Cada detalhe do corpo do artista parece a soma de uma fragmentação visual, os cortes se recortam e atraem-se a uma única visão. Uma linha de costura desliza diante de mim enquanto mergulho nesses quadros recortados. Tento me salvar da armadilha da deseducação visual, cambaleando numa vertigem que começa quando volto do mergulho. Mergulhei tão profundamente que pensei ser eu ali. Levanto a cabeça, a inclino para cima e vejo um resplendor azul e branco de um encantado. Dou dois passos para a frente, porque conheço o instaurador de portais, fazia tempo que esperava revelo. Eu preciso desses encontros para torná-los repertório de meu corpo.  

A nossa aliança é eterna e imensurável,  

é também interplanetária.  

Deixar-se despido diante do olho da lente que prende e expande. Algo como estar deitado numa caixa cheia de câmeras e lançar-se às imagens infinitas de um corpo viril.  

Corpo de um negro portal.  

A alma está no olho de quem está vendo e de quem está performando. Há um entrelace carnal do amor à invenção. Performar para fugir da morte, mesmo que não se tenha medo dela.  

Há algumas décadas desisti de morrer. Morrer para novas decepções e dores? Talvez faça mais sentido. Morrer nas imagens, perceber sua morte no fim de sua feitura e ressuscitá-la a cada nova olhada que dou nos fins de tarde.  

Imagens sem lembrança 

Memória das visualidades  

Implacável poder de (re)invenção 

Uma velhice fervorosa, sem futuro e com presente 

O passado da atuação negra habita hoje, sinto-me instrumento em tuas mãos. Sou como um vaso oco, sem fundo que se enche a cada vez que ofereço minha alma (meu corpo) a cada olho (vocês receptores).  

Uma honra 

Um prazer 

Bulbul 

O visionário 

Almas inexistentes em olhos sem visões. Ver é sobretudo imaginar. Quando crio imagens, as capto e início uma série de inquietações. Desperto um pesadelo inoportuno: “Será se dou conta?” Não dou, não darei e nem você vai dar. Resta-nos procurar: hoje, hoje, amanhã, não vou procurar sentido para enquadrar, apenas deixo o portal se instaurar.   

No bico do seu peito 

Nos olhos de nossos cus 

Nas três bolas do saco do  

meu amigo Onicio: 

Há alma no olho!  

CAMPOS, Elaine Aparecida Rodrigues. ZÓZIMO BULBUL: ALMA NO OLHO EM CENA, A ARTE CINEMATOGRÁFICA DO NEGRO SOBRE O NEGRO. 2020.  

Disponível em <http://sites.uem.br/neiab/revista-neiab/artigo-1.pdf>  

Augusto Lopes Costa, 1993, Coronel Fabriciano – MG (BRASIL) é artista interlinguagens, pesquisador e professor com exposições nas regiões sudeste e nordeste, participação em festivais de cinema e artes do corpo, assim como residências em artes cênicas e publicações em revistas, congressos e periódicos acadêmicos . Cursou Bacharelado Interdisciplinar em Artes e Design com Licenciatura em Artes Visuais pela UFJF (2014-18), Especialização em Ensino de Artes Visuais pela UFMG (2018-20) e atualmente desenvolve pesquisa no Mestrado em Artes Visuais da UFBA (2021-23). Sua obra possui repertório em objetos, fotoperformance, vídeoperformance, performance ao vivo e em telepresença,  literatura e instalações.  

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Eu não sou crítico de cinema, então não vou fazer o clássico cabeçalho com ficha técnica e sinopse oficial, quero só compartilhar uma mensagem que peguei do filme, por isso vou direto a isso, então, daqui em diante, spoilers.  

Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo, é uma grande alegoria sobre uma mãe conservadora, heteronormativa e falocêntrica que está aprendendo a aceitar que sua filha não é uma espécie de fotocópia dela, mas essa diferença não muda para que elas continuem alinhadas no que realmente importa, essa é uma alegoria que funciona nas duas camadas. A alegoria em si é importante e bonita em um filme que é excepcional, mesmo se ela for ignorada. Poderiam dar dois grandes filmes de uma camada só, mas se juntam para formar um indicado ao Oscar. 

