E 

     S 

          C   

               A 

                     D 

                         A  

                               S  

Para novos dias.  

Li Vasc. (1983) é artista visual e Mestre em Literatura e Interculturalidade pelo PPGLI(UEPB). Considera que toda palavra é imagem. Passou a captá-las das ruas, criando uma espécie de letreiro/poema. Para a artista, toda obra inicia na palavra, nos rascunhos e nos gestos, mas é na fotografia onde investiga um espaço artesanal de criação. Atualmente utiliza as raízes das plantas que curam abortos e inflamações vaginais como metáfora de cura para as mulheres que vivem em relacionamentos abusivos. Como deriva dessas experimentações, produz garrafadas com raízes e cascas, cujos rótulos recebem poemas oriundos dos relatos das violências de gêneros e abusos sofridos pelas mulheres da sua história de vida.As técnicas fotográficas que tem como base o uso da botânica a exemplo da cianotipia ( impressão de ferrocianeto com a luz do sol na cor azul) e fitotipia ( impressão fotográfica diretamente na folha das plantas por processo de desbotamento da clorofila e luz solar), convergem com o tema caro da artista, o uso das plantas medicinais como uma forma de curar o passado. 

livascfoto
  

Esse espaço bacana de apoio e fomento à cultura pode mostrar também você e a sua marca!

Agora você pode anunciar seus produtos, marca e eventos na Trama em todas as publicações!

Para se destacar em nossa plataforma, você pode escolher de uma a quatro edições do programa de parceria Tramando. Isso significa que todas as publicações contidas nas edições selecionadas irão destacar aqui a sua marca, logo após cada texto e exposição. Os preços variaram de R$ 40,00 a R$ 100.

Basta entrar em contato conosco pelo WhatsApp (32) 98452-3839 ou diretamente na nossa página do Instagram para adquirir seu espaço!

O post Herança ou o que aprendi sobre o amor apareceu primeiro em Revista Trama.

Vidal Albuquerque Pancera, também conhecido como Vidaldaldal, é um jovem artista de Belém do Pará, que se dedica à arte desde os 18 anos. Seu estilo de arte é abstrato e monocromático, caracterizado pelo uso de linhas e padrões, desenhados de forma meditativa e repetitiva que preenchem o espaço ao qual são limitados. Em 2020, Vidal decidiu se mudar para Minas Gerais para cursar o Bacharelado em Artes Visuais na UFJF, buscando aprimorar ainda mais suas habilidades como artista. Desde então, vem desenvolvendo sua técnica e expandindo seu repertório criativo, participando de exposições e eventos culturais.

art.vidaldaldal 

. 

Esse espaço maroto de apoio e fomento à cultura pode mostrar também a sua marca!

Agora você pode divulgar seus produtos, marca e eventos na Trama em todas as publicações!

No plano de parceira Tramando, você escolhe entre 01 e 04 edições para ficar em destaque na nossa plataforma, ou seja, todas as publicações contidas nas edições selecionadas vão trazer a sua marca em destaque nesse espaço aqui, logo após cada texto e exposição . Os valores variam de R$40,00 a R$100,00.

Para comprar o seu espaço aqui na Trama é só entrar em contato através do whatsapp: (32) 98452-3839, ou via direct na nossa página do Instagram.

O post Linhas que enrolam fumaça   apareceu primeiro em Revista Trama.

Para Ferreri sua arte é como uma carta escrita com traços lineares, que visa testemunhar com figuras representadas com linguagem icônica, e efêmeras, as marcas da nova economia digital e do mundo líquido. Seu estilo, é cheio de simbolismo que procuram expressar alguns valores da sociedade pós-moderna. 

Envie sua proposta para nossas chamadas para publicação e para exposições!

Marcio Ferreri (Marcio Ferreira de Araújo) nasceu em São Paulo, na cidade de Osasco, é professor de Artes Visuais na Fundação Bradesco. Iniciou seus estudos em 1997 e experimentou vários estilos nas Artes Visuais, desde estéticas clássicas com técnicas tradicionais á estéticas contemporâneas. Foi artista convidado para o Artbook Pictoria 3 em 2020; recentemente participou da exposição Art Lab Pop Up 2021 na galeria Lab Art Oscar Freire e da revista Arte & Estilo edição 10. 

Instagram: @ferreriart 

Esse espaço maroto de apoio e fomento à cultura pode mostrar também a sua marca!

Agora você pode divulgar seus produtos, marca e eventos na Trama em todas as publicações!

