Na experiência criativa, a tinta, a câmera, o papel, não são apenas ferramentas, são uma extensão corporal indissociável, cujo funcionamento é mediado pelo desejo do artista. O desejo evoca, cristaliza e dá forma a uma pequena parte de si mesmo, uma parte abstrata, inominável, intransponível, que só se faz acessível através da união corpo-arte.

Um artista com braços de pinceis, e dedos de ondas sonoras, com pés de palavras e tudo aquilo que não pode ser abandonado ou deixado de lado depois daquilo que cria, revela: o corpo não se desmembra da arte. O corpo existe através da arte e a arte existe através do corpo, como na Teoria Einfühlung de Endell:

Por meio da empatia, o observador pode se sentir um com o objeto observado e o objeto pode
ser experimentado como um ser vivo.

Que é a arte, se não um ser vivo? Que é um ser vivo se não a arte?

Karine Padilha é artista multidisciplinar e graduanda em psicologia na faculdade CESUSC (FLN-SC). Atualmente, trabalha com psicologia e arte, realizando pesquisas e prestando atendimento no CEPSI- Centro de Produção de Saberes e Práticas Psicológicas (FLN SC). Desde 2016, quando passou a estudar os resultados do fazer artístico na mente e no comportamento humano, experimenta diversos recursos de criação e expressão, entre eles a fotografia a pintura e a escrita.

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Após oportunidade de uma breve visitação a um dos maiores complexos a céu aberto de arte contemporânea no Brasil – e em Minas Gerais, região essa que contempla o instituto de arte o qual fiz parte -, não poderia deixar de fazer um recorte e me aproveitar disso para fomentação das ideias desse presente trabalho.

O objeto dessa análise foi escolhido em meio a um conjunto de possibilidades instigantes e desafiadoras na medida em que o contexto no qual se insere essa obra permite uma multiplicidade de olhares. Possibilidades essas vindas de um grande parque repleto de arte contemporânea e amostras botânicas: dado nome, Inhotim. A experiência prática acontece desde o entrar no complexo até a definição de escolha da obra para análise em questão.

Ao entrar em Inhotim, é possível decidir por qual caminho seguir e, com o auxilio de um mapa, identificar as obras que suscitam maior interesse no expectador, ou seja, àquele que constroi uma expectativa referente a alguma coisa. São tantos caminhos, tantas obras, tantos olhares além dos veres, que, certamente, o tempo que tive para tal não foi suficiente para enxergar todas as obras além. Em certos momentos, era preciso apenas ver sem prejudicar ou determinar um único sentido; a provocação fazia-se permanente mesmo sendo necessário um passo mais alargado: muito ainda por se ver e admirar. Não então, olhar. Olhar com os olhos de quem busca suprir alguma certa curiosidade, ou mesmo identificação.

Para chegar até o meu objeto de escolha, perpassei monumentos únicos e surpreendentes, tanto quanto o meu objeto de escolha. Mas não tanto a serem os meus objetos de escolha.

Ao me deparar com a galeria Doris Salcedo (Colômbia), entendi aquele espaço como algo inacabado – ou até mesmo abandonado. Era um lugar em cimento queimado, um tanto quanto alto, e distante dos demais. Ao redor havia bastante natureza, como em qualquer pedacinho daquele imenso jardim. Cheguei perto, aguardei a auxiliar da Galeria abrir a grande porta de correr, feita de vidro. Abriu. Havia outra grande porta, também de correr, também de vidro. Autorizaram-me a abertura da segunda porta, e me joguei naquela sala branca repleta de grades encravadas na parede de gesso. Algumas se sobressaiam; outras, eram tão profundas que não era possível ver de longe. Foi preciso me aproximar.