No filme vemos uma família desmoronando por falta de amor. O marido da protagonista propõe divórcio, a protagonista não consegue mais se relacionar com sua filha, que se descobriu lésbica, e também não aceita a sua namorada como um membro da família, se referindo a ela como a grande amiga da Joy. Evelyn, a protagonista, prefere pensar que sua filha fez uma tatuagem e está namorando uma menina por estar sendo controlada por uma entidade maligna do multiverso, não por gostar de mulheres e de tatuagens, mas isso não se mede só pelo fato de ela ser uma senhora homofóbica, mas pela sua visão estreita de mundo e sua incapacidade de entender relacionamentos fora da heteronormatividade, e mais que isso, incapaz de entender um relacionamento sexual que não seja falocêntrico. 

Durante todo o filme vemos objetos fálicos em cena. Às vezes gritantes, como nos prêmios da funcionária da Receita Federal, às vezes discretos, como latas de lixo que em outro filme não iriam querer dizer nada, mas aqui dizem tudo. Até no outro universo, onde Evelyn está bem com Joy, o universo dos dedos de salsicha, o sexo não é feito com os órgãos genitais e sim com os dedos, ou seja, o falo está presente na relação. Evelyn não é simplesmente uma pessoa que quer preservar os seus bons costumes, mas uma pessoa com uma visão estreita de mundo. 

O mesmo acontece quando o marido dela pede o divórcio, o argumento dela é simples. Nós fizemos um juramento sagrado. Não é o amor, é o juramento. A relação familiar desprovida de amor e fechada em uma visão estreita de mundo leva a família ao colapso. Faz o marido pedir o divórcio e, no Universo A, faz com que ela pressione tanto a filha ao ponto dela se destruir e ter sua mente espalhada por todas as Joy’s do multiverso, e isso também é uma alegoria, já que, diferente da visão estreita de Evelyn, Joy é capaz de olhar o mundo por diferentes perspectivas e não é falocêntrica. A virada da mãe acontece quando ela mostra a Rosquinha da Verdade, que através da combinação das mãos de ambas, o objeto pode ser observado por meio de um buraco com formato vaginal.  

Joy passa o filme todo, e o período anterior a ele, procurando no multiverso, uma Evelyn que pudesse passar pelo mesmo processo que ela, para assim não estar mais sozinha. Joy não quer se livrar da mãe, só quer uma mãe que possa acolhê-la por quem ela é e continua tentando, não importa quantas vezes a mãe se mostre resistente, não importa em quantos universos ela precise procurar, e é só quando Evelyn passa pelo mesmo processo, quando ela tem sua mente fragmentada em todas as suas versões pelo multiverso, que ela começa finalmente o processo de enxergar as coisas de outras perspectivas, mas ainda não com uma visão de mundo tão larga como a da filha, o que fica evidente nas capacidades de uso dos poderes do multiverso. 

É assim que Evelyn entende finalmente que aquele problema era só dela e da filha, e não envolvia o seu marido. Evelyn e Joy eram parecidas demais e sua luta é belicosa, mas com o pai/marido é diferente, a ferramenta teria que ser o amor. Logo que entende isso, Evelyn recupera sua admiração pelo marido, e com isso, também seu amor, salvando assim seu casamento, e mesmo sem entender completamente a filha e sua sexualidade, ela decide mudar sua luta, parar as brigas e lutar com a arma do marido: O amor. 

Mesmo sem se desconstruir por completo, mesmo sem um conhecimento secreto da Rosquinha da Verdade, ela entende que ama a filha e isso, no momento, é o suficiente. Quando Joy age agressivamente, Evelyn responde com amor, isso constrange a filha que tenta fugir pelo multiverso, mas sua mãe também está lá, e não importa aonde ela vá, a mãe está lá com amor, o que no fim, era tudo o que a garota queria. Assim, Evelyn também é capaz de restaurar o relacionamento com a filha e aceita a nora. 

