Arquivos Exposição - Revista Trama

As faces do amor

Sun, 10 Nov 2024 18:53:00 +0000

A coleção “as faces do amor”, é um encontro visceralmente íntimo com o lado que todos têm em comum, amar e esquecer. A primeira obra, “Amar”, técnica mista com bordado sobre tela, fala sobre o sentimento de se apaixonar, sobre a idealização imaginária do eu e você tornar- se um só ser, intrínsecos, compartilhado por uma linha amarrada em suas terminações e corações. A segunda obra, “Esquecer”, técnica mista, bordado sobre tela e mistura de tecidos, fala sobre o extremo oposto, a decisão de esquecer, cobrir todas aquelas emoções borbulhantes, costurar os vazios que foram novamente esvaziados e decidir que precisa aprender a viver com eles. A terceira e última obra, “Amar e/ou esquecer Esquecer é tão bom quanto amar”, técnica mista, borra de café e bordado sobre tela, significa a binaridade e semelhança entre esses estados, parafreseando Clarice Lispector: Mas não há paixão sofrida em dor e amor a que não se diga uma aleluia (Água viva)

Ana Sampaio, graduanda do curso de artes visuais na escola de Belas Artes – UFBA, cresceu no interior de Minas Gerais, em Montes Claros e decidiu, ao completar o ensino médio, que seguiria sua paixão, fazer arte em sua completitude de diferentes formas. Em abril de 2024, Ana Sampaio apresentou três obras na exposição “Tons da Mulher” do coletivo que participa: UMA- união de mulheres artistas do norte de minas, no museu regional de Minas Gerais, em Montes Claros.

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Winter leaves

Sun, 19 May 2024 19:00:26 +0000

Folhas do inverno é um trabalho em desenvolvimento desde o início do inverno de 2021, encapsulando vestígios de folhagem coletada nas florestas próximas à casa da minha família em Dorset, Reino Unido. O processo de frottage tenta preservar algo que já está se decompondo, utilizando uma variedade de técnicas de material incomuns, incluindo a fusão de cera sobre tinta de revista.

As estações são marcos visíveis, lembretes dos nossos ritmos naturais. Na estética japonesa, os elementos emocionais da beleza têm grande importância, um ditado tradicional japonês diz: “Com a queda de uma simples folha, sabemos que o outono chegou”. Wabi trata de encontrar beleza na simplicidade, uma riqueza espiritual e serenidade ao se desapegar do mundo material. Sabi preocupa-se com a passagem do tempo, como todas as coisas crescem e se deterioram e como o envelhecimento altera a natureza visual dessas coisas. É a representação de como todas as coisas evoluem e perecem, podendo evocar uma resposta emocional em nós, muitas vezes tingida de tristeza, enquanto refletimos sobre a impermanência. Embora Sabi esteja preocupado com a maneira como a passagem do tempo se manifesta fisicamente nos objetos, seu significado mais profundo sugere o que está escondido sob a superfície de um item que vemos. A beleza de Sabi nos lembra de nossa própria conexão com o passado, do ciclo natural da vida e da nossa própria mortalidade.

Em amorosa memória de Roy Fraser, meu pai, que faleceu em 06/02/23.

Folhas do Inverno (Winter leaves)‘ is a body of work that has been in development since early winter 2021, encapsulating traces of foliage collected from the woods close to my family’s home in Dorset, UK. The process of frottage attempts to preserve something already decomposing using a variety of unusual material techniques including melting wax on magazine ink.

Seasons are signposts, visible reminders of our natural rhythms. In Japanese aesthetics, the emotional elements of beauty have great importance. A traditional Japanese saying reads; “With the fall of a simple leaf we know that autumn is here”. Wabi is about finding beauty in simplicity, and a spiritual richness and serenity in detaching from the material world. Sabi is concerned with the passage of time, with the way that all things grow and decay and how ageing alters the visual nature of those things. It is the representation of the way all things evolve and perish and can evoke an emotional response in us, often tinged with sadness, as we reflect on impermanence. Although Sabi is concerned with how the passage of time manifests itself physically in objects, its deeper meaning hints at what is hidden beneath the surface of an actual item that we see. Sabi beauty reminds us of our own connection with the past, of the natural cycle of life and of our very own mortality.

In loving memory Roy Fraser, my father who passed away on 06/02/23

Nina Fraser

é nascida em 1984 em St. Albans, Reino Unido, licenciou-se em Arte Têxtil no Winchester College of Arts (Reino Unido) em 2006 e concluiu um curso de mestrado em Comissionamento e Curadoria de Arte Pública Contemporânea na Universidade de Gotemburgo em 2023.

A prática de Nina é multidisciplinar, explorando a interação humana e a relação com o ambiente, criando obras de arte que reflectem sobre um sentido de lugar para moldar vestígios de memória em forma física. Investigando formas de ser, explora a ligação humana e a pertença através de modos de pensamento, sistemas e estruturas humanas e não-humanas, orientando a sua prática artística para o desenvolvimento e instigação de espaços que encorajam a experimentação, a exploração e a sinergia.