No plano de parceira Tramando, você escolhe entre 01 e 04 edições para ficar em destaque na nossa plataforma, ou seja, todas as publicações contidas nas edições selecionadas vão trazer a sua marca em destaque nesse espaço aqui, logo após cada texto e exposição . Os valores variam de R$40,00 a R$100,00.

Para comprar o seu espaço aqui na Trama é só entrar em contato através do whatsapp: (32) 98452-3839, ou via direct na nossa página do Instagram.

O post  Post Pandemic  apareceu primeiro em Revista Trama.

Ismar Silva é um artista plástico,(UFU) Arteterapeuta (UNILIMA)e atualmente professor de Arte na Educação infantil( PMU), Fotógrafo e Personal Tranning . Sua última exposição está na @intensagaleria . 

Esse espaço maroto de apoio e fomento à cultura pode mostrar também a sua marca!

Agora você pode divulgar seus produtos, marca e eventos na Trama em todas as publicações!

No plano de parceira Tramando, você escolhe entre 01 e 04 edições para ficar em destaque na nossa plataforma, ou seja, todas as publicações das edições publicadas vão trazer a sua marca em destaque nesse espaço aqui, logo após cada texto e exposição . Os valores variam de R$40,00 a R$100,00.

Para comprar o seu espaço aqui na Trama é só entrar em contato através do whatsapp: (32) 98452-3839, ou via direct na nossa página do Instagram.

O post Linhas Humanas apareceu primeiro em Revista Trama.

Em 1977, Jorge Luís Borges foi conduzido pela elegante Maria Kodama até a pequena mesa posta sobre o palco do Teatro Coliseo, em Buenos Aires. Ela ainda lhe tomou a mão esquerda e o fez tocar suavemente o copo de água que em seguida ele agarrou e levou até a boca, sorvendo bons goles antes de começar. Aquela era a sétima de uma série de palestras que Borges vinha ministrando. Ele discorreu num fluxo eloquente a respeito da cegueira e apenas deixou-se entrecortar por instantes bruscos de emoção. Uma emoção contida, quase engasgada, acidental como o soluço. 

A degeneração genética da retina foi herdada do pai e da avó, e nunca lhe ocorreu de forma desesperada. Àquela altura, já havia perdido por completo a visão de um olho e parcialmente a do outro. A cegueira foi se instalando gradualmente desde 1929. A partir de então, segundo Borges, um “lento crepúsculo” passou a envolvê-lo. Talvez para ele um certo mundo se encerrasse, pensamento que logo o convocou a entreabrir um futuro, para além da visualidade imediata. Entregou-se a sonoridades, visagens e cenas fisgadas nas lembranças. 

Decidiu criar um grupo de estudos com ex-alunos da disciplina de Literatura Inglesa, que costumava ministrar na Universidade Argentina. Nas reuniões do grupo em seu escritório, dedicavam-se a aprender o anglo-saxão, forma arcaica do inglês. A leitura de textos vindos de uma época tão remota lhe possibilitou experimentar a palavra como talismã, como receita poderosa que deve ser dita em voz alta e causar espanto. No idioma desconhecido, a palavra pode ser colhida, manuseada e, no atrito com a pele, percebida em textura, volume, peso e calor. 

Ao pronunciar aquelas estranhas sequências de sons, invadia-o uma alegria secreta, tal qual o arqueólogo que escava com afinco e curiosidade os pequenos utensílios pertencentes a um povo que há muito desapareceu. Publicou livros de poesia cujos versos, não mais escritos de punho por ele, exigiam o enraizamento na memória e o corpo da voz. Ao falar sobre as cores, explicou que o verde e o azul, ainda que pálidos, seguiam fazendo-lhe companhia. O amarelo permanecia presente e o transportava à infância, ao dia em que se deparou com o ouro e o preto na pelagem dos tigres, num zoológico em Palermo. Sentia saudades do preto e, sobretudo, do vermelho, escarlate, cor que o havia abandonado.

Tal estado não se tratava da escuridão absoluta, como é comum se pensar acerca dos cegos. A deficiência na percepção dos estímulos visuais, no caso de Borges, mais parecia a neblina densa de um cinza luminoso e opaco, nunca branco, às vezes puxado para o verde ou o azul. Então sua cegueira não se opunha exatamente à visão, mas lhe fez adentrar outras possibilidades de vislumbrar, de tecer imagens que não se bastavam na visibilidade pura. 