O filme tanto fala sobre visão de mundo e capacidade de acolher em amor e não sobre entendimento ou idade, tanto que, ao final, quando a protagonista apresenta a nora para o idoso patriarca da família, ele se impressiona, mas não se choca. Certamente ele tem uma visão de mundo ainda mais estreita que a de Evelyn e ainda menor capacidade de entender aquilo, mas diferente dela no começo do filme, ele já estava pronto para receber o que viria da neta em amor. 

É evidente que precisamos nos desconstruir e ampliar a nossa visão de mundo, mas quando se trata do outro, mais importante do que isso, é acolher em amor, inclusive com um membro da nossa família, mais ainda quando mora na nossa casa. O mundo já é mau o suficiente com quem foge dos padrões vigentes, essa pessoa merece se sentir segura, acolhida e amada dentro da sua própria casa. 

Na minha interpretação, para Daniel Kwan, o diretor do filme, o amor é tudo, e é este tudo que deve estar em todo lugar ao mesmo tempo. 

Lasso Sant’Anna é Presbítero, professor de Teologia, cursa Bacharelado em História na PUCPR, Especialização em Capelania e Aconselhamento em EaD na FAPABAR e é autor de O Cristão e A Criação: Por Uma Teologia Pentecostal em Harmonia com o Meio Ambiente (2020). É aficionado por Cinema e Arte no geral, jogador de RPG, escritor semiamador, fotógrafo ainda pior e apaixonado por bicho 

@Lasso_Santanna 

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Du Moschea é Cabo Frio, RJ e é um artista novo, porém com a experiência de uma vida que admirava, e desejava todos os dias fazer a parte dessa parte do mundo onde tudo é criável. Trabalha sempre brincando aliando o dia a dia com a fantasia através das suas colagens, artes digitais e fotografias.

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No episódio de hoje o Fred traz questões sobre a missão inédita da NASA de colocar o Rover mais moderno já produzido em solo marciano em busca de vestígios de vida no planeta. A Perseverance foi utilizada pra apontar reflexões no campo da cultura, usando como pano de fundo o conhecimento da arte e sua história.

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Porém, permanecemos em isolamento social. Os realizadores de cinema que sofrem com a falta de recursos não conseguem produzir – e ficam em situação precária. Os festivais, espaços universais de reconhecimento da sétima arte, não estão acontecendo. Ou será se estão?

Pensando em fomentar o cinema de forma perene, festivais de cinema se adaptaram ao virtual e continuam levando cinema inédito e de qualidade ao seu público. Esse é o caso do Primeiro Plano, festival de cinema tradicional de Juiz de Fora, que fará sua estreia nas telinhas dos computadores e notebooks mundo afora em sua décima oitava edição: a de 2020.

Essa semana, a Trama conversou com a Marília Lima, produtora do festival de cinema Primeiro Plano, para entender como está sendo o processo de lidar com o cinema e a produção de eventos durante um cenário de pandemia. Rola pra baixo pra conferir a entrevista!

Trama: Me conta um pouquinho da sua história com o cinema, e como você chegou onde você está hoje, na organização de um festival de cinema que abrange produtores de toda a América Latina.

Eu fiz Jornalismo na UF, mas eu sempre estive no campo do cinema, seja estudando, ou praticando. Eu conhece o Primeiro Plano enquanto era estudante. Em 2010, eu entrei no mestrado em comunicação, pesquisando cinema, e comecei a trabalhar no festival com o Nilson, que era meu orientador e coordenava a parte de comunicação do Primeiro Plano. Ao mesmo tempo a gente realizava filmes. Eu trabalhei como assistente de direção, diretora, produtora, diretora de fotografia e técnica de som. Filmes de baixo orçamento, então, a gente mesmo fazia tudo. Em seguida em entrei para o Luzes da Cidade, que é a entidade cultural que realiza o festival e também filmes e mostras de cinema. Depois, em 2012, o Nilson passou a coordenar as oficinas e eu passei a coordenar a parte de comunicação do festival. Em 2013, eu mudei para o Rio e comecei a trabalhar também, além do festival, com as mostras de cinema que o Luzes realizava no CCBB e na Caixa Cultural. Ao mesmo tempo, trabalhando em filmes.