As residências incluem: “Plant thinking”, Estação Viva, Canelas, Portugal (2023); “Mycelium”, Roccamonfina, Itália (2023); LARGO Residências, Lisboa, Portugal (2022-23); e “BODY & PLACE”, Owlpen Manor, Gloucestershire, Reino Unido (2019). As exposições individuais incluem: “A Study in Psycho-Cybernetics”, Marvila Art District, Lisboa, Portugal (2023); “Home”, Espaço Cultural Mercês, Lisboa, Portugal (2021); e “TAXIS DERMA”, Museu de Ciência e História Natural, Lisboa, Portugal (2019). As colagens de Nina foram publicadas em revistas e livros, incluindo “Collage Care: Transforming Emotions & Life Experiences” editado pela Kanyer Art Collection, 2021. O trabalho de Nina está representado nas colecções públicas e privadas, incluindo: The Doug and Laurie Kanyer Art Collection, Yakima, WA, EUA; Coleção Grupo IMPRESSA, Lisboa, Portugal; Casa das Artes de Tavira, Portugal; Coleção Figueiredo Ribeiro, Abrantes, Portugal; Retroavangarda Gallery Collection, Varsóvia, Polónia entre outras.

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No meio das coisas miúdas

Sun, 19 May 2024 19:00:15 +0000

Viver exige um esforço muito maior do que simplesmente o ar que respiramos, exige viver desafios em terras desconhecidas, caminhar por outros terrenos, vivenciar novos costumes. Desafiar novos silêncios, murmurar frases quase inaudíveis e apreciar a camada fina de poeira que pousa sobre o tempo. No limiar da luz e da neblina, sem ruído, vibram os espaços e surgem as coisas miúdas. Permita-se o simples, o pouco, o vazio, o cheiro das árvores, o frescor da brisa, a umidade da chuva miúda. Vou como vim, só levando o meu nada. Vou só com meu silêncio.

O branco límpido que nos remete ao cristalino, claro e puro com a presença do Homem e o mal-uso dos recursos naturais, gradualmente vai deixando suas nódoas. Com secas cada vez mais extremas, o planeta nos lembra continuamente que sem água não há vida.

Neste trabalho desenvolvido em residência artística na região de Estarreja, norte de Portugal, revisito mais uma vez a questão da água e como nós nos relacionamos com ela, no mal-uso não só da água, mas também com relação ao meio ambiente. Esta região tem água em abundância, riachos, rios e rias, além do mar, mas tem também muitas indústrias, e o questionamento é sobre a qualidade da água, e quanto estas indústrias contribuem na poluição ambiental. O branco neste trabalho nos remete ao puro, límpido, natural, mas a presença do Homem e suas ações, sujam este branco, tornando águas improprias para o consumo, ar inapropriado, alterando a fauna, a flora e vida do próprio Homem.

A partir do momento que o ser humano passa fazer mal-uso da água, ela aos poucos vai tingindo o branco. Se tornando impropria para nós e contaminando lentamente o todo.

Living requires a much greater effort than simply the air we breath, it demands living challenges in unknown lands, walking through other terrains, experiencing new traditions. Challenging new silences, muttering barely audible phrases and enjoying the thin layer of dust that settles over time. On the threshold of light and fog, the spaces vibrate silently and the tinny things appear. Allow yourself the simple, the little, the emptiness, the smell of the trees, the freshness of the breeze, the humidity of the tinny rain. I go as I came, taking only my nothingness. I leave solely with my silence.

The limpid white that reminds us of the crystalline, clear and pure, gradually leaves its stains with the presence of humans and the misuse of natural resources. With increasingly extreme droughts, the planet continually reminds us that there is no life without water.

In this work developed during an artistic residency in the region of Estarreja, northern Portugal, I once again bring up the issue on water as a resource and the way we relate to it, and not only the misuse of water but of the entire environment. This region has plenty of water, streams, rivers and estuaries, in addition to the sea, but it also has many industries, and the questioning is about water quality, and how much these industries contribute to environmental pollution. The white in this work reminds us of the pure, limpid, natural, but the presence of humans and their actions stains this white, turning the water unsuitable for consumption, and the air inappropriate, both contributing to altering the fauna, flora and human life.

From the moment humans start to misuse the water, we gradually dye the white. Turning the water inappropriate for us and little by little contaminating the whole.