Estando no centro da sala, as paredes pareciam me sufocar naquele ambiente fechado. As luzes eram daquele estilo mais esbranquiçada, fria. Assim como o ar condicionado do ambiente, que mantinha o local em plenas condições, visto que os materiais usados eram o Aço e o Gesso, tudo parecia frio, como se quisesse me empurrar para fora daquela situação. Não consegui permanecer por muito tempo: além do ver, olhares e sentimentos se atravessaram naquele momento, eu simplesmente quis sair daquela condição o quanto antes. Mas, entretanto, para tal, era preciso que alguém se submetesse a abrir a porta para mim. Em instantes, era como se eu não tivesse controle sobre a minha vida e sobre o destino da mesma.

Ao sair, fui direto olhar o texto de apoio sobre a obra, para tentar entender um pouco sobre o que se tratava ou encontrar algo que pudesse nortear aquelas sensações que me causaram. Então, entendi que as obras de Salcedo consistem num grande diálogo entre contextos políticos e sociais. Mas, sobretudo nessa obra, Neither (2004), Salcedo procura a intervenção na arquitetura, além de misturar a questão de segregação e das condições dos campos de concentração. Ainda, critica as questões entre as paredes que protegem e as grades que prendem e separam; critica também a questão das segregações das grandes cidades. É a fruição pura dentro da galeria.

Diante de todas essas constatações e experimentações, porque então escolher algo que me causou essas sensações estranhas e de sufocamento? Por que não falar de algo que seja positivo, alegre, ou mesmo discutir o belo? Não sei. Acredito que a arte, uma vez que provoca momentos de tanta intensidade (mesmo que num curto espaço de tempo), também cumpre sua função de mexer com o dessa vez, espectador – aquele que assiste a um espetáculo, obra de arte. A arte é, além de produto final, momento, estranhamento, identificação. Ou não. Ou nada. Ou simplesmente não ser nada naquele momento para aquele espectador. Para mim, foi agonia, aflição e admiração. Um cubo branco, de luz fria, com grades embutidas de forma a obter uma repetição, um ar condicionado, eu.  Portas que se abrem e fecham com mecanicidade, e um outro ser humano como comandante do meu sair e entrar.

E então, podemos entender que do lado de fora daquela galeria que eu acabara de sair havia tamanha liberdade, diametralmente em contraponto com que havia sido vivenciado ali, naqueles instantes tão recentes. Talvez servindo de entendimento empírico ao que aquelas palavras descritas no apoio da obra queriam dizer. A vida em sociedade é, mesmo, uma dualidade de prisões e liberdades. Prisões sociais, padrões, instituições, governo, sistema como um todo. A liberdade pura fica por conta da natureza que nos cerca, nos acolhe e nos fornece ar para viver e enfrentar todas essas questões. E ainda assim, como nos ensinado pela filosofia, ler a palavra livres mudando o sentido – da esquerda para a direita – a própria liberdade se manterá presa à sua própria essência servil.

Uma vez discorrido todos esses pareceres realizados sobre a obra já mencionada, é possível resgatar conceitos que estão diretamente relacionados com a arte contemporânea e que nos faz entender e nos aproximar mais ainda dos aspectos que a obra carrega consigo, além dos seus múltiplos sentidos e significados. O advento das novas tecnologias e uso de novos materiais, além da mistura deles, nos faz perceber a ruptura desses artistas com as classificações habituais pré-estabelecidas nas artes de períodos anteriores ao pós-modernismo. Agora, a arte é metal, é gesso, é parede, é galeria inteira. A arte está na intenção e no fazer artístico. Arte é visceral.

Neither – nenhum dos dois (2004), de Doris Salcedo (Colômbia)

REFERÊNCIAS

ARCHER, M. Arte contemporânea: uma história concisa. Ed. Martins Fontes. São Paulo, 2012. Prefácio. 

ARGAN, G. C. – A crise da arte como “Ciência Europeia” – Lichtenstein, R. – O templo de Apolo; Warhol, A. – Marilyn Monroe. Cap.7.

DIDI-HUBERMAN, G. O que vemos, o que nos olha. Ed.34. Tradução Paulo Neves. 1ª Edição 1998 – 1ª reimpressão 2005.

