Através dessa leitura e de referências do impressionismo e do realismo, busco, em meus trabalhos, retratar não apenas a natureza bela, mas também o reflexo da humanidade através dela. Retratar paisagens e figuras humanas – tanto nas telas que apresento aqui, quanto nos desenhos e nos murais – é a forma que penso ser a melhor para apresentar o amor incondicional que a natureza nos oferece, como uma mãe.

‘Reflexo’
Tinta Acrílica sobre Lonita
100×80
2021

Ao refletir o que nós, enquanto humanidade, nos tornamos, a natureza mostra facetas menos belas de sua realidade. Cabe a cada um de nós entender esse reflexo e modificar o que somos.

‘Vítimas’
Acrílica sobre tela / espátulas e pincéis
80×100 cm
2021

Esta obra é uma homenagem a todas as vítimas da COVID-19. Às pessoas que morreram lutando, asfixiados, agonizando por falta de oxigênio; e às crianças e aos adultos que ficaram órfãos de pai, mãe, entes queridos, amigos, além de ficarem reféns de governos corruptos e da ganância, que isenta de culpa aqueles que investem em ganhar dinheiro com a morte de seres humanos, de uma forma tão cruel e desprezível.

‘Sonho’
Acrílica sobre tela
80×100 cm
2021

Esta obra se originou de um sonho que minha esposa teve: uma Índia mergulhada até o pescoço, em meio a vitórias régias, de costas para a mata em chamas, olhando de forma enigmática e fixamente para frente; talvez, em busca de um sonho de uma terra melhor e mais humana.

‘Perseverança’
Tinta Acrílica sobre Lonita
100×100
2018
Manaus – AM 

Desde jovem, minha avó teve uma vida sofrida. Vinda de família pobre do interior do Maranhão, ela sempre lutou para ganhar a vida honestamente. Aos 35 anos de idade, ela sofreu um acidente de carro; teve um braço e uma perna amputados, e várias outras sequelas. Porém, ela nunca desistiu da vida, e hoje, aos 77 anos, permanece junto a nós.

Na tela, ela protagoniza uma cena que vi quando eu tinha 17 anos: numa manhã, acordei e me deparei com minha avó sentada, descascando uma laranja. No ato, fiz o esboço gestual da cena, que tenho a honra de eternizar em tela.

‘Guerreiro’
Acrílica sobre tela
100×100 cm
2018

Esta tela foi pintada em homenagem ao meu sogro, Raimundo Salustiano da Silva, retratado saindo da mata com um cacho de açaí no ombro esquerdo e um facão na mão direita. Ele é um homem simples, do Interior do Amazonas, que criou 10 filhos com muita honra, trabalho pesado e suor, junto de sua esposa, Maria Martins da Silva. Hoje, em 2021, estão em ambos plena ativa ambos, aos 75 anos de idade.

Prado é paraense vivendo em Manaus. Atua como cabo da Polícia Militar do Amazonas, mas é artista plástico por vocação, já tendo participado de diversos salões de artes plásticas em Manaus, bem como da exposição internacional Dias de Reclusão.

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O Brasil, marcado por desigualdades, desenha, em um caminho biológico natural, velhices distintas. Envelhecer pode significar, mais uma vez, frente a depreciação social, se tornar, cada vez mais, invisível.

No retrato de título desconhecido de 1962, óleo sobre madeira aglomerada, temos no primeiro plano a figura de uma mulher de idade e, variando do recorrente fundo monocromático das pinturas de Tobias, no segundo plano observamos o que parecem ser folhas de bananeiras. A mulher retratada está inteiramente vestida de branco, – seria uma sexta-feira? – brincos perolados nas orelhas, um olhar cansado, talvez pelo exercício característico do trabalho doméstico ou do cuidado com as crianças.

A leitura que faço é a de que essa senhora representa conhecimento, carregado por anos, e ela também representa a potência de os transmitir para as próximas gerações, sem deixar, não só nossas histórias, mas nossas crenças, entendimento de mundo, morrerem. Para além de “mãe preta”[1] ou de “tia Nastácia”[2], podemos interpretar a pintura como uma concepção do saber empírico, fruto do conhecimento da vida, pelo seu exercício real.

Antítese da branquitude e da masculinidade, essa anciã é a excelência da beleza das formas e dos traços do tempo, por fora e por dentro.

[1] Um dos estereótipos dos escravizados, a “mãe preta” era imaginada como uma negra dócil, “domesticada”, corpulenta, supersticiosa, a ama-de-leite de índole fiel.

[2] Personagem da série de livros infantis de Monteiro Lobato, Sítio do Pica-Pau Amarelo, publicados entre 1920-1947. Nas próprias palavras do escritor, a Tia Nastácia era “a negra de estimação” da família que morava no Sítio. (LOBATO, Monteiro. Reinações de Narizinho. São Paulo: Círculo do livro, 1986.)

