Depois de viver este momento foi que este trabalho se colocou presente. Pensar nos incontáveis seres, organismos, estruturas e conexões que temos dentro de nós ,que precisam viver em harmonia, sem visitas inesperadas de outras estruturas, qual é o movimento que nosso corpo faz quando essas visitas ocorrem. A exposição Organelas é sobre estes organismos e seus movimentos ,e é composta por dez desenhos feitos com nanquim sobre papel em tamanhos variados.

Um trabalho faz parte de uma série desenvolvida pela artista que tem como mote o fluxo, o movimento, os indícios, as percepções mutáveis do entorno, do momento vivido e apreendido. O corpo físico, memórias e sentimentos que registram o presente.

Patrícia Siqueira é artista, bailarina, coreógrafa, atriz e performer. Cursa Artes Plásticas na Escola Guignard, UEMG, com Habilitação em Desenho. MA em Arte Contemporânea pela PUC Minas. Desenvolve trabalhos híbridos com linguagens desenvolvidas ao longo de sua carreira artística, tais como dança, teatro, performance, vídeos, fotografia e artes plásticas.

@patriciasiqueira.art

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Breves notas sobre arte e o ofício de artista 

Sempre acreditei ser especialista em ir embora. Nunca me senti parte ou me demorei em nenhum lugar. É nesse vazio que se substanciam as histórias, as vidas, os rostos, as vozes todas, e o tempo. É lá que conversam o alquimista e a senhora que cozinha para os famintos. Em algum ponto desse lugar invisível está guardado o Aleph que contém a todos nós. O vento que brota ou sopra daí fecunda a vida e a morte. Contudo, talvez a própria passagem implacável do tempo sobre o corpo, e quem sabe sobre a memória, venha dificultando cada vez mais essa tarefa de partir. Nunca estive tão próximo dos meus colegas quanto nesta empreitada na Trama. Jamais aprendi tanto sobre o meu ofício, os dias debruçado sobre os trabalhos dos pares, ocupado da imensa tarefa de editá-los, cuidar deles e de suas personagens, e de seus versos que são estradas diurnas ou labirintos noturnos, de poder olhar suas personalidades mais nuas. A figura do editor sempre me atraiu imensamente e me parece, nesses treze anos de jornada, que vem diminuindo aos poucos. Cada vez temos menos bons editores e menos autores abertos a um exame sincero de seu trabalho. Essa oportunidade a Trama me deu. Descobri novas vozes e dialoguei com elas. É um ofício de atenção: ouvir mais as vozes baixas, ouvir menos as mais altas, sentir o que não é dito, medir os limites do artista e do editor, assumir a delicadeza do lugar do meio entre o artista e o editor geral, um trabalho de mediação, de garimpo, de backstage. Chegada a hora de partir (dramático!), em meio à alegria em servir de contrarregra para meus amigos e minhas amigas, deixo aqui brevíssimas notas sobre este nosso ofício e sobre a própria arte que temos criado. 

1. Antes burocratas, agora estamos nos tornando artistas especialistas em algoritmo, professores, gestores da arte alheia. Vejo artistas sendo mortos todos os dias à minha volta, enquanto eu mesmo definho junto com eles, diminuindo, ensurdecendo. Aniquilar a arte é um projeto. Ninguém quer extensas reflexões, ninguém tem tempo para ouvir o conceito, ninguém… Mas eles querem consumir. Que diálogo é possível entre arte, artista, mercado, consumidor (não necessariamente nessa ordem)? 

2. Arte é revolução. O medo da poesia é o medo do caráter oracular da arte. Os donos do poder temem qualquer brisa que os oscile de sobre suas colunatas de mármore (granito, na verdade!), coisa que a arte ama fazer, porque quer profundidade, horizontes, voos em céu claro, ela quer luz. Tudo o que eles odeiam. Quanto menos o povo souber, melhor para a manutenção do status quo! Quanto menos verdade vier à tona, melhor para a manutenção do lauto banquete! 

3. A arte retrata e antecipa a realidade. A arte é a realidade. De quantos fragmentos precisamos para compor o craquelamento de sua atualidade? Precisa-se de emojis para que se interprete mais ou menos a frase. De quantas horas de áudio precisamos para ouvir todas as vozes? É sempre necessário informar #ironia ou #sarcasmo nos posts, stories e legendas? A dancinha na tela é mais vista em horas do que um quadro de Dalí em um dia. Aqui cabe perguntar, ainda: que realidade temos retratado em nossos trabalhos artísticos? 