Em 2015, eu passei em um concurso de professora substituta no IAD da UFJF eu voltei para Juiz de Fora para dar aula de cinema. Em 2016 eu dirige o Minas Hotel, meu primeiro filme solo, rs! Fiz com recursos do Edital Filme em Minas, do Estado de Minas Gerais.

T: Para você, são dez anos na organização do festival, que está aí fomentando o cinema – tanto enquanto produção quanto enquanto produto para consumo – desde 2002, de forma presencial. Como está sendo pensar o festival em moldes tão diferentes?

M: Eu confesso que achei que seria mais difícil, a produção do festival [nesses moldes]. Mas como reduzimos bem a programação, está mais simples de organizar. Porém, temos vários desafios, como a divulgação, que tem que ser feita mais intensamente de modo virtual.

Pessoalmente, estou feliz que vamos fazer o festival, pois isso sempre é um desafio – e quando acontece, a gente já fica muito contente; porém, um pouco triste também, porque é a minha semana predileta no ano. A gente encontra muitas pessoas, conversa com muita gente, faz amizades e traça novos planos para o futuro.

T: Inclusive, qual é a diferença que você sente em o festival ter reduzido a programação?

M: Não vai ter os 6 dias de longas, né! Teremos 2 longas só, e não vai ter a sessão infantil também. Vamos apresentar as mostras principais, que são as mostras competitivas, os debates e as oficinas.

Essa programação se adaptou ao formato virtual; achamos que neste momentos as pessoas já estão um pouco cansadas de lives e programações em casa. Então achamos que não precisava de tanta coisa – pois a ideia do festival é criar um espaço na semana pra pensar e respirar cinema

T: E existe um incômodo, por parte da produção, pensando no sentido de reduzir o espaço para a quantidade de produções?

M: Não há um incômodo, não. As condições não estão tão propícias para a realização do festival, mas precisamos fazê-lo; então, vamos fazer o que é possível de ser feito. Acho que estamos todos conscientes de que esse é o melhor formato.

O festival nunca pulou edição, foram edições ininterruptas. Achamos um posicionamento político importante realizar da forma como é possível para não pular uma edição.

T: Justamente pensando nisso, eu queria saber um pouco mais sobre esse posicionamento político, sobre a importância que vocês enquanto produção percebem na realização do festival, ainda que reduzido em programação, ainda que adaptado para os moldes online.

M: A cada ano, a gente percebe como o Primeiro Plano influencia de alguma forma na produção audiovisual em JF. Eu via isso na Facom, e agora no IAD, como há filmes que são pensados para serem exibidos no festival. A mostra Regional pra gente é justamente esse espaço que as pessoas tem pra pensar sobre suas produções e as dos colegas, para se inspirar e fazer um filme. Aquela coragem de ver um trabalho na tela e ver que pode também fazer um filme para exibido ali. É assim que muitos e muitas realizadores/as começaram a fazer cinema.

Além disso, a nossa curadoria tenta fazer uma amostragem de filmes diversos, com temas e estilos diversos, e com realizadores(as) também diversos. É importante, pra gente, trazer as pessoas e mostrar para as pessoas como o cinema é múltiplo, tornando assim o espaço democrático, agregando uma diversidade de gentes.

T:  E existe também a ideia de dar um gás, um ânimo, para os realizadores de cinema, que estão passando por um momento ainda mais complicado que a maioria dos profissionais, certo? Como vocês percebem o impacto da pandemia e do isolamento no fazer cinematográfico do Brasil – agora de forma mais ampla, não pensando apenas no Primeiro Plano?

M: Isso, nossa intenção é também criar a sensação de estabilidade, mesmo que adaptada. O impacto foi grande para diversos setores do audiovisual, desde as produções até os próprios festivais. A pandemia acirrou mais ainda um setor que já estava em crise, principalmente pela falta de recursos públicos, que só piorou nos últimos anos. O cinema não recebe atenção alguma do governo e quando recebe é para desvalorizá-lo.