Angella Conte

Artista luso-brasileira, vive e trabalha entre São Paulo/Lisboa, autodidata cursou psicologia, seguido por inúmeros cursos de arte e fotografia. As aspirações da sua produção se encontram na inter-relação criada entre o indivíduo e seu meio, pautando suas histórias, trocas e resquícios em diferentes mídias, como fotografia, objeto, instalação, intervenções, vídeos e performances. Com obras em acervos públicos e privados. Seu trabalho vem sendo exposto em instituições nacionais e internacionais como, CCSP- Centro Cultural São Paulo, MAM Bahia, MAC-USP, MARP Ribeirão Preto, MAC- Paraná e Jataí, Museu Amadeo de Souza Cardoso-Portugal, Córdoba, Badajoz, Madrid-Espanha, Perm – Rússia, Irlanda, México e Cuba. Premiada no 12º Salão Paulista, 18º Encontro de Artes Plásticas de Atibaia, 62º Salão de Abril em Fortaleza e XIV Samap, em João Pessoa 2012, 2019 Prêmio Novas Efervescências Porto Seguro. Em 2011 foi indicada ao 4º Prêmio CNI/ SESI Marcoantonio Vilaça, e também participou dos principais salões de arte no Brasil. Participou de residência artística em Borba, Coimbra, Canelas e Lisboa em Portugal e Irlanda no Leitrim Sculpture Centre, em 2005, 2006, 2007, 2012, 2015 e 2022.

www.angellaconte.net

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100 Saramago

Sun, 05 May 2024 18:16:19 +0000

Por 25 anos trabalhei com gravuras, e sou muito fã do escritor José Saramago, quando soube do centenário de seu nascimento decidi então juntar minhas duas paixões: homenagear o mestre e usar a técnica que mais aprecio. Passei 1 ano relendo e descobrindo novos livros do escritor português premiado com o Nobel da literatura, e para mim foi uma viagem fantástica. A cada livro, desenvolvia uma serigrafia tentando fazer o impossível, resumir um livro de Saramago em uma única imagem. Foi difícil, um ano de trabalho árduo, mas o resultado me agradou muito. Só não sabia que seria, por enquanto, meu último trabalho de arte. Depois daquilo entrei de cabeça na literatura, e agora sigo os passos de meu mestre, e parece que estou indo bem, em um ano de escrita já participei de mais de 100 antologias com meus contos. Obrigado Saramago e que suas palavras continuem sendo inspirações para muitos.

2022 Serigrafia 100 Saramago – A caverna – William Roberto Fraga Ramires.

2022 Serigrafia 100 Saramago – A viagem do elefante – William Roberto Fraga Ramires.

2022 Serigrafia 100 Saramago – As Intermitencias da morte – William Roberto Fraga Ramires.

2022 Serigrafia 100 Saramago – Caim – William Roberto Fraga Ramires.

2022 Serigrafia 100 Saramago – Ensaio sobre a cegueira – William Roberto Fraga Ramires.

2022 Serigrafia 100 Saramago – Ensaio sobre a lucidez – William Roberto Fraga Ramires.

2022 Serigrafia 100 Saramago – História do cerco de Lisboa – William Roberto Fraga Ramires.

2022 Serigrafia 100 Saramago – Memorial do Convento – William Roberto Fraga Ramires.

2022 Serigrafia 100 Saramago – O conto da ilha desconhecida – William Roberto Fraga Ramires.

2022 Serigrafia 100 Saramago – O homem duplicado – William Roberto Fraga Ramires.

William A.

Residindo em Andaraí, Chapada Diamantina, Bahia, desde 2006, natural de São Caetano do Sul, 1977, São Paulo, Brasil. Formado em Artes Plásticas em 2007 pela Universidade Federal da Bahia (UFBA). Iniciou a produção em gravura em 1998, frequentou oficinas de xilogravura, gravura em metal, serigrafia e litografia no Museu de Arte Moderna da Bahia, MAM-BA de 2001 a 2004. Ministrador de oficina de Serigrafia no Museu de Arte Moderna, MAM-BA, Salvador, Bahia, 2017 e ministrador de oficina de Serigrafia na 19ª Bienal Internacional de Arte de Cerveira em Vila Nova de Cerveira, Portugal, 2017. Com mais de cem exposições em bienais e salões, nacionais e internacionais.

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Coleções Conectadas [Entrevista com André Colombo]

Sun, 21 Apr 2024 18:59:00 +0000

No dia 11 de abril (quinta-feira), dando continuidade às mostras artísticas iniciadas no ano anterior pela Galeria RH Espaço Arte, foi inaugurada a exposição “Coleções conectadas”. Com a curadoria do nosso entrevistado de hoje, o historiador e pesquisador de história da arte André Colombo.

A articulação com o colecionismo parte da compreensão de que, apesar de suas contradições, é uma prática importante no mundo da arte. Muitas coleções promovem arranjos e salvaguardam acervos que muitas vezes o poder público não consegue contemplar com suas políticas de memória. A grande maioria dos museus nasceu de coleções particulares ou incorporaram coleções privadas, e assim aborda as coleções como um dos dispositivos basilares de legitimação dos artistas e de suas produções. Em uma perspectiva histórica, o curador buscou reunir obras de artistas que, em diferentes momentos e de diferentes modos, deram suas contribuições para a história da arte juiz-forana no século XX.

