia como agente de mudanças.

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