Retratista Urbana (Carla Nunes)

é uma fotojornalista carioca que utiliza a arte da fotografia como uma poderosa ferramenta de comunicação, dedicando sua carreira a dar voz e visibilidade às comunidades carentes ao redor do mundo. Seu trabalho destaca os desafios e vulnerabilidades enfrentados por diversos povos e contextos, com o objetivo de promover a conscientização missionária, o engajamento cultural e o patrocínio. Além disso, a mesma presta serviços voluntários na Missão Evangélica do Brasil, uma organização social sem fins lucrativos com mais de 78 anos de existência, dedicada integralmente ao suporte comunitário, além de lecionar em um curso de fotografia e empreendedorismo próprio: “Criativos Carla Nunes”. Em 2023, a Retratista Urbana foi honrada com dois prestigiosos prêmios internacionais, um deles no maior concurso de fotografia do mundo, o Cewe Photo Award. Carla ainda conta com mais de 20 aprovações de portfólio no Brasil e no exterior, dez anos de carreira, três exposições internacionais e sente-se muito grata pelo reconhecimento ao seu talento e dedicação à fotografia como agente de mudanças.

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O post Além da Inércia apareceu primeiro em Revista Trama.

Ama Luna é artista plástica, fotógrafa e psicóloga mestre em Políticas Públicas pela Universidade Católica de Santos. Suas pesquisas giram em torno das contemplações, finitude e arte e existência humana, buscando compreender onde as áreas da saúde e das artes se aproximam. 

amaurangaluna 

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O post Ramificações entre Arte e Saúde  apareceu primeiro em Revista Trama.

María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga, conhecida como Remedios Varo, nasceu no ano de 1908 em Anglès na Espanha. Foi seu pai, Rodrigo Varo y Zajalvo, um engenheiro hidráulico intelectual e seguidor do universalismo, que desde cedo reconheceu em Varo sua vocação artística. Profundamente influenciada pelo pai, os primeiros trabalhos de Remédios foram esboços técnicos e laudos de arquitetura, tendo por referência as obras de Edgar Allan Poe e Hieronymus Bosch. 

Mesmo com sua predileção pela ciência, misticismo e filosofia, Varo frequentou durante muitos anos um colégio católico por insistência de sua mãe, Ignacia Uranga Bergareche. Percebendo o catolicismo como claustrofóbico, a artista ao formar-se em 1924 matriculou-se na Real Academia de Bellas Artes de San Fernando em Madri, famosa por ser muito conservadora em seu ensino e por ter expulsado Salvador Dali no mesmo ano em que Remédios tornou-se caloura. 

Na academia, Remédios cria uma afinidade muito grande com o Surrealismo, corrente parisiense de pintura que se difundiu pelo mundo todo durante o séc.XX. Varo assim como outras mulheres artistas, tais como Lenora Carrington, Dorothea Tanning e Kay Sage, incorporaram-se ao movimento ainda na década de 30, quando este já estava internacionalizado e mais consolidado, tornando o surrealismo uma das correntes de pintura com maior adesão de artistas mulheres, apesar do número ainda ser bastante desproporcional se comparado aos artistas homens.  

Em 1936 Remédios participou de uma exposição com os Logicofobistas, grupo de artistas avant-garde que procurava a união entre a arte e a metafísica. Sobre o episódio, Varo escreveu “Nós estamos fazendo o possível para criar algo completamente ‘surrealista”’. Nos anos seguintes, a artista conhece Benjamin Péret, seu futuro marido e também poeta surrealista, que a inseriu dentro de um circuito de militância política apoiante da República Espanhola.(8)Em 1940 Peret é preso por “atividade politica”, Varo como sua companheira também tem a mesma sorte e vive traumáticos meses na prisão, após a sua soltura, o casal foge para o México em 1941 quando os nazistas invadem Paris. 