Conte-nos um pouco sobre a sua formação e trajetória profissional.

Sempre trabalhei na área de produção cultural e projetos ligados a memória. Mesmo antes de fazer curso superior de História. Dirigi algumas instituições culturais privadas e exerci cargos de gestão cultural em órgãos públicos. Foi quando percebi que trabalhar com arte e cultura era o que mais me dava prazer. Por conta de projetos de pesquisa acabei fazendo especializações em patrimônio cultural e em artes visuais. Hoje faço Mestrado em Artes na UFJF.

O que o motivou a assumir essa empreitada como curador da exposição “Coleções Conectadas”?

Por conta de pesquisas sobre alguns artistas naturais de minha cidade, que fizeram carreia artística em Juiz de Fora, como Xisto Valle de Assis e Sylvio Aragão, a aproximação com a arte juiz-forana foi imediata. Pude avançar as pesquisas sobre alguns períodos específicos. Estudei por conta do Xisto Valle de Assis a arte local da transição do século XIX para o XX. Depois me dediquei aos anos 1950 e 1960 do século XX, quando fiz uma investigação sobre a adesão à arte abstrata em Juiz de Fora, que resultou em um artigo na Revista Nava. Entre os artistas contemporâneos das décadas de 1980 e 1990 tive uma aproximação muito forte com a obra do Arlindo Daibert. Tanto nas pesquisas acadêmicas como na atuação profissional mantenho diálogo com muitas instituições e também com colecionadores de arte. Daí, dessa idéia. Revelar um pouco das coleções. Conecta-las com o público.

De modo geral, quais foram os critérios de escolha dos 18 artistas que integram essa exposição?

Nessa mostra vamos abordar a produção apenas de artistas já falecidos. Selecionamos as obras disponíveis a partir de uma listagem daqueles nomes que aparecem com maior importância pelos mecanismos de legitimação da arte, como os museus, as galerias, as exposições e as coleções. Embora esse recorte deixa artistas muito importantes de fora, fizemos um esforço para contemplar as vertentes da arte acadêmica, moderna e contemporânea.

Ao seu ver, que contribuição essa exposição tem a oferecer ao circuito artístico-cultural de Juiz de Fora?

Tenho dito que as galerias de arte precisam fazer, como em outros tempos fizeram com mais afinco, um trabalho de formação de público. É preciso discutir História da arte também nas galerias. Galeristas, críticos, curadores e pesquisadores precisam ser elo entre os artistas e a comunidade. E esse foi o meu propósito. Essa exposição prevê algumas ações educativas importantes.

Você pretende seguir com esse projeto, levando-o para outros espaços de Juiz de Fora e região? Conte-nos um pouco mais sobre seus um possíveis projetos em andamento ou em vias de realização, caso os tenha.

As pesquisas continuam. Tenho me dedicado a outras pesquisas, sobre alguns artistas que foram subalternizados na arte local, por questões étnicas, sociais e etc. Aos poucos temos conseguido rediscutir algumas questões ainda não colocadas na nossa história. Há revisões a serem feitas e tensionamentos da escrita hegemônica da história da arte. Os trabalhos que tenho feito sobre Xisto Valle de Assis e Lage das Neves estão nesse contexto.

COLEÇÕES CONECTADAS:

Curadoria: André Colombo
Produção: Ione Ribeiro
Expografia: Rafael Zampa

Galeria RH Espaço Arte
Alameda Engenheiro Gentil Forn, 1805 – segundo piso. Morro do Cristo – Juiz de Fora (MG)
Abertura: 11 de abril de 2024, às 19h
Exposição: 11 de abril a 03 de maio de 2024.
Horário: Segunda a sexta-feira de 13 as 19h e sábados de 8:30 às 12:30h

André Vieira Colombo

é produtor cultural, historiador, pós-graduado em políticas públicas, gestão do patrimônio cultural e em artes visuais. É também mestrando em Arte, Cultura e Linguagens pela Universidade Federal de Juiz de Fora – UFJF. Desenvolve projetos e pesquisas nas áreas de arte, memória e patrimônio cultural.

