As máscaras sempre estiveram presentes na vida do homem, tanto as máscaras objetos, utilizadas em festas, cerimônias e cultos sagrados, como as máscaras sociais, estas, empregadas nas relações entre as pessoas, como forma de comportamento e de adaptação ao meio.

No município de Maragojipe, localizado a cerca de 130km de Salvador, o carnaval teve início no final do século XIX, num estilo semelhante ao do carnaval de Veneza. Sempre contou com a participação dos mascarados, uma tradição que, segundo fontes de pesquisa do IPAC, já atravessou gerações, pois, segundo registro em jornal local, a festa já era celebrada desde 1897 (PITA, 2009). 

As praças e ruas da cidade de Maragojipe se transformam em palcos, e os moradores, em atores, durante os três dias de festa. O carnaval é comemorado segundo a tradição com blocos, ricamente ornamentados e mantidos em sigilo durante todo o ano, segredo este que só é quebrado no primeiro dia de carnaval. “Uma festa de essência, mascarada e de rua, segundo o Instituto de Radiodifusão Educativa da Bahia” (IRDEB) (CARNAVAL DE MAROGOJIPE, 2006).

Os mascarados e caretas são personagens tradicionais que traduzem todo o apelo estético europeu misturado à cultura africana, presente em instrumentos, ritmos, coreografias e músicas. A beleza das fantasias chama a atenção e demonstra, através da arte, todo o amor dos carnavalescos pela cidade e sua tradição (MARAGÓS, 2008).

Com mais de cem anos de festividade, a pedido dos moradores do município, através de uma pesquisa feita, em 2007, por historiadores, sociólogos, antropólogos e museólogos da Gerência de Pesquisa do IPAC, através do processo nº 008/2008, a Câmara de Patrimônio Histórico, Artístico, Arqueológico e Natural do CEC, propôs o registro da festa no Livro Especial de Eventos e Celebrações. O evento foi considerado, oficialmente, como patrimônio imaterial”, recebendo o título de “Patrimônio Cultural e Imaterial da Bahia” por decreto do governo estadual, publicado no Diário Oficial do Estado (CASTRO, 2008). Com todas estas qualidades inseridas nas máscaras de Maragojipe, o artista, que vivenciou esta tradição, se sentiu incomodado, no sentido de materializar esta memória através de diversas pinturas, que foram inseridas no “Memorial das Máscaras”, implantado pelo artista no ano de 2016, na Casa da Cultura do Município, local onde passou a ser um ponto de referência, material e imaterial, desta cultura centenária.

A arte é o reflexo do que nós vivemos, o lazer é entrelaçado com nosso cotidiano. Separar a arte das lutas do dia a dia não é uma opção para quem vive no pior tempo pós ditadura.

Sou a favor das minorias e de todos aqueles que estão em situação de vulnerabilidade, e trago em minha arte um pouco desse sentimento também buscando trazer a felicidade, pois o povo humilde precisa se ver nas artes e não de forma sofrida, mas de forma vitoriosa, como é sua realidade matando um leão por dia.

Trago em minha arte a vontade de conquistar um sorriso no olhar de todas e todos que tem dias difíceis, que vivem com a certeza da incerteza do amanhã. A arte é o instrumento da revolução.

Enfatizando uma abordagem cultural e histórica para fazer arte, busco empregar elementos de mitologia, crenças, cultura regional em minhas pinturas em aquarela irreverentes, pintura sobre fotografia e lápis de cor. Imediatamente atraentes em suas superfícies, as pinturas transmitem o lema: arte é cultura, cultura é arte para o espectador que com paciência se envolve com elas. Costumo dizer que: “Sinto que grande parte das minhas ideias começa com viagens, com o hábito de ver, e até de ler”.

Utilizando de lápis de cor, pastel seco, cotonete para passagem de cores, esfumar, começando normalmente o esboço com grafite azul, e finalizando a arte com verniz fixador, utilizando sempre papel com gramatura de 140 acima. As artes que compõem essa série, foram minuciosamente selecionadas por um motivo eu diria… “novos horizontes no mundo da arte”, não era um estilo feito por mim até o final do ano passado, me aprofundei no tema “nu artístico”, e como artista, desejo através dessas obras quebrar tabus, preconceitos quanto ao estilos, comunicar através do meu traço que o nu artístico não precisa ser vulgar, pode-se passar sucintamente a beleza do corpo feminino, ao invés de algo escandaloso.