No México, Varo realizou uma série de trabalhos desde pintura de móveis, restauração de artefatos pré-colombianos até design comercial. Em 1942, trabalhou com Marc Chagall, criando indumentária para o balé “Aleko”, em 1947 foi para a Venezuela e trabalhou em uma campanha publicitária para a marca de farmacêuticos Bayer. Na época, a artista tornou-se amiga de outros refugiados europeus e expatriados, incluindo Leonora Carrington, Kati Horna, e Gunther Gerzso. Sua amizade com Leonora foi de particular importância visto que as duas influenciaram o trabalho uma da outra.  

A produção de Remédios atinge sua fase madura nos anos 50 quando a artista casa-se com o empresário Walter Gruen e adquire estabilidade financeira para produzir livremente. Seu período maduro perdura até o final dos anos 60 e os quadros produzidos nestes anos são ótimos representantes do movimento surrealista, pois utilizam-se do sonho e do onírico como inspiração, além de ilusões de ótica, dissociação de imagens figurativas convencionais, predileção pela fantasia e por elementos surreais, em adendo à linguagem simbólica e incorporação de conceitos psicanalistas como forma de exploração da mente humana.  

Na mesma época Varo entra em contato com a filosofia de George Gurdjieff, Guru armeno que pregava o “despertar da consciência” através do método da “lembrança de si”. Tal filosofia pensa no homem como uma “máquina humana”, a qual pilotamos inconscientemente da sua potencialidade, portanto o processo de autoconhecimento estaria atrelado ao “lembrar-nos” da nossa potência interior, harmonizando nossos sentidos com práticas cotidianas. É também pregado por Gurdjieff a separação da identidade deste verdadeiro eu, das demais identidades que temos de nós mesmos dentro de nossa mente, que segundo ele, são criadas através das percepções empíricas que temos da realidade à nossa volta. 

Tendo como objetivo o despertar do homem interior adormecido, Gurdjieff defendia determinadas práticas artísticas, tais como a dança e música, por acreditar que desta forma, a verdadeira consciência poderia exteriorizar-se sem as barreiras da mente consciente. Varo aproveita-se deste conceito para a realização de seus quadros e ao incorpora-lo á expressão surrealista, a artista procurava a partir da manipulação da imagem, despertar gatilhos subconscientes nos espectadores de suas obras. 

Partindo do princípio que nenhum dos elementos simbólicos colocados dentro da pintura estão dispostos ao acaso, o quadro “Mujer Saliendo del Psicoanalista”, se mostra emblemático. Terminado em 1960, a obra tem um tamanho relativamente pequeno, possuindo as dimensões de apenas 60cm x 40cm, e pintado a óleo. Na cena é possível ver uma figura feminina como figura central em um ambiente onírico rodeada por uma construção com duas portas, e por causa da fumaça que sai de uma delas, há a ilusão de que esta figura caba de sair por esta, que remetendo ao título da pintura, deduz-se que seria o consultório do psicanalista. 

A figura tem os cabelos em formato de nuvem, veste um traje volumoso e verde, o qual parece ter uma máscara acoplada, que no momento está abaixada e pendurada em seu pescoço. Em uma das mãos a mulher carrega um pequeno balde em forma de bolsa, e na outra, parece atirar em um poço de água localizado no chão abaixo dela, a cabeça de um homem, representado como um espírito, ou um ser fantasmagórico. 

Varo pensa na composição da pintura de forma vertical e simétrica, utilizando as vértices das portas e do teto da construção para criar uma ilusão de ótica de aprofundamento, o único elemento que foge a simetria é a própria mulher ao centro, o que direciona o olhar do espectador diretamente para ela, como se o atraísse naturalmente. O efeito magnético provocado por esta composição é intensificado com o próprio olhar da figura que encara o espectador, como se este fosse cúmplice e também observado pela mesma. 

Esta pintura é profundamente influenciada pelas teorias freudianas e pelo simbolismo oculto dos sonhos correspondente aos mistérios da psyché, uma vez que a própria pintora executou este quadro após ter um sonho vivido com o tema. No quadro há o confrontamento e o descarte da figura paterna, vista na psicanálise como uma figura restritora, após uma visita ao psicanalista. Na placa do consultório, colocada ao lado da parede, é possível enxergar as letras “DR. F.J.A.” que podem ser interpretadas como as iniciais de Freud, Jung, e Albers, cujas teorias pautam outras obras da artista 

Outro detalhe que chama atenção é a máscara pendurada no pescoço da mulher, que pode ser vista como um utilitário que a protege de exibir sua verdadeira face ao mundo, ou então como uma venda que limita sua visão do exterior. Em ambos os casos o acessório se encontra baixado após a visita ao médico, indicando que a personagem não só pode ser vista em sua verdadeira forma, como pode ver mais claramente o seu entorno, o que inclui o espectador do quadro, o qual ela lança um olhar direto. 