ROCHLITZ, Rainer. Descrever e avaliar. Texto extraído de: Rochlitz, Rainer. L’art au banc d’essai. Esthétique et critique. Paris: Gallimard,1998, pp.113-117. Tradução Paulo Adalberto Haeser.

Juliana Monteiro é arte educadora, formada no Bacharelado Interdisciplinar e em Licenciatura em Artes Visuais (IAD-UFJF). Carrega em si, desde sempre, a curiosidade e a vontade de explorar as diversas linguagens da arte.

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O processo de criação do experimento virtual Histórias Irrecusáveis, da Companhia Sala de Giz, inicia-se com as angústias e incertezas de se produzir arte durante a pandemia. No princípio de todo processo pandêmico, eu fui um dos artistas relutantes a me adequar a esse meio virtual; talvez por pensar que tudo passaria rápido. Mas o fato era que todos os meus estudos da presença, trabalhados por anos na Sala de Giz, estavam diante de um desafio. E esse lugar novo me gerou as primeiras perguntas: Seria possível criar presença em um ambiente virtual? Existe “teatro virtual”?

Essas duas perguntas permearam meus pensamentos durante todo o ano de 2020, juntamente com o desejo de produzir e com os receios sobre como fazer teatro sem a presença do público. Os primeiros meses foram de reclusão: me fechei em uma caixinha e tentava assimilar o golpe. Tinha acabado de abrir um novo espaço cultural e era preciso fechá-lo. Digo que esse momento foi um dos mais obscuros da pandemia; cheio de medo, incerteza, impotência, dentre outros sentimentos negativos que afetam nosso cotidiano.

O contato com outros artistas e um olhar atento aos que considero mestres, foram esses os elementos que me fizeram desejar sair desse buraco negro que a pandemia nos colocou. O primeiro projeto que teve influência sobre Histórias Irrecusáveis é o Princípio A(fe)tivo, em que reunimos artistas e mestres que admiramos e os convidamos a responder a seguinte pergunta: “Que tipo de cura eu posso produzir?”. Ver esses artistas experimentando e produzindo materiais para o projeto contribuiu para uma nova fase de perguntas em meu processo de criação: como fazer teatro utilizando-me apenas da “presença” proporcionada pelos meios virtuais? Quais as características desses meios e como eles podem contribuir para a fruição da minha obra de arte?

Após receber inúmeras curas (que ainda estão disponíveis no instagram da Sala de Giz), entrei na fase de assistir teatro online. Posso citar duas peças que assisti e que me motivaram a continuar minha investigação sobre a criação nesses meios virtuais. A primeira delas é 12 Pessoas com Raiva, do Pandêmica Coletivo Temporário de Criação; a outra, Dois Nós na Noite, da Santa Corja. Dentro de tudo que assisti em 2020, essas duas experimentações teatrais online me fizeram ter a vontade de criar a minha própria experimentação. O que antes era uma fase de reclusão se tornou uma fase de provocação, em que constantemente eu me perguntava: O que EU posso criar?

No final de 2020, duas coisas aconteceram: a primeira delas foi um curso experimental de teatro ministrado através do zoom pela Sala de Giz, em que nós provocamos alguns alunos a criarem uma cena virtual. A segunda foi a Lei Aldir Blanc: finalmente teríamos verba para criar, e isso me deu a tranquilidade necessária para mergulhar em novos projetos e acabar com a sensação de impotência. Com LAB, veio outra questão: Quais projetos produzir?

O primeiro projeto que participei da LAB foi a vídeo-dança da Sala de Giz em parceria com Grupo NUN, A Cor do Ontem não é a Mesma ao Sol. O fato de estar envolvido, depois de tanto tempo recluso, em um projeto de criação, na presença de pessoas que eu admiro, foi o fôlego necessário para criar. Logo em seguida veio o 2° Festival Sala de Giz de Teatro: edição online, que aqui merece uma atenção especial.