Entrevista por: Sérgio Augusto Vicente

Doutorando e mestre em História, Cultura e Poder pela Universidade Federal de Juiz de Fora. Bacharel e licenciado em História pela mesma universidade. Dedica-se a estudos na área de história social da cultura no período correspondente à segunda metade do século XIX e às décadas iniciais do século XX, com ênfase nos seguintes temas: associativismo, sociabilidades, trajetórias, história intelectual, história social da literatura, memória, arquivos e coleções bibliográficas e documentais. Professor efetivo de História da Prefeitura Municipal de Juiz de Fora (MG). Possui experiência em pesquisa histórica, processamento técnico de acervo e difusão cultural em museus – como curadorias de exposições e mostras, palestras, minicursos e oficinas. Entre os anos 2022 e 2023, integrou a equipe curatorial de três grandes exposições que reabriram o Museu Mariano Procópio integralmente aos públicos, com novas abordagens historiográficas e narrativas expográficas. São elas: 1. Rememorar o Brasil: a Independência e a construção do Estado-Nação; 2. Fios de Memória: a formação das coleções do Museu Mariano Procópio; 3. Villa Ferreira Lage (ambientação da residência de uma família da elite senhorial brasileira do século XIX). Desde 2020, atua como escritor da revista Trama Bodoque: arte, cultura e criatividade (ISSN 2764-0639) e, a partir de 2022, também passou a atuar como membro do conselho editorial do referido periódico semanal.

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Malabaristas Urbanas

Sun, 30 Oct 2022 18:24:00 +0000

A série Malabaristas Urbanas é composta por oito telas, onde seres saídos de circo e de sonhos, se equilibram e se adaptam a um ambiente urbano que está sempre em transformação.

Em 2018, a série foi exposta em Piolla and arts, na cidade de São Paulo.

Carolina Saidenberg é artista plástica paulistana, formada em artes e pós graduada pela Belas Artes de São Paulo. Morou por um período na Itália, na cidade de Milão 2011, onde pode realizar residência artística e estudos em desenho de moda e joalheria. Retornando ao Brasil, passou a se dedicar somente à arte, e desde então tem participado de exposições nacionais e internacionais.

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in-saio

Sun, 02 Oct 2022 18:26:08 +0000

Passeio performativo sónico-aquático para uma pessoa

Eunice Artur, in-saio, Festival PARAGEM 2022. Foto de Maria Inês Brito

in-saio é uma peça intimista, sonora, concebida para uma pessoa de cada vez. Uma peça imersiva no mar, uma viagem num caiaque no meio do caos marítimo. Uma viagem sobre os problemas da migração, sobre as questões e o ponto de vista de quem procura o “paraíso” e chega às praias do sul da Europa.

Contraponto que faço na relação com a migração das plantas, as sementes que viajam pelo oceano e a possibilidade da sua libertação, a liberdade numa nova zona, agora como espécies alóctones, onde, muitas das vezes em ambientes sem predadores se tornam espécies, consideradas pelos países de chegada, como invasoras.

in-saio integra as mudanças climáticas, o problema ambiental e social, e os problemas e efeitos da migração humana e mais que humana, numa relação paralela onde os direitos humanos e a ideia de uma lei dos direitos vegetais (de Stefano Mancuso) se cruza. A vida secreta das plantas e as suas migrações, as suas viagens. Vamos pensar sobre a dimensão do impacto humano na natureza, mas podemos pensar e adequar este impacto como social, de humano para humano. Como nos relacionamos dentro dele, e qual o verdadeiro conceito de “migrante” e a quem atribuímos esse estatuto. Precisamos escutar e precisamos de procurar marcas sonoras inscritas ao nosso redor.

Eunice Artur, in-saio, Festival PARAGEM 2022. Foto de Maria Inês Brito

O som como construção visual

O som tem uma forma muito directa no toque, chegando mesmo a entrar de forma ruidosa dentro do nosso corpo, tem também uma entrada directa nos nossos sentidos mais ocultos e tornou-se um lugar de resistência. Criei esta composição sonora que é ouvida individualmente por quem embarca junto nesta viagem. Uma leitura sonora feita em tempo real, e na sua mistura com a composição gravada em estúdio.

A escuta aumenta o sentido de realidade e do desconhecido, distorce a realidade estimulando um mundo visual novo. Somos obrigados a fazer escolhas, a direccionar a atenção para uma variedade infinita de coisas, escutar dirige a nossa consciência para estas travessias silenciosas e distantes. Um laboratório de sentidos e cantos no plural. Esta construção sonora apresentada em in-saio, com a duração de toda a viagem, desvia o nosso olhar enquanto individuo para um corpo frágil pronto a receber o outro.

Eunice Artur, in-saio, Festival PARAGEM 2022. Foto de Bruno Gonçalves

Direcção, criação e performance Eunice Artur | composição sonora Eunice Artur |
participantes/apontamentos escritos Filipa Cordeiro, Deep Dive Sound, Neusa Costa, Filipa Brito e Lara
Boticário Morais| apoio na montagem Bruno Gonçalves | figurinos Eunice Artur| fotografia Maria Inês
Brito e Bruno Gonçalves| vídeo Carolina Santos| produção Associação Boia – Festival Paragem 2022.