No livro “Pensar em não ver: Escritos sobre as artes do visível”, Jacques Derrida associa as práticas do desenho e da pintura à experiência da cegueira. Para Derrida, o desenho de fato só acontece quando quem desenha já não pode prever os percursos do traço, quando se perde o controle da linha e ela ganha espaço para apoderar-se, conduzir e surpreender, produzindo um desenho inesperado. Significa que o desenho não foi antevisto por quem desenha. 

A ênfase de Derrida, para a noção de ver, dá-se na capacidade de perceber a aproximação, o horizonte da vinda, a chegada de algo ou alguém. Quando se enxerga algo que vem em direção a si, é possível proteger-se, antecipar-se, programar-se, e assim, quem sabe, evitar o perigo. Durante o acontecimento do desenho, no momento específico em que a linha ou a própria mão, cheia de memórias motoras e sensoriais, leva aquele que desenha a percorrer caminhos não previstos, o desenhista já não enxerga, e tampouco está a salvo.

Assim, o desenho seria realizado sob certas condições de cegueira, pois quem desenha muitas vezes se deixa guiar mais pelas mãos do que pelos olhos. Além disso, a matéria mesma do desenho não se evidencia com clareza: a linha, o traço, tão fundamental ao desenho, frequentemente se oculta. Ela cria as bordas dos elementos, distingue figura e fundo, modela espaços, produz intervalos, demarca horizonte, estabelece planos, ou seja, faz aparecer toda a composição, torna-a inteira visível, sem dar a ver a si própria.

Cegos veem com mãos, ouvidos e olhos desvairados, assim como desenhistas trabalham. Quando estamos diante de um desenho que nos desconcerta e hipnotiza, se nos entregamos a ele, o que ele nos faz tocar, vislumbrar e para onde nos encaminha? Em meio à História da Arte dos Homens, há um valor simbólico no retorno à narrativa de Dibutade.

A dor da despedida e da ausência do amante lhe afeta profundamente, mas não a paralisa. Ela invoca a presença dele à sua maneira. O primeiro desenho é então fruto de um gesto decidido e alucinado, da experiência irremediável de saudade da mulher que desloca a linha intempestiva pelo espaço, tateando a sombra, e dá a ver o invisível, justo aqui, onde também se pode ler “amor”.

Notas:

 DERRIDA, Jacques. Pensar em não ver: escritos sobre a arte do visível. Org. Ginette Michaud, Joana Masó, Javier Bassas; Tradução Marcelo Jacques de Moraes. Florianópolis: Ed. da UFSC, 2012.

Raisa Christina é artista visual e escritora, graduada e mestra em Artes. Reside em Fortaleza, onde trabalha com ilustração e ministra oficinas de desenho, pintura e arte contemporânea. É autora de “os lábios os braços os livros” (nadifúndio, 2019), “mensagens enviadas enquanto você estava desconectado” (Editora Substânsia, 2014) e co-autora do livro “DANZA” (nadifúndio, 2018). Integra a antologia poética “Uma pausa na luta”, organizada por Manoel Ricardo de Lima (Mórula Editorial, 2020), a “Antologia de contos LiteraturaBR” (Editora Moinhos, 2016), a quarta edição da revista “Para mamíferos” (2017) e a coletânea “As cidades e os desejos” (Editoria Aliás, 2018). Mantem a página na web corposonoro.tumblr.com. Colabora semanalmente com crônicas para o site bemditojor.com.

Tatear a Sombra

Beto Martins | Café Libertas | Atena Bookstore

Esse espaço maroto de apoio e fomento à cultura pode mostrar também a sua marca!

Agora você pode divulgar seus produtos, marca e eventos na Trama em todas as publicações!

No plano de parceira Tramando, você escolhe entre 01 e 04 edições para ficar em destaque na nossa plataforma, ou seja, todas as publicações das edições publicadas vão trazer a sua marca em destaque nesse espaço aqui, logo após cada texto e exposição . Os valores variam de R$25,00 a R$80,00.

Para comprar o seu espaço aqui na Trama é só entrar em contato através do whatsapp: (32) 98452-9330, ou via direct na nossa página do Instagram.

O post Tatear a Sombra apareceu primeiro em Revista Trama.

Ao refletir sobre o pós-morte, questiono-me por onde passaria, que tipo de lugares, quais seres eu veria… lembranças ainda existiriam? Quais seriam? Existiria sentimento depois de partir? Haveria saudades, tristeza, alegria ou seria apenas dado espaço ao vazio? Procura-se criar essa dimensão quase onírica. Essas representações oníricas que só se dão a ver por meio de seus representantes plásticos.