Ao todo, ao descartar a figura fantasmagórica masculina, relacionada ao pai, em um poço com água, o elemento ligado às emoções e a família dentro das tradições esotéricas. Varo procura representar tanto a recuperação da liberdade feminina e do despertar da conciencia de si ao incitar o abandono de antigas figuras restritoras, quanto uma postura feminista e politica se pensarmos na figura do pai, como uma simbologia para todo o patriarcado. 

Tal qual uma fita de moebius, que desdobra-se e entrelaçam-se dentro de si mesmo, os quadros de Remédios possuem a mesma flexibilidade ao agregar diferentes discursos e significantes, entrelaçados dentro da nuvem mística do onírico que perpassa suas figuras (majoritariamente mulheres) detentoras do poder e da ação. Ao despertar gatilhos psicológicos e correlaciona-los com questões políticas e de gênero, Varo transforma seus quadros em manifestos feministas mais que atemporais, perpétuos.  

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Bibliografia:

ARCQ, Teresa. Texto curatorial: Frida Kahlo – Conexões entre mulheres surrealistas no México. Instituto Tomie Ohtake. Disponível em: https://www.institutotomieohtake.org.br/o_instituto/interna/texto-curatorial-teresa-arcq. Acesso em: 20 de novembro de 2021 

DERKS, Meredith. (2017). Translating Magic: Remedio Varo’s Visual Language. Tese de Mestrado em Arte e História da Arte.University of Missouri-Kansas City. Kansas. 

GOBIERNO DE MÉXICO – CULTURA. Análisis de la obra: Remedios Varo, Mujer saliendo del Psicoanalista. Proyecto Contigo en la Distancia. Disponível em: https://contigoenladistancia.cultura.gob.mx/detalle/analisis-de-la-obra-remedios-varo-mujer-saliendo-del-psicoanalista Acesso em: 20 de novembro de 2021 

HAYNES, Deborah J. (1995). The art of Remedios Varo : issues of gender ambiguity and religious meaning. Revista Woman’s art journal, 1995, 16, 1, spring-summer. Pags 7 ill. 

LUCAS, João.L.A. (2007-2008).Remedios Varo (1908-1963): El Viaje Interior Revista Espacio, Tiempo y Forma, Serie VII, H. a del Arte, t. 20-21, 2007-2008, págs. 341-361. 

OLIVEIRA, Juliana. M. da S. (2019). As máquinas analógicas de Remedios Varo. Revista Extraprensa, 12(2), 68-84.  

MACHADO. Leticia F.B. (2019). “Gênero e representações da feminilidade no surrealismo: Leonora Carrington e Remedios Varo como estudos do caso” Dissertação de Pós Graduação em Artes, Língua e Linguagem. Universidade Federal de Juiz de Fora. Minas Gerais 

MUNDY, Jhennifer.(2001) “How to produce Erotic Dreams: A recipe by Remedios Varo” Published Postmortem. Tate Publishing. London, Pags. 306 Disponível em : https://www.maramarietta.com/the-arts/painting-drawing-sculpture/artists-p-w/varo/. Acesso em 20 de novembro de 2021 

REMEDIOS VARO – BIBLIOGRAPHY AND LEGACY. The Art Story Disponível em:https://www.theartstory.org/artist/varo-remedios/life-and-legacy/ Acesso em: 20 novembro de 2021’ 

VARO. R. Vida Y Obra: Artista Surrealista. Remedios Varo Website. Disponível em:https://www.remedios-varo.com/ Acesso em 20 de novembro de 2021 

WHITE, Jacquelyn Y., (2014). “The Surrealist Woman: the Art of Remedios Varo” . Syracuse University Honors Program Capstone Projects. 744.