E o mercado não dá conta de contratar a quantidade de profissionais. Então estamos vivendo uma crise, não tão recente, mas que, agora, tornou-se pior.

Só mais uma coisa, é possível realizar filmes em isolamento, desde que haja recursos para isso, e é isso que não temos.

T: E com o formato online, não só as dinâmicas da programação mudam, como também a recepção do público, certo? Quais mudanças vocês estão esperando para a edição desse ano, no que tange à audiência?

M: A gente espera manter nosso público e aproveitar para agregar novos públicos, de outros lugares. Por exemplo, o público que será convidado pelos/as diretores/as da Mercocidades. A gente espera também aumentar o público e a participação das pessoas nos debates.

T:  Pensando nesse sentido de agregar mais gente, vocês anunciaram nas mídias de vocês que a edição desse ano teve um recorde de inscrições, com 323 filmes na Mostra Mercocidades e 30 na mostra regional. O que esses números representam para o festival – em especial no atual cenário que o cinema nacional vem enfrentando?

M: O número de inscritos indica que a produção de cinema só cresce e também indica nosso alcance no Brasil e na América do Sul. Acredito que, como estamos mais ligados no universo virtual, as pessoas conseguiram (ou arrumaram tempo para) conhecer novos eventos – o que nos ajudou a chegar em novos lugares.

T:  Inclusive, um dos filmes que está na programação do festival desse ano veio de uma iniciativa inédita de vocês, o #PPFeitoemCasa. Como foi estruturar essa iniciativa nova dentro de um festival que está consolidado há quase vinte anos? E como essa experiência serviu para a estruturação do festival que acontece agora no fim do mês?

M: Nossa proposta era dar uma respiro para as pessoas que estavam em casa e mostrar que é possível ser criativo em situações limítrofes. O festival, mesmo, costuma se adaptar às situações em função das incertezas de recursos; somos ótimos em nos adaptar, de tanto que vivemos momentos assim. Além disso, foi uma forma de colocar em teste o formato do online. E foi ótimo, tivemos muitos inscritos e muitas visualizações.

T: Caso o formato online dê bons resultados para o festival, existe um plano de trazê-lo nesse formato também nas próximas edições, paralelamente às sessões presenciais?

M: Não havia pensado isso ainda. Mas acho que é possível sim! Uma ótima ideia que nos deu! Estamos sempre abertos a repensar o formato e incorporar as coisas que deram certo.

T:  Qual pergunta você gostaria que eu tivesse feito e não fiz? E qual a resposta para ela?

M: Acho que abordar o tema do festival representado pela arte desse ano é importante. O conceito e a criação foi do Inhamis, que é nosso parceiro há anos. A proposta é representar esse momento de fluidez, de adaptação, indicado pelo rio ou mar, além de relacionar com a navegação aludindo ao mundo virtual.

O Primeiro Plano acontecerá entre os dias 24 e 28 de novembro, de forma online, através da plataforma InnSaeiTV. O link para as sessões serão disponibilizados no site oficial do Festival.

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Galeria: artistas pra seguir na quarentena

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Amplamente conhecida na cidade por trabalhos como a série de pinturas Sereias da Mata e o documentário Afrodites, Renata Dorea é Artivista Afro-Cabloca. Fluminense, ela fez do IAD – UFJF sua casa pelos últimos cinco dos seus 25 anos de sangue-sonho-e-Améfrica-Landina. Em seu currículo, um documentário de estréia premiado e participante em mais de dez mostras por todo o país; a co-fundação do Coletivo Descolônia; a participação ativa no projeto LabAFRIKAS e no Coletivo Cênico As Ruths; e, agora, a aprovação para estudar TV e Novas Mídias em uma das universidades de cinema mais conceituadas no mundo: a EICTV, em Cuba.

A aprovação, porém, não é suficiente. Por isso, a artista está com o financiamento coletivo “Dorea em Cuba” aberto, e precisa do seu apoio para poder continuar produzindo cinema preto de altíssima qualidade e gerando dignidade através dele.

Essa semana, a Carol Cadinelli