Alguns excertos de apontamentos escritos, de uma experiência profunda por alguém que se envolveu, escutou e construiu um novo mundo, nesta viagem ao meu lado:

” Neste “Algarve”, à beira-mar, enormes grupos de pessoas com coletes esperam embarcar em canoas como na fila de segurança de um aeroporto. Remam e chocam umas com as outras, ao acaso. Às vezes metem-se pela zona reservada aos banhistas e os nadadores-salvadores com rostos severos apitam-lhes e gesticulam. A geologia repousa como pó sobre uma prateleira de estante, indiferente e desafiadora. A areia não é senão o produto de milénios de erosão. A qualidade do solo sobre o qual nos deitamos anuncia o fim das grutas de Benagil, da paisagem sobre a qual apoiamos a nossa frágil e risível supremacia de contempladores. Interrompo-me. Apanho-me de novo em falso a soltar as rédeas de um registo apocalíptico, o que me faz sentir um ardor de culpa no peito. Mas não consigo evitar pensar com melancolia na caverna sob o enorme algar, repleta de pessoas de fato de banho e apinhada de trânsito marítimo, furiosamente organizado por um sinaleiro sobre uma prancha de stand up paddle: um teatro encenado perante a gargalhada geológica da Terra. Partimos também nós numa canoa. A Eunice veste as mesmas cores que os nadadores-salvadores, mas apresenta-se um pouco mais excêntrica. É ela que rema, enquanto que eu sou levada. Como damos as costas uma à outra, nunca vemos as mesmas coisas. O som dos auscultadores abafa o mar de risos e pequenos gritos dos turistas, atirando-me para um estado de consciência exacerbada sobre as ondas. Desperta, sinto o baloiçar da canoa, fixo os esgares das pessoas nos barcos (lembrando cenas de uma pintura de Hieronymus Bosch), recordo as imagens de quem tenta chegar à costa da Europa, vagando sobre um mar de incertezas. Sinto uma vertigem de tristeza. A tua performance plantou um pouco de luz num lugar escuro. O som e o fio da tua voz permitiram manter um pouco de calma ao chamarem-me para o presente, ao mesmo tempo resgatando-me ao torpor induzido por aquela cena de turismo apocalíptico, e criando a distância necessária para pensar e sentir e sem enlouquecer.” Por: Filipa Cordeiro

“Imagination can easily be triggered by visible features such as landscapes. However, this performance instinctively made me close my eyes to perceive an imaginary acoustic landscape. At first was chaotic resembling a storm before the calm, but then the sea become serene, as quiet waves come in and recede again. The hurly-burly was gone, I felt free but also … lonely. Like an abandoned boat that will never know if it will make it to the land again.” Por: Deep Dive Sound

“Places to go before you die”(…). Atravessámos a massa de pessoas na fila, passámos em frente aos nadadores salvadores e aos instrutores/funcionários das 3 ou 4 empresas de canoas que enchem a entrada/boca da praia e sentámo-nos a custo numa clareira perto da canoa da Eunice. A canoa amarela está rodeada de bandeirolas com mensagens escritas. Toda aquela movimentação começa a afectar-nos e ficamos meio calados, sem grandes palavras para descrever o que vemos, a Filipa e a Neusa, filhas da terra, recusam-se a frequentar a praia que foi invadida pelo turismo exacerbado do picar a lista de sítios onde ir antes de morrer, eu diria do morrer dos sítios. A Filipa vai primeiro, meia hora depois chega sem palavras, era agora a minha vez. Depois da espera e da observação, do entra e sai de canoas, barcos, da polícia marítima que compactua com este tráfego impensável, a minha disposição para experienciar a viagem de canoa era de alguma curiosidade e tristeza, que se manifestou rapidamente depois de passarmos a primeira barreira de canoas em direcção à gruta, parámos um pouco e ao contemplar o mar, o vai e vem de listas amarelas, as lágrimas começaram a cair para se misturarem com o mar, das minhas mãos até à água que nos rodeava. Oiço uma voz, vinda dos auscultadores, mas não consigo concentrar-me no que diz, toda a poluição visual anula a audição, oiço somente o som das gaivotas e talvez outras aves que me distraem um pouco do barulho dos motores e do falar constante dos turistas. Continuamos a viagem até ao algar, a Eunice tenta a todo o custo não chocar com nenhuma outra canoa ou barco, ondulamos continuamente com o movimento provocado pelos motores, paramos um pouco e voltamos de novo pelo mesmo caminho, fora da orla dos banhistas (são poucos os que não passam dentro dos limites das boias). Paramos de novo, desta vez fico virada para o mar, observando barcos atulhados de turistas que tentam interagir conosco, não nos pronunciamos. Passamos de novo pela confusão de chegadas e partidas na margem, saímos da canoa, tiramos os nossos o nosso silêncio povoa aquele pequeno espaço que ocupámos, para depois dar lugar à água que de novo cai e se mistura com a areia. A energia que circula naquele local é pesada, há uma tristeza que habita a praia e a sua gruta que contrasta com a movimentação exagerada, algo compreensível, aprece que a experiencia individual de cada corpo que vai e vem, que entra e sai daquela praia é somente a de partilhar nas redes sociais que lá esteve, sem sentir o que viu e onde foi, sem querer saber a sua história, querendo somente picar o ponto da sua lista de “places to go before they die”. Por: Lara Boticário Morais