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Sara da Silva Uliana 

Graduanda em Museologia pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná (EMBAP) da Universidade Estadual do Paraná (UNESPAR), ex-graduanda em História da Arte pela Escola de Belas Artes (EBA) da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Pesquisa relações entre Arte Contemporânea e prática museal e possui interesse em temas da Fotografia, Documentação Museológica, Cosmopolítica, Feminismo e Arte Urbana. Contato: sa.uliana@hotmail.com 

Instagram: @sasa_uliana

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O post Simbologia e Luta Feminista na obra de Remedios Varo: Uma análise do quadro “Mujer Saliendo del Psicoanalista” (1960) apareceu primeiro em Revista Trama.

Ronan Ribeiro é artista plástico autodidata, cujo trabalho é voltado principalmente para a técnica do Macramê. Em 2021, realizou algumas exposições na cidade de Gramado, onde reside: Cristal, Don Feliciano, Camaquã, e uma exposição individual.

Arco Íris Latino

Beto Martins | Café Libertas | Atena Bookstore

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A vida reverbera o teatro das relações do ser e do dever, cerceadas por um fio de poder inerente a toda sociedade, com toda a sua carga de pós verdade: penso, logo existo. NÃO, acredito, logo estou certo. – eles dizem, eles cantam, eles suspiram e bombardeiam nos espaços símbolo que, de forma capilar, emitem faíscas ideológicas. 

Penso em alguns eventos que pediram do homem: coragem. Marchas, cantos, gritos inflamados, rostos vermelhos e olhos esbugalhados: cenários que invadem o movimento do artista e rasgam o lugar de análise. Dizem: ame ou deixe o. 

Como responder? Me perguntei. De fato, não há uma resposta programada para eventos não programados. O princípio da história parte de uma ideia de que as coisas se constroem, e que, em continuidades e descontinuidades, se faz o ritmo do e no tempo. Koselleck analisaria, enquanto concepção de tempo, por espaço de experiência e horizonte de expectativa. 

Em termos de espaço de experiência, que diz de um presente, há uma onda de sensações e óticas próprias e plurais, que apontam para um horizonte, carregado da então expectativa. O que esperar quando não se espera mais? O que de fato nos serve de combustível e impulsiona a arte do criar? Será o presente o cenário próprio das inspirações mais diversas? 

Coragem, eu disse em um parágrafo. Acredito que, em tempos de (deveras) coragem, o espaço de experiência pode se remeter a uma dança com o tempo. Buscar formas e inspirações ao longo da história da humanidade é o que, de fato, pode dar combustão ao tato criativo de cada um. 

Entender que a própria História é uma ferramenta gratuita para o uso de produção artística, remete a uma função ainda pouco utilizada. Acredito ser por isso que digo sempre do outro, no que canto, no que escrevo, no que penso. Marc Bloch diria que  “o historiador é como o ogro da lenda. Onde fareja carne humana sabe que ali está a sua caça.”; eu concordo. Dado o lugar que me formo e que falo, procuro sempre farejar o homem em seus distintos momentos, entendendo que sempre (e digo sem nenhum medo), as coisas irão mudar. 

Dessa forma, coragem é virtude aquecida por um coração esperançoso. As coisas mudam. Dancemos pois pelo tempo, afim de enriquecer a nossa criatividade despejando sobre o presente os auxílios para um horizonte melhor.

Gyovana Machado é graduanda em História pela UFJF, formada no Seminário Teológico Rhema Brasil, líder de música em A Igreja. 

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Apoie causas humanitárias. Em tempos de cólera, amar é um ato revolucionário.

O post O Eu, o Outro e o Tempo: Práticas de Memória e História na Produção Artística apareceu primeiro em Revista Trama.

Portanto, é preciso pensar o Curador como alguém que está construindo um sentido de arte, estabelecendo a comunidade de sentidos do lugar. O que toca as pessoas que vão fruir a arte? O que transforma e reinaugura o olhar da audiência, da plateia, etc.?