4. Arte não precisa ser política para ser política. Arte é política. 

5. Em um sistema que não nos acolhe, não podemos competir entre si. Em uma organização social que só nos tolera quando damos provas de nossa capacidade de produzir lucro financeiro, é improdutivo ir sozinho. Quando o colega ganha sete prêmios seguidos, ótimo!, ganham a literatura e as bandeiras que ele carrega. Quando a colega é reconhecida internacionalmente, ótimo!, ganha a cultura brasileira e vamos todas e todos juntos nessa onda de sucesso e lucro. Vamos falar de lucro, sim. Os canalhas só entendem de dinheiro e o artista não pode morrer à míngua. Sucesso não pode ser entendido como ofensa pessoal, menos ainda pelos pares. Eu entendo que os egos se doam pelos sete prêmios, pelo reconhecimento da novata, pelas traduções, pelo dinheiro. Eu entendo. No entanto, entendo também que cada um de nós é parte do mercado, cada um segura uma ponta da teia que forma as conexões artísticas da atualidade (vejam a distribuição no Diagrama de Baran). Quem soltar não larga só a sua ponta, põe em risco o grupo já tão atacado e vilipendiado desde sempre.  

6. “O mundo é horrível, gosta de assassinar a tiros a poesia” (Taylane Cruz). 

7. A arte é imortal. Nós passaremos, ela não. Porque ela é água, serpenteia pelas frestas e segue contando o futuro para o presente. 

Dan Porto é artista, escritor, professor e produtor. Especialista em Linguagens (UFPI, 2022), Especialista em Artes (FSL, 2020). Está estudante de Letras e Literatura de Língua Portuguesa (Unicentro). É porta-voz do ‘Transtexto’ e do ‘Homo Poeticus’, criador dos projetos ‘As Pessoas de Fernando’ e ‘Julho Literário’. Publicou ‘Pequeno Manual do Vestibular’ (2009), ‘Raridades’ (2011), ‘Viver e ajudar a viver’ (2014), Série Poética: ‘Just it’, ‘Carménère’, ‘Xilema’ (2015), ‘A cura da Aids’ (2017), ‘tempo de ninguém’ (2022), além de textos avulsos em jornais e revistas de literatura. Produzindo conteúdo não remunerado no  @danportoeu

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Você já deve ter se perguntado alguma vez: o que leva um indivíduo a escalar uma montanha? Qual o sentido de gastar tanta energia e despender tanto tempo para chegar no ponto mais alto e, em seguida, descer?

Ao nos debruçarmos sobre o ato de escalar uma montanha, a motivação do alpinista pode nos parecer tola e controversa devido à periculosidade da ação à qual ele se propõe a executar, mas, sobretudo, na aparente falta de sentido de subir uma montanha para descer.

Sobre essa ação em especial, podemos observar que o ato do alpinista nos intriga de um modo muito peculiar porque buscamos um objetivo concreto, um resultado mensurável para dar significado ao esforço do alpinista. No entanto, veja bem: se o objetivo do alpinista for chegar ao cume, poderíamos inferir que se um helicóptero facilmente o levasse ao topo da montanha, ele iria satisfazer sua inquietação. Certo? Ou se a beleza da paisagem, por exemplo, for sua inclinação objetiva, ao chegar aos pés da montanha e contemplar sua suntuosa e imponente beleza, o alpinista poderia virar as costas e retornar satisfeito? Correto? Nesses dois casos, será que sua inquietação seria saciada? 

A resposta é não. Não porque a jornada é o destino. E o verdadeiro objetivo.

A estrutura completa da jornada do alpinista só faz sentido entendendo que o processo é a parte mais importante. O percurso, forjará o alpinista em compromisso com seu propósito, fazendo com que ele possa se relacionar com a montanha e com sua mais profunda subjetividade.

Ao encarar uma montanha, o alpinista encara a si mesmo em sua versão mais frágil, sensível e humana, criando e resolvendo conflitos mentais que apresentarão à ele outras versões de si mesmo, outros processos e produtos de sua percepção.

O cume só faz sentido para o alpinista que enfrentou sua própria jornada de autoconhecimento e superação, o que eleva seu propósito ao chegar no ápice de sua caminhada, e proporcionar à si mesmo, a contemplação do precioso resultado.

Essa jornada apresenta à este indivíduo dicotomias que fazem com que ele perceba que é frágil e forte, sensível e indiferente, covarde e corajoso ao mesmo tempo. Isso porque a maioria de seus sentimentos e sensações derivam precisamente deste processo. Assim sendo, sua coragem, surge ao enfrentar seus medos, e a sensibilidade é desenvolvida ao se perceber pequeno e insensível. Deste modo, a grandeza de sua jornada, está na percepção e entendimento de sua pequenez e insignificância diante da monumental e imponente presença da montanha.

Por outro lado, assim como o alpinista, o artista precisa enfrentar os desafios da criação para chegar à melhor versão de sua proposição artística. Ao se propor o ato criador, inúmeros processos mentais são inaugurados, e existem apenas no momento da criação. O que faz com que o artista se depare com sensações e percepções diferentes, e, deste modo, é convidado à solucionar problemas inerentes ao processo da Arte. 