Carolina Cerqueira é artista visual e pesquisadora. Doutoranda em Artes, Cultura e Linguagens pela UFJF.

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Dentre as obras que compõem o acervo de artes visuais que pertenceu ao poeta, destacam-se retratos elaborados por diversos artistas, brasileiros e europeus, tais como Arpad Szenes, Maria Helena Vieira da Silva, Guignard, Flávio de Carvalho, Ismael Nery, entre outros. Ao visitá-lo e recriar o imaginário artístico no qual o poeta juizforano estava inserido, o artista Guilherme Melich produziu uma série de quadros retratando os artistas autores dos retratos de Murilo. As pinturas, esboços e desenhos elaborados por Guilherme vão compor a exposição Olhar A(r)mado – na galeria Retratos-Relâmpago do MAMM, no segundo semestre de 2019, além de originarem a publicação de um livro com o resultado da pesquisa, contendo artigos e imagens das obras produzidas.

A reflexão sobre as possibilidades e limites da representação que atravessa a arte a partir do séc. XX, encontra interpretações particulares na pintura, sobretudo nos retratos. É certo que, ao longo da história da Arte, na pintura, o retrato se estabelece como gênero no século XIV, associando sua elaboração à representação de figuras ilustres, mas, sobretudo, construindo narrativas e arquétipos identitários. 

Entretanto, nos meandros da subjetividade da pintura, sempre houve, para além da representação, certa adulação dos atores representados, especialmente por conta da necessidade econômica do artista – importante fator para manter sua produção e sustento. Por este motivo, os cânones que se estabeleceram ao longo das distintas temporalidades históricas desenvolveram um encolhimento do espaço para busca de outras possibilidades para a pintura.

Na modernidade, o advento da fotografia se apresenta como a maneira mais adequada e verossímil de representação, inaugurando uma disputa nos diversos campos semânticos das artes, oportunizando novos meios de se pensar o retrato. Hoje, ao voltarmos nosso olhar para os diversos movimentos artísticos modernistas, podemos observar a busca por protagonismo na exploração dos limites conceituais das definições no campo das artes como tônica principal, dilatando repertórios estéticos e libertando os artistas da hegemonia dos cânones acadêmicos vigentes. Por outro lado, com a intensa hibridização das definições conceituais nas artes, bem como com a eclosão da criação de novos aparatos tecnológicos, a arte contemporânea passa a explorar novas maneiras de se pensar e propor arte, dando lugar a performances, happenings, instalações, fotografia, video-arte, deixando, de certa forma, a pintura, e o retrato, na periferia das temáticas e técnicas abordadas.

O trabalho de Melich propõe investigar o recente retorno à pintura na contemporaneidade, mais especificamente o retrato – partindo do exercício da pintura, após análise e pesquisa do acervo de artes visuais do poeta Murilo Mendes, alocado no MAMM/UFJF. Deste modo, propondo retratar os artistas que retrataram Murilo, Guilherme constroi narrativas visuais que buscam dialogar com os atores que orbitavam o circulo de convivência de Murilo Mendes, procurando trazer para o espectador a experiência do seu processo criativo, explorando a pintura como ferramenta para manipulação da matéria pictórica, fazendo da tinta substrato para modelagem dos retratos sobre a tela.

Em sua pesquisa e busca por uma estética pictórica visceral, o amadurecimento da técnica na pintura levou o artista a entender a importância do processo criativo, desde a escolha das imagens de referência como a utilização da cor para definir as formas, onde as pinceladas generosas distribuem uma paleta exaustivamente trabalhada e promovem a criação de imagens instáveis, onde a distância que separa o espectador do quadro também separa a representação da abstração.

Neste exercício do olhar sobre o processo da pintura, diante das obras do acervo, fica clara a intenção do artista de se inserir no circulo de amizades do poeta, fantasiando cada personalidade em conversas com os retratos em construção. A inquietação do artista exprime a necessidade de colocar na tela e devolver para o mundo o produto de sua percepção, revelando, na busca por um resultado cromático digno de adentrar no território das artes visuais, a tentativa de deixar rastros de sua existência. Nesse sentido, ao olhar para o mundo com perplexidade e registrar o produto de sua percepção, Melich pavimenta o caminho que permite que seus pensamentos se desloquem para a materialidade do mundo, o que, de certa forma, acaba revelando a centelha mais curiosa e contemplativa do ato criador: o olhar do artista.

Frederico Lopes é Artista e Escritor. Trabalha no Memorial da República Presidente Itamar Franco e é fundador da Bodoque Artes e ofícios.

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