Como o sonho, a obra plástica enquanto construção muda e situa-se no espaço de realização imaginária do desejo com um objeto intermediário, pelo qual são permitidos pensamentos e condutas com os quais o espectador pode se relacionar – sem autoacusações nem vergonha nesse espaço potencial, gerador de uma área hipotética que exista. Isso se dá sem que se faça necessária a confirmação dessa existência um ato de crença, pois o fato de não poder indicar a diferença entre real e imaginário, no plano da crença ingênua, não significa que ela não existe (enquanto eu creio, esse universo se faz existente em mim).

Luis Napoli, 1998. Natural de Castro – PR, mudou-se para o Estado de São Paulo, onde morou em diversas cidades do interior. Atualmente vive e trabalha na cidade de Barra do Garças, Mato Grosso. Formado em Bacharelado em Artes Plásticas, na Escola Guignard, Universidade do Estado de Minas Gerais (UEMG). Suas pinturas permeiam pelo imaginário popular e por questões particulares que lhe afligem. Sua poética se forma deformando a estética de onde emergem suas experiências ficcionalmente verossímeis.

O post [EXPOSIÇÃO VIRTUAL] ETERNO ONÍRICO apareceu primeiro em Revista Trama.

E foi assim que, em 2017, assinei meu primeiro quadro contemporâneo: “Allegro Vivaldiano” (Figura 1). A obra de cores vibrantes foi inspirada no movimento cubista, apresenta um violino e várias partituras em cima de uma mesa de madeira rústica desfragmentada. As partituras coladas são do concerto “La Stravaganza — Antonio Vivaldi”, nas pinturas dos arcos há pedaços de crina e nos violinos, cordas verdadeiras.

Dado o primeiro passo contemporâneo, outras obras com temas musicais foram criadas: “Pizzicato”, “Vibrações” (Figura 2), “Tre Stradivari”, “Sob Nova Perspectiva”, “Ponto de Encontro”, “Scherzo” (Figura 3). As pinturas intituladas “Ponto de Fuga” e “Beethoven, Amado Imortal” merecem uma atenção especial. A cena de época com cores intensas em “Ponto de Fuga” (Figura 4) é inspirada em vários movimentos artísticos. A paisagem ao fundo traz um pouco do surrealismo, onde o céu e mar se misturam e terminam em uma praia ao longe e essa se mescla a um gramado. As janelas inspiradas no período barroco e rococó não possui vidros e toda estrutura do cenário foi inspirado no cubismo. A ação das personagens é resumida em uma aula de violino.

Já “Beethoven, Amado Imortal” (Figura 5) foi inspirada em um período bastante crítico da vida de Ludwig van Beethoven, a surdez. Nessa obra é observado o compositor sentado de olhos fechados com o rosto encostado no piano para sentir as vibrações das notas através da madeira. Apesar de ser uma cena de grande lamento a pintura tem bastante cor. O piano com tons de laranja intenso se contrasta com um fundo com predominância azul e verde, já a personagem de cores sóbrias e cabelo grisalho.

Depois de alguns anos, analisei esses resultados artísticos e refleti sobre os acontecimentos daquela tarde de estudos e da singela atenção à música de Antonio Vivaldi. Não só houve um meio de criações artísticas, mas, a possibilidade do encontro com novas formas de expressão, reflexão, além do desenvolvimento do meu próprio estilo de pintura. Por vezes pequenos momentos trazem grandes inspirações e resultam em grandes mudanças na vida e da forma como olhamos o mundo.

Laís Lovison Sturaro é natural de Araras (SP). Mestra em Ciências Médicas pela Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP). Atua nas artes plásticas utilizando diferentes técnicas de pintura, como aquarela, acrílicas e óleos. Iniciou seus estudos de desenho artístico em 2003 na Oficina de Desenho Artístico, Anime e Mangá em Araras (SP). Assinou sua primeira obra acadêmica em 2006, e sua primeira obra contemporânea em 2017. Em 2021, foi selecionada entre as 24 melhores obras contemporâneas brasileiras para exposição virtual da Galeria EUEARTE.

O post [EXPOSIÇÃO VIRTUAL] LA INSPIRAZIONE apareceu primeiro em Revista Trama.

As pesquisas que venho fazendo em relação à paisagem lidam com a questão da construção de uma visualidade a partir do meu deslocamento. Inicialmente um deslocamento real pelo meu entorno, e também mais recentemente, errâncias virtuais pontuadas pelo imaginário. Através do uso de uma linguagem que opera em camadas, o mítico, a memória e o real encontram-se interligados. Em Repavimentação a paisagem é território para intervenções utópicas, nas quais os rios que correm escondidos pelo asfalto podem ressurgir, assim como plantas e animais em escalas e planos em contraste às vistas aéreas retiradas de aplicativos ou de pavimentações típicas da cidade.