“(…) Terminais especializados, com várias placas: “Visit the caves in the best Kayak with a great view” “Get on the Carlos Boat and you will have the best experience of your life” ” Visit the most beautiful caves of the world”. Barcos a motor com música rasgavam a água bem perto da babuja, os tripulantes berravam de felicidade estridente e falsa dar nas vistas e tirar selfies está na moda. Ao meu lado esquerdo filas intermináveis de pessoas sem consciência, pareciam que não tinham boca nem nariz, os olhos vidrados abocanhavam a beleza artificial, a beleza? Sim, a beleza! Estão a destruir a BELEZA e como não têm consciência não existe o peso da culpa. A água estava coberta de óleo, e quando mergulhei para refrescar a pele que o sol queimava ouvi debaixo de água ruídos ensurdecedores e um caiaque quase passou por cima da minha cabeça, a areia seca estava suja esbranquiçada, sem vida. No meio do caos sou levada por uma menina-mulher que agarra a minha mão e diz para não ter medo. Sou conduzida de olhos fechados e entro no seu caiaque. Entro num caiaque espa(e)cial, envolvido por uma bolha de (Eco)-consciência. Coloco uns fones e fico mais apaziguada. Oiço uma voz delicada, mas sinto preocupação nas palavras. Entro noutra dimensão, e sou conduzida para a profundidade. Estou de costas para a menina-mulher que rema. Não sei para onde me leva. Sinto-me novamente sozinha e de repente o pesadelo mora nos meus olhos. Passam por mim centenas de caiaques, barcos a motor. O cheiro a gasóleo é intenso. Agarro-me aos fones com força para ouvir a voz, e para que o ruído exterior seja minimizado. A menina-mulher que conduz não sabe que eu conhecia este lugar antes de tudo isto acontecer. Eu era paraíso quando vinha a esta praia. Fecho os olhos e as lágrimas escorrem. Recuso-me a ver o que está à minha volta, e assim fico até ao fim da viagem esp(a)ecial. Agarro-me somente à sua voz, eu quero esquecer o que vi. Ainda não acordei do pesadelo. Recuso-me a aceitar a nova realidade. Saio do caiaque. Fico calada. (…) “ Por: Filipa Brito

“Primeiro um caos um misto de horror e incredulidade pelo cenário da praia onde decorreu, a praia de Benagil, hoje famosa pelas suas grutas e pela massiva procura, outrora uma praia tranquila e onde os pescadores faziam estes passeios como complemento para os seus ganhos. Mas apesar de tudo isto e um pouco reticente entrei na canoa e deixei me levar pela perspectiva da Eunice e através da envolvência de toda a peça que criou na comunhão entre a natureza e a beleza da palavra, fechei os olhos e experienciei todo outro sentimento, e viajei. E mesmo quando abri os olhos e continuava a observar todo aquele cenário confuso de kayakes e barcos continuava num estado de tranquilidade e senti-me segura. Engraçado lembro-me de pensar por momentos que as pessoas querem tanto pertencer a um momento a algo que faça sentido para elas que nem pensam na destruição que geram à sua volta. (…)” Por: Neusa Costa

Eunice Artur (1981, PT). É artista visual, sonora e performer. Procura compreender em que medida o ‘erro’ pode criar possibilidades de inscrição e variações no desenho, enquanto campo expandido, cruzando o conceito de errância com o ritual, o sagrado e o sonho, o seu trabalho evoca a poética da natureza e a relação com ela.
É mestre em Criação Artística Contemporânea pela Universidade de Aveiro, com o projecto de investigação “Errância Nómada – O desenho como reencontro de um lugar” em 2017. Licenciada em
Artes Plásticas pela Escola Superior de Arte e Design (Esad.Cr) em 2010. Com formação em dança pelo Centro em Movimento (cem), em 2014.
A sua pesquisa envolve o desenho, a fotografia, o vídeo, a escultura, a instalação, o som e a performance. Costuma trabalha em parceria com músicos, resultando em performances, explorando a
relação e a fusão do som no desenho através do mundo da notação gráfica.
@euniceartur

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Arco Íris Latino

Sun, 26 Jun 2022 18:24:00 +0000

A obra Arco-íris Latino trás em todo seu contexto a força de todos aqueles que lutam pela resistência de viver livremente. Ela enaltece a comunidade LGBTQIA+ latino-americano, que por muito tempo e até hoje sofre preconceito, são marginalizados e excluídos da sociedade. OS gays da americana latina pagam um alto preço para simplesmente existir, mesmo vivendo em uma região que adotou diversas leis contra a discriminação, mesmo assim estes ainda continuam a sofrer exclusão, a um alto custo social e econômico. O ferro fundido representa a força e resistência LGBTQIA+ , e a lã entrelaçada representa a persistência da comunidade LGBT de conviver como seres iguais dentro da sociedade.