Ao adentrar no território das artes através da sua relação com a obra em processo de criação, não há referencial exato para os problemas que estão em ebulição no pensamento do artista. O ineditismo da experiência de criar cada proposta artística, se assemelha à cada jornada de cada alpinista, pois toda montanha é única e proporcionará uma experiência diferente, portanto, outras relações e percepções serão estimuladas. Escalar a mesma montanha em momentos diferentes apresentará problemas e percepções diferentes. Assim como no ato criador do artista.

Portanto, diante de um obra de arte em um museu ou galeria, por exemplo, estamos encarando o resultado de um processo muito mais profundo e intrigante. Podemos pressupor os motivos de suas escolhas, indagarmo-nos acerca da intencionalidade da proposição, ou até mesmo questões sobre o significado do produto artístico que se apresenta à nós. Mas precisamos ter sempre em mente que o processo é o trabalho. E o trabalho é em si, o que há de mais valioso neste processo.

Frederico Lopes é Artista e gostaria de ser Escritor. Trabalha no Memorial da República Presidente Itamar Franco e é fundador da Bodoque Artes e ofícios.

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Devemos aos nossos filhos – os cidadãos mais vulneráveis de qualquer sociedade – uma vida livre de violência e medo. Nelson Madela

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No campo a gente aprende a trabalhar desde muito cedo. Aos 12, quando dava 17, as flores dos maracujazeiros se abriam. Dia após dia éramos chamados à polinizar-las manualmente. Lembro de ouvir de longe meus pais aos gritos, “cria espirito menino”, penso se era como se alguma força divina estivesse por dentro esperando para ser parida.

Nas frutiferas como o maracujazeiro, a polinização manual, ou polinização artificial, é feita pela transferência dos grãos de pólen de uma flor a outra com os dedos. As flores que não são polinizadas murcham e caem.

Os fazeres manuais, a mão do homem, o homo-faber, este, que utiliza de seus artifícios para manter sob controle o seu ambiente. De acordo com a definição de homo-faber, como resultado da utilização de ferramentas os seres humanos são capazes de controlar o seu próprio destino. Circularidade, regularidade e repetição. Seria mesmo o homo-faber capaz de alterar o ciclo da vida? Ou faz ele parte desse mecanismo? Mecanismo este que, pressupõe que determinados acontecimentos ocorram, de tempos em tempos, seguindo uma dinâmica pré-estabelecida.

Duchamp apreciava a importância do acaso. O ready-made nasce daí, nem era mais Duchamp quem controla a realização do objeto, é o acaso que determina como ele vai se constituir: “A ideia do acaso, que muitos pensavam naquela época, também me atingiu. […] O acaso me interessava como um meio de ir contra a realidade lógica […]”. Ir contra a realidade lógica talvez seja aceitar que o homem [o agricultor, o artista] não tem controle de coisa alguma.

Referências:

VENÂNCIO FILHO, Paulo. Marcel Duchamp. Brasiliense, 1986.

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por: Frederico Lopes

Henri Cartier Bresson é considerado por muitos críticos e profissionais do campo das Artes como o pai do fotojornalismo e um dos fotógrafos mais influentes do século XX. Nascido na França em 1908, sua família possuía uma empresa no ramo têxtil e ainda menino recebeu como presente uma câmera Box Brownie, que foi para ele como um divisor de aguas, marcando sua vida de uma vez por todas. A partir dai, Bresson tornou-se um amante fiel à arte da fotografia e logo passou a experimentar outras câmeras, técnicas e possibilidades. 

Nesse sentido, Cartier Bresson enveredou-se rumo ao fotojornalismo e foi um profissional extremamente importante para o mesmo, mas se tornou famoso de fato por retratar eventos corriqueiros do dia-a-dia, principalmente entre 1930 – 1960, pois, o fez com tamanha sensibilidade e competência que é de fato um dos fotógrafos mais influentes do mundo cuja obra, apesar de não ser considerada tecnicamente por muito perfeita, são de uma genuína beleza. 

O fotografo foi muito influenciado pelos trabalhos do húngaro André Kértsz e pela produção de Artes Plásticas da época, chegando inclusive a ingressar em um curso de Artes em um estúdio parisiense. 

Após a segunda grande guerra, Bresson criou a famosa agência fotográfica: Magnum, em parceria com Bill Vandivert, Robert Capa, George Rodger e David Seymour. Nesta época, suas produções se tornam mais requintadas, publicando fotos celebres nas revistas Life, Vogue e Harper’s Bazaar. Foi ainda o fotografo europeu pioneiro na revelação do universo cotidiano da União Soviética em pleno regime comunista, com autorização para tal feito naturalmente em 1954 depois da morte de Stalin. 

Seu trabalho influenciou toda uma geração de fotógrafos que viram em sua obra um olhar singelo que transpira verdade, flagrando as manifestações mais espontâneas dos sentimentos inerentes ao homem, ainda que tais sentimentos estejam submergidos em uma densa camada de cotidiano. 

Henri Cartier Bresson cria em 2000 uma fundação morre em 2004, aos 95 anos, na Provença em seu país natal. 

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