Produzir o Festival nos colocou em contato com grupos e produções teatrais do Brasil inteiro: foram mais de 450 inscrições de todas as regiões. Tínhamos nas mãos um panorama do que estava sendo produzido no país, e olhar cada um desses projetos foi um importante recorte para nos colocar próximos do que viria a ser o Histórias Irrecusáveis. Dentre esses muitos projetos, existia um que nos aguçou a curiosidade: uma experimentação virtual que usava whatsapp, instagram, spotify, youtube e ligação telefônica. Tudo que Coube numa VHS, do Grupo Magiluth (PE), foi a grande inspiração para a nossa criação. A experimentação fugia do caminho tradicional ao colocar o público como agente da obra. O espetáculo mexeu tanto com a gente que, um mês depois, estávamos fazendo uma oficina ministrada pelo grupo através do SESC (PE). Histórias Irrecusáveis nasceu nessa oficina, quando fomos provocados por Giordano Castro, diretor e dramaturgo do Magiluth, a criar algo utilizando os meios tecnológicos e tendo como base o trabalho desenvolvido por eles em Tudo que Coube numa VHS. Talvez, se eu começasse meu texto por aqui, diria que nossa experimentação virtual surgiu desse encontro, onde eu e Felipe Moratori nos debruçamos durante uma semana para levantarmos nossas duas histórias. Mas se eu começasse por aqui, eu não estaria sendo justo com meus outros processos; acredito que, quando criamos uma obra, estamos condensando nela todas as inquietações, todas as questões e todos os desejos pulsantes em nossa vida. Histórias Irrecusáveis é um experimento teatral online, fruto de uma impossibilidade de fazer teatro nos moldes tradicionais, do desejo de se conectar novamente com o público e de bons encontros.

As Histórias Irrecusáveis Todos os Dias são Hoje”, de Bruno Quiossa, e “Eu Vou Ser Velho Um Dia”, de Felipe Moratori, serão apresentadas de forma online nos dias 16, 17 e 18 de Julho de 2021, em diversos horários. Para assistir, basta adquirir seu ingresso nos links acima.

Bruno Quiossa é ator, diretor e gestor da Sala de Giz. Mestre em Artes Cênicas, investiga a criação teatral a partir de notícias. 

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O relatório, conduzido no Reino Unido e nos Estados Unidos, descobriu que o simples ato de fazer uma pausa para questionar a origem, credibilidade, relevância e veracidade de qualquer informação antes de compartilhá-la em telefones, computadores e plataformas de mídia social, reduziu significativamente a propensão das pessoas a compartilhar informações incorretas.

Iniciativa Verificado – A campanha foi lançada sob a iniciativa ONU Verificado, em colaboração com a agência de impacto social Purpose, cujo objetivo é empoderar pessoas ao redor do mundo com informação com base científica durante o combate à COVID-19.

Trabalhando com agências da ONU, influenciadores, sociedade civil, empresas e plataformas de mídias sociais, a campanha Verificado cria e distribui informação confiável, precisa, e encoraja consumidores a mudar suas práticas de consumo midiático para reduzir e parar a disseminação da desinformação online.

No estudo, participantes que viram o conteúdo da campanha ‘Pause’ foram notavelmente menos suscetíveis a compartilhar manchetes falsas.

Manter uns aos outros a salvo – “A tarefa monumental no combate à desinformação pertence a todos nós. É sobre como nós podemos nos unir para incitar a mudança social, mudando normas de comportamento e aproveitando o senso de solidariedade das pessoas para manter uns aos outros a salvo,” disse Melissa Fleming, subsecretária-geral da ONU para Comunicações Globais.

“O estudo do MIT mostra que pausar antes de compartilhar não é somente possível, como também uma coisa responsável a se fazer, especialmente em um período onde se tornou difícil separar a verdade das mentiras”, afirmou a chefe de comunicação da ONU.

De acordo com a Organização Mundial da Saúde (OMS), apenas nos primeiros três meses de 2020, aproximadamente 6 mil pessoas foram hospitalizadas devido à desinformação da COVID-19. A campanha ‘Pause’, que alcançou aproximadamente um bilhão de pessoas em 2020, está redobrando seus esforços para empoderar mais pessoas a compartilhar informação responsavelmente.