O Curador tem a capacidade de articular coisas distintas. Sobre ele atuam diferentes desafios: como selecionar entre 500 – 30 peças? Esse é o modelo dos editais, efetivação de comissões de seleções de projetos que não pensam de forma orgânica. Que critérios são usados? Como se escolhe sem intuir e refletir profundamente sobre o que está se escolhendo. Quais os aspectos de atuação do Curador? Qual a função do Curador dentro dos editais públicos? O que a curadoria está buscando? É para o desenvolvimento humano ou para o mercado? O mercado da cultura ou o mercado de artes?

O artista não é mais esse ser brilhante que o iluminismo criou, as pessoas estão procurando um sentido de mundo, estão nas ruas, estão nas redes sociais, estão buscando, estão lutando. O Curador tem que estar ligado à esses fatores. Tudo está articulado com o social. As dimensões do coletivo são seu mister. O cenário em que o Curador anda é muito mais complexo. Escolher a peça é o de menor importância, mesmo sendo o cerne da questão, o que precisamos é pensar nos desdobramentos, na produção de sentidos, na provocação que levará ao debate e à reflexão. Portanto, o curador não pode viver o individualismo – essa alienação que está no mundo – ele precisa produzir em diversas pontes, em diversos níveis e dimensões, pois ele contribui para o sistema cultural.

Nesse sentido, ele é um mediador entre o artista, a obra e o público, por isso tem que ser alguém antenado, articulado, com abertura para exercer a análise e a crítica de modo a compreender a obra de arte na extensão do que ela pode produzir em reflexos estéticos, éticos, artísticos, afetivos, humanos, políticos, sociais, econômicos, etc.

Então, o que motiva um Curador? A experiência dele? O mercado? A política? A visibilidade? A vaidade? O curador não pode estar alienado, ele tem que ter múltiplos olhares da cidade. (Milton Santos). Ele define tendências. Julga o trabalho do outro. Paradoxalmente, corre-se o risco do Curador se tornar mais importante que o artista. São situações não desejáveis produzidas a partir da relação Curador e mercado. Isso é uma deformação, os costumes são descartados, os valores invertidos (curar ser mais importante que criar arte, ainda que curadoria seja um ato de colaboração criativa).

Então, como tornar a curadoria participante, orgânica?

Curadoria para vida e não para o mercado. Ter noção que mediar é estar entre público, artista e patrocinador, mas sem perder de vista que o Curador atua a partir do trabalho do artista. Logo, sua interlocução é ampliar a potência da obra artística para alcançar seus públicos e com eles dialogar.

Para isso é preciso ter foco, dedicação, mas, sobretudo, responsabilidade e comprometimento. O Curador não pode ser arbitrário nem superficial, vendo projetos de véspera ou mesmo escolhendo porque tem nomes conhecidos. Se assim o for, ele comete crime de lesa à cultura ou, pior, se torna, muitas vezes, operador de um sistema que condena, um algoz.

É preciso provocar experiências transformadoras no encontro com a arte. Precisa-se de Curadores que não sejam meros operadores do sistema, mas que pensem na mudança, na transformação humana, que articulem utopias, que ajudem a tecer sonhos, que vejam na arte a única arma para vencer a barbárie.