Na nossa sociedade, o corpo feminino é extremamente cobrado partindo de padrões socialmente estabelecidos desde os primórdios da humanidade, mulheres são confrontadas diariamente, com isso, acabam desencadeando tensões que contribuem para uma crise de identidade, e neste sistema de opressão, o que se deseja ao longo dos anos, é formar um individuo perdido em suas incertezas e vulnerabilidade. Diante disso, quando se pensa o corpo da mulher, são adaptados ou elaborados modelos, em que se busca um corpo específico, que atenda aos interesses de um mercado, enquadrando indivíduos, a um corpo modelado e midiático, sem nenhuma reflexão, construindo verdades, que irão justificar os preconceitos, para isso se faz necessário ampliar o olhar e modificar comportamentos. Para GONÇALVES (1997) e GOELLNER (2008): “o corpo não é algo dado a priori, ele é provisório, mutável e mutante, estando suscetível a várias interferências com relação ao contexto em que ele está inserido”. Contudo, é interessante ressaltar que não se pode pensar o corpo partindo de uma referência, é preciso compreendê-lo como uma construção histórica, social, política, cultural, que se inicia nas relações e instituições sociais.

Ao trazer a obra “Vênus Willendorf Adesivada” para contemplação, reflexão, discussão, compartilhando com o público espectador, trago uma reflexão ao passado, partindo da obra Vênus Wilendorf, do período pré-histórico, com seus contornos femininos salientados, seios avantajados e nádegas volumosas, a imagem da mulher relacionada a fertilidade, procriação. A proposta é traçar novos paradigmas para essa mulher, compreendendo-a como um ser plural, heterogêneo, pertencente a um lugar que ela desejar estar. E nesse território de existência, identidade, pertencimento, se precisa desmistificar olhares, ressignificando paradigmas, e a despotencialização de novos territórios de existência, nos reapropiando politicamente do corpo, experimentando possibilidades de relações entre o individuo, a sociedade, fazendo parte de um coletivo.

A pandemia de covid-19 nos impôs a realidade de uma vida em isolamento inédita. Exigiu de todos a adoção de métodos de sobrevivência e manutenção da saúde física e mental. Para algumas pessoas, como eu, os momentos contemplativos do mundo exterior pelas molduras das portas e janelas tornaram-se uma válvula de escape contra a ansiedade e a loucura. Uma contemplação que me fez conseguir ver os vizinhos alados – para além de simbologias e arquétipos associados à morte – como mensageiros de esperança e renovação. Uma legião de urubus.

Enquanto nos abrigamos da pandemia de covid-19 no enclausuramento dos nossos isolamentos em Parintins, nós, habitantes da ilha fluvial no interior do Amazonas, testemunhamos os voos, pousos e planagens cotidianas desses moradores nativos, populosos e adaptados à vida urbana. Fotografei por alguns meses, diariamente, o modo arredio com que eles correspondem aos olhares contemplativos entre as frestas das residências. Instantes que tensionaram minhas percepções e construções simbólicas sobre as mórbidas relações associativas com a imagem das aves.

No cotidiano pandêmico, entretanto, fotografando e pesquisando sobre a vida desses animais, minha percepção diante dos urubus se transformou. No Xamanismo, essas aves são consideradas animais de poder, símbolos da purificação e renascimento. Distante daquela imagem de animais que vivem à espreita da morte como alimento, passei a reconhecê-los como agentes, sempre vigilantes, de transmutação da morte em vida.

Passei a avistar não mais o prenúncio da finitude iminente, mas a natureza em vigília ensinando sobre o tempo. O tempo de espera. A espera da morte do que já não é, para o nascimento do que virá a ser. O tempo da vida que seguirá sempre em renascimento. De sentinelas do mal agouro a totens de expurgação. Do medo à resignação.

A série de obras apresentadas leva o título de “Paisagens Fantasmagóricas”, que foram construídas pelo artista visual Marco Bulhões, como forma de concretizar o que povoava seu imaginário, através de seus pensamentos, devaneios e sonhos.

Por meio das formas e das cores foi possível que o artista materializasse as inquietações de suas imaginações, construindo e formando pinturas de paisagens que estavam em seu interior. 

Esta série também se assemelha com as pinturas de paisagens do artista inglês dos séculos XVII e XIX, William Turner, que utilizava colorações expressivas, paisagens imaginativas e pinturas marinhas turbulentas.

Pela combinação de estilos e técnicas artísticas, como como o abstrato, o surrealismo, o impressionismo, a aquarela, o espatulado, o gotejamento, o borrifamento, dentre outras, foi proporcionado às obras uma aparência bastante contemporânea.   

A série de pinturas foram inspirados na imaginação e nos sonhos do artista, ambientes idealizados através de seus pensamentos, o lugar que “não existe”, do não visto, e jamais tocado, o lugar das aspirações, do fantástico. 

O propósito artístico da série é a busca da expressão e do incentivo ao imaginário, de elevar os pensamentos a outras dimensões, e não somente ficar estagnado ao que é visível ou existente, mas de estimular as fantasias de nosso interior. 

Todas as obras foram construídas entre os anos de 2020 e 2021, com a técnica acrílica sobre papel, e com dimensões variadas.