Repavimentações evoca mapeamentos conduzidos pelo acaso e pelo imaginário, pelo desejo de uma outra ordem.

Mirla Fernandes vive e trabalha em São Paulo. Tem mestrado em Poéticas Visuais (Unicamp, 2013, bolsa CAPES), graduação em Educação
Artística (FAAP ,1998) e foi aluna ouvinte do curso de design da Hochschule für Gestaltung und Technik Pforzheim, Alemanha entre 1999 e 2000. A partir de 2013, quando se tornou instrutora de Aikido (atualmente 3º Dan, Fundação Aikikai, Japão), passou a oferecer cursos e oficinas que correlacionam Artes Visuais e Práticas Corporais de Integração Corpo/Mente tendo como base o Aikido e o Desenho.
Atualmente, além de artista independente, é professora de desenho como linguagem no Colégio Oswald de Andrade em São Paulo.

O post [EXPOSIÇÃO VIRTUAL] REPAVIMENTAÇÕES apareceu primeiro em Revista Trama.

Em técnicas mistas e partindo de inspirações diversas da cultura pop, ClydeR desenvolve seus estudos em desenho.

Uma tentativa de trabalhar com cores frias, com a ideia do profano ou algo que aflorasse sentimentos à flor da pele. Através do estêncil, tento transmitir tais sentimentos; também foi o primeiro trabalho que fiz do modelo em questão retratando só o busto.

Tentando aplicar novas técnicas, percebi que as formas e as cores poderiam cair bem e ajudar a ilustrar o que queria transmitir. Nem todos têm um lado “100% colorido”, assim como nem “100% sem cores”. Essa dualidade também me inspirou. Ainda dentro da linha do estêncil, como mencionado.

Um misto de graffiti, estêncil, mensagem motivacional e nu artístico. Com o estêncil, fiz o nu artístico que é uma releitura talvez das obras clássicas – porém, sem perder a essência do estilo, sem perder a mensagem que como diz: “TER ATITUDE TE TORNA MAIS SEXY”.

Uma fanart de um personagem da série-piloto “Hazbin Hotel”. No episódio, são apresentados os personagens, e um deles é Angel Dust, com traços simples. Essa fanart foi em estilo mangá.

ClydeR faz artes desde 2006 e, de lá para cá, dá segmento ao ramo do desenho, sempre aprendendo mais e mais. Seu foco sempre foi em poder mostrar suas artes, desvinculadas de sua imagem “tão comum”; então combinou dois mundos: as artes e o cosplay. Sempre disposto a aprender e adquirir experiências e amizades, não aprendemos sozinhos e essa sempre foi uma filosofia: aprender e ensinar, principalmente sobre arte.

O post [EXPOSIÇÃO VIRTUAL] ESTUDOS EM DESENHO apareceu primeiro em Revista Trama.

Pensar o conceito de desenho é no mínimo um exercício experimental. O desenho é uma linguagem que carrega intenção e gestos primordiais, criando narrativas e adquirindo diferentes sentidos ao longo da vida. Desde a infância, habitam riscos e formas espontâneas que arriscam possibilidades imaginativas, deflagrando nossa apreensão do mundo. Como uma linguagem artística, o desenho funciona como uma base preparatória para plasmar sensações e veracidades irreais que se desdobram em diferentes camadas, traçando diferentes percursos e pulsando inquietações estéticas. O desenho cria sempre uma relação de jogo entre quem o faz, ou melhor, quem o captura e quem o contempla.
Retratos de figura humana, que exploram luz, sombra e volume delineando mais do que os olhos podem ver e representando estados de espírito. No papel, o grafite se torna protagonista das camadas que revelam as nuances subjetivas das expressões. A técnica ganha protagonismo ao elucubrar retratos de uma figura que encontram ressonâncias em seus outros “eus”.

Resultado de uma técnica mista, essa materialidade é desenvolvida e pensada das minhas necessidades/preocupações/investigações, que compreende o desenho e sua posterior modificação por meio do sfumato.

Rodrigo Oliveira Santos é artista visual, uberlandense e mineiro orgulhoso, formado pela Universidade Federal de Uberlândia em Artes Visuais desde 2018. Busca, em suas produções, sempre desconstruir formas – em especial o corpo humano, sempre em busca de desdobrar novas configurações, novas “figuras”.

O post [EXPOSIÇÃO VIRTUAL] EUS apareceu primeiro em Revista Trama.