Dane de Jade é curadora, atriz-pesquisadora, produtora, arte-educadora, radialista e gestora cultural. Graduada em Ciências Biológicas pela Universidade Regional do Cariri – URCA, cursou também arte-educação na URCA, pós-graduação em Gestão Estratégica nas organizações de Terceiro Setor na Universidade Estadual do Ceará – UECE, Gestão Cultural pela Universidade Federal do Cariri – UFCA, Arte Educação pela Universidade Regional do Cariri – URCA e Doutoranda em Turismo, Lazer e Cultura pela Universidade de Coimbra em Portugal. Dirigiu o Departamento de Promoção, difusão e Ação Sócio-Cultural da Fundação Cultural J. de Figueiredo Filho em Crato-CE, fomentou a criação e gerenciou o Programa Cultura do SESC Ceará onde criou e coordenou, entre outros projetos, a Mostra SESC Cariri de Culturas. Foi a responsável pela curadoria do projeto “Traga a França para os meus versos e leve os meus versos para França”, dentro da programação do Ano França/Brasil na Universidade de Poitiers e criou a Mostra SESC Luso-Brasileira, em Coimbra/Portugal. Por 13 anos foi a curadora representante do Ceará nos projetos Palco Giratório – Rede Nacional de Difusão e Intercâmbio das Artes Cênicas e Sonora Brasil – Formação de Ouvintes Musicais. Sócio-fundadora da Ong BEATOS – Base Educultural de Ação e Trabalho de Organização Social. Realiza palestras e oficinas sobre Gestão Cultural em diversas regiões do país. Vencedora do Prêmio Claudia 2012 (maior premiação feminina da América Latina realizada pela editora Abril) na categoria Cultura. Atuou como Membro do Conselho Estadual de Cultura do Ceará, consultora da Associação Teatro da Boca Rica e Professora convidada do Curso de Gestão Cultural do CPF – Centro de Pesquisa e Formação do SESC SP. Desenvolve trabalhos e pesquisa na área de tradição popular. Secretária de Cultura do Município de Crato (2013-2016). Coordenadora do Escritório Regional de Cultura Cariri/SECULT CE e Escola Vila da Música Monsenhor Ágio Augusto Moreira.

Algumas imagens que estão na Trama foram enviadas pelos autores sem as devidas referências. Se, porventura houver imagens sobre as quais você tenha os direitos sobre ela, por favor entre em contato conosco através do e-mail: fredericolopes@artebodoque.com.

O post Curadoria em Artes Cênicas apareceu primeiro em Revista Trama.

Quantas vezes você teve ideias que pareciam fantásticas ou pensou em questões que nunca haviam lhe ocorrido? Por quantas vezes você observou algum aspecto muito peculiar da vida, não compartilhou com ninguém, e não se lembra ao certo o que era? Quantas vezes você despendeu vários e vários minutos olhando uma obra de arte em um Museu, ou ficou apenas em casa sentado lembrando de detalhes do último espetáculo que assistiu?

É possível que até mesmo para essas perguntas, as respostas estejam em uma profundidade difícil de alcançar.

Acontece que a maneira como levamos a vida na contemporaneidade não favorece um tipo de pensamento que demande mais tempo, ou, até mesmo mais profundidade. Talvez até mesmo associações mais complexas sejam combatidas ao mínimo sinal de sua manifestação. A velocidade das redes, a exigência do ideal de produtividade, excelência e profissionalismo, nos impede de prolongar pausas e consultar a nós mesmos.

O que estamos fazendo, afinal?

Passamos a vida em busca de coisas que não temos, e descobrimos que, ao conquistá-las, a mesma sensação de insuficiência nos obriga a buscar outras coisas. Nós consumimos tudo. E tudo que consumimos, consumimos por alimentar essa lógica que prevalece em nosso comportamento – industrial e descartável.

Para Schopenhauer vivemos entre a dor e o tédio. Enquanto estamos buscando algo que não temos, sofremos. Quando conquistamos o que tanto buscávamos, o que encontramos, na realidade, é o tédio, (afinal de contas, não estamos mais buscando por nada). Neste pêndulo de Schopenhauer, a felicidade é o intervalo entre ter chegado à tão sonhada conquista e a chegada do tédio novamente.

O problema maior é que essa estrutura é espelhada em nossas relações. Não satisfeitos em vagar entre a dor e o tédio em busca do que não temos, nossos maiores amores e amizades mais verdadeiras, foram arrastadas para esse processo. Inclusive nós mesmos.

Outro ponto alto desta questão é percebermos que, por conta do avanço tecnológico, tudo o que desejamos pode chegar muito mais rápido às nossas mãos. Com poucos cliques, (e os aplicativos certos), nosso alimento, transporte e compras (de diversas naturezas), chegam em instantes. Até mesmo aquele encontro casual, “amoroso”, pode ser rapidamente providenciado através de um cardápio afetivo.

Nesse sentido, ter algo a desejar superficialmente, faz com que a conquista seja fácil, portanto, o espaço de tempo entre a felicidade e o tédio se torna tão estreito, que o sofrimento e o tédio se confundem em uma constante. Porque o desejo, na contemporaneidade, é simultaneamente sofrimento e tédio.