Ronan Ribeiro é artista plástico autodidata, cujo trabalho é voltado principalmente para a técnica do Macramê. Em 2021, realizou algumas exposições na cidade de Gramado, onde reside: Cristal, Don Feliciano, Camaquã, e uma exposição individual.

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[EXPOSIÇÃO VIRTUAL] RETRATOS DE CORREDOR

Sun, 20 Jun 2021 21:22:00 +0000

Retratos de Corredor é um projeto de instalação composto por um corredor duplo com 120 cm de largura, contendo 20 vinte pessoas em “escala real” – quer dizer, 20 representações que, devido à restrição física do espaço cenográfico, sugerem aos visitantes a estranha sensação de estarem diante de pessoas reais.

Essa presença fenomenológica é intensificada graças à ilusão das anamorfoses[1], corrigidas pelo nosso olhar no espaço da instalação. A perspectiva das imagens, devido à proximidade do fotógrafo em relação aos modelos, não pode ser obtida num único instantâneo, processando-se com o movimento da cabeça a partir de um ponto fixo em registros sequenciais. A parte do corpo do modelo mais próxima sempre permanecerá em escala real nas pinturas. As imagens obtidas assemelham-se às estranhas perspectivas produzidas por Lucian Freud, principalmente a partir dos anos 1980, tendo, no entanto, como referência principal um sistema similar às fotomontagens que David Hockney realizou entre 1982 e 1983, na série “Cameraworks”. A singularidade da presente proposta está no uso e na ativação do espaço que envolve a relação entre a escala das obras e a posição “imposta” aos observadores na instalação.

[1] A Anamorfose é um recurso ilusionista vinculado à posição relativa dos observadores diante de uma obra concebida para um ponto ideal, muito comum, por exemplo, em pinturas ilusionistas produzidas no Barroco.

Ricardo Coelho é artista visual multimídia, professor da Universidade Federal de São João del-Rei (UFSJ), curador independente e designer de exposições. Doutor em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp (2015), com parte da pesquisa realizada na Universitat de Barcelona (2014); Mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Unesp (2003) e Bacharel em Artes Plásticas pela mesma instituição (1999).

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MERDA! Cenas antes do terceiro sinal – Exposição

Sun, 21 Jun 2020 21:28:00 +0000

Artista: Brenda Marques

Texto: Frederico Lopes

Enfim, o momento esperado chegou. Retoques finais na maquiagem. Preparação da voz. Do corpo. Da alma. Rodas cantadas aos pulos e giros. Cirandas, rezas, orações, preces, mantras e rituais. O nervosismo evidencia a intensidade deste momento. Único. A explosão mágica dos corpos prestes a entrar no palco, encanta ante a pureza da verdade da representação. É assim no teatro.

Por detrás das cortinas, instantes antes do espetáculo, notamos que o teatro é bem mais do que a interpretação de uma história ensaiada exaustivamente para um público pagante. Percebemos o extraordinário grau de tensão que precede o encantamento, e assim, encantamo-nos também. Diante da área vedada ao público, situamo-nos como observadores impressionados com a complexidade que antecede a apresentação. Improvisos de produção, os últimos acertos de figurino, revisão de textos, personagens entrando e saindo dos corpos dos atores e o maravilhoso exercício final de um processo que conecta todos os membros da equipe a um único corpo. É possível entender o quanto se esforçaram ao longo dos ensaios para, agora, prestes a mostrar o seu trabalho, celebrarem juntos. Mais do que Companhia de Teatro, ou bons amigos, tornaram-se, neste instante, cúmplices de uma experiência transformadora.

Retratando como fotógrafa de cena ao menos 60 espetáculos por mais de um ano e meio, Brenda Marques observou diversos momentos mágicos que preexistiram as estreias. Entre o cruzamento da diversidade de rituais e confluência de energias de distintas companhias de Teatro, um grito rompante em conjunto com a boca cheia, une todos que dedicam sua existência a representar a vida de uma das maneiras mais sublimes, fazendo assim a vida valer de fato a pena. Um bom espetáculo a todos: MERDA!

Brenda Marques é fotógrafa desde 2012, já tendo fotografado “de um tudo”. No currículo de suas lentes, oito exposições, mais de cem espetáculos teatrais, três edições do Miss Brasil Gay, entre tantas outras experiências incríveis. Quando não está com a câmera na mão, está dançando tribal, cozinhando delícias veganas ou explorando o mundo em duas rodas – sempre buscando conhecer histórias e registrar relações e manifestações humanas.

Frederico Lopes é Artista, educador, encadernador e escritor. Trabalha no Memorial da República Presidente Itamar Franco, Museu de Arte Murilo Mendes e é fundador da Bodoque Artes e ofícios e da Revista Trama.

Galeria: artistas pra seguir na quarentena

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