Nova fase – A nova fase da campanha pede ao mundo para usar a #prometopausar, e o bordão “inunde a internet com o símbolo de pausa”.

Guiada por pesquisa, a campanha é construída sobre a premissa de que, ao interromper, mesmo por alguns segundos, o impulso de compartilhar algo que vemos – um ímpeto muitas vezes alimentado por emoções como excitação, raiva e até altruísmo – nos permitimos tempo para pensar mais criticamente.

“Durante a pandemia por COVID-19, a informação errada pode ser mortal. Aceite o compromisso de pausar e ajudar a parar a disseminação de informações falsas”, disse Fleming.

Matéria originalmente publicada em Nações Unidas Brasil em 09/07/2021 – Atualizado em 09/07/2021.

A ONU (Organização das Nações Unidas) é uma organização internacional formada por países que se reuniram voluntariamente para trabalhar pela paz e o desenvolvimento mundiais.

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AFINAL, O QUE É O CORPO DE UM HOMEM?

O que é ser homem para você? Foi ao redor desta pergunta simples, mas de resposta inconclusiva, que o projeto “Homem em carvão” foi construído. São mais de 90 desenhos feitos do mesmo material e técnica junto da reflexão individual de cada modelo voluntário sobre o que é ser homem. A proposta buscava dar uma resposta sobre masculinidade, porém acabou por provocar questionamentos sobre como o corpo do homem se comunica com a sociedade e como isto se reflete em cada indivíduo.

Muitas vezes, a cor da pele é capaz de determinar se o corpo pode ou não ocupar um espaço. Um preto tem mais chances de ser parado em uma blitz policial apenas por estar no “lugar errado na hora errada”. Existem aqueles que nascem no corpo do gênero ao qual não se identificam, como os homens trans – que não sofrem apenas com o julgamento externo, mas em muitos casos convivem com a disforia de gênero (desconforto com o corpo do gênero atribuído ao nascer). Aqui cabe a reflexão: afinal, o que é o corpo de um homem?

(clique nas imagens para vê-las em seu tamanho completo)

O conjunto dos desenhos unido às reflexões dos modelos e do artista deu origem ao livro bilíngue “Homens em Carvão – Men in Charcoal”, que foi custeado através de um financiamento coletivo que ocorreu entre os meses dezembro de 2020 e janeiro de 2021 e contou com o apoio de mais de 200 pessoas. Atualmente, estes e outros trabalhos são divulgados no instagram do artista e em seu website.

Wilton Oliveira é um artista visual independente, com foco, principalmente, na utilização do material carvão como forma de expressão. É estudante de Arquitetura e Urbanismo pela UFBA e Engenheiro de Materiais de formação pela UFABC. Atualmente, mora em São Paulo/SP.

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Wudson Marcos é graduado em Filosofia pela UFMS, pós-graduado em Sociologia e Orientação Educacional pela Faculdade Dom Alberto. Trabalha como professor, faz mestrado em Estética e Filosofia da Arte pela UFSC. Também é poeta, autor do livro CGS, e futuro pastor excomungado, sendo que a excomunhão já foi efetivada.

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O clipe está disponível para maiores de 18 anos no youtube.

Mateus Armas é ator, roteirista, produtor e diretor, formado em Cinema e Audiovisual pela Universidade Federal de Pelotas (UFPel).  É natural de Pelotas e trabalha na área de produção cinematográfica desde 2015. Atualmente trabalha com videoclipes independentes no intuito de explorar a direção de arte e montagem.

O post “SERIAL KILLER” – FOTOGRAFIA GORE apareceu primeiro em Revista Trama.

Ariane Bertante é poetisa. Pensa que escrever é a arte de se expressar, e de outra maneira não sabe ser: Escrever é sua forma de amar (e odiar). Ela bebe um vinho ou um café, sonha com sonetos e canções para o leitor exausto e eufórico se deleitar em devaneios (eternos devaneios).

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