Na História da Arte, essa angústia foi tratada na dimensão solitária do ser ao longo das distintas temporalidades históricas. Mas, de certa forma, foi a partir do impacto da modernidade que esse aspecto se tornou mais evidente.

Nas obras de Edward Hopper, as pessoas sempre aparecem solitárias, ainda que estejam na companhia de outras pessoas. Seus quadros sempre passam a silenciosa sensação de que o vazio existencial é uma constante na vida moderna.

Na arte Porvera, Michelangelo Pistoletto confronta a transitoriedade da massificação industrial com a perenidade da arte em seu conceito elevado. Desse modo, a busca pelo questionamento é claramente um caminho em direção ao aprofundamento do entendimento da condição humana.

Outro artista que coloca em evidência a precariedade da solidão humana é Ron Mueck, com suas esculturas hiperrealistas.

Impactantes por conta de sua representação realista (por vezes entendida como mais real do que a realidade), a solidão humana é percebida nos olhares, na fragilidade da nudez e na fria e silenciosa presença dos corpos no espaço.

Em meio de todas essas abordagens artísticas, em comparativo com a maneira como nos relacionamos atualmente, podemos perceber que a busca, no ato criador se dá pela profundidade. Explorando o entendimento de que a vida humana na sua precariedade é solitária em superfície, o aprofundamento no entendimento da condição humana, se torna um caminho para a dilatação do intervalo entre o sofrimento e o tédio. Isto porque, ao se debruçar sobre a sua própria humanidade, ao consultar-se em profundidade em um processo de criação, artístico ou não, é possível se afastar da superfície em direção ao alto mar da existência, onde os desejos são menos voláteis e as conquistas mais significativas e duradouras.

Frederico Lopes é Artista e Escritor. Trabalha no Memorial da República Presidente Itamar Franco e é fundador da Bodoque Artes e ofícios.

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por: Frederico Lopes

Henri Cartier Bresson é considerado por muitos críticos e profissionais do campo das Artes como o pai do fotojornalismo e um dos fotógrafos mais influentes do século XX. Nascido na França em 1908, sua família possuía uma empresa no ramo têxtil e ainda menino recebeu como presente uma câmera Box Brownie, que foi para ele como um divisor de aguas, marcando sua vida de uma vez por todas. A partir dai, Bresson tornou-se um amante fiel à arte da fotografia e logo passou a experimentar outras câmeras, técnicas e possibilidades. 

Nesse sentido, Cartier Bresson enveredou-se rumo ao fotojornalismo e foi um profissional extremamente importante para o mesmo, mas se tornou famoso de fato por retratar eventos corriqueiros do dia-a-dia, principalmente entre 1930 – 1960, pois, o fez com tamanha sensibilidade e competência que é de fato um dos fotógrafos mais influentes do mundo cuja obra, apesar de não ser considerada tecnicamente por muito perfeita, são de uma genuína beleza. 

O fotografo foi muito influenciado pelos trabalhos do húngaro André Kértsz e pela produção de Artes Plásticas da época, chegando inclusive a ingressar em um curso de Artes em um estúdio parisiense. 

Após a segunda grande guerra, Bresson criou a famosa agência fotográfica: Magnum, em parceria com Bill Vandivert, Robert Capa, George Rodger e David Seymour. Nesta época, suas produções se tornam mais requintadas, publicando fotos celebres nas revistas Life, Vogue e Harper’s Bazaar. Foi ainda o fotografo europeu pioneiro na revelação do universo cotidiano da União Soviética em pleno regime comunista, com autorização para tal feito naturalmente em 1954 depois da morte de Stalin. 

Seu trabalho influenciou toda uma geração de fotógrafos que viram em sua obra um olhar singelo que transpira verdade, flagrando as manifestações mais espontâneas dos sentimentos inerentes ao homem, ainda que tais sentimentos estejam submergidos em uma densa camada de cotidiano. 

Henri Cartier Bresson cria em 2000 uma fundação morre em 2004, aos 95 anos, na Provença em seu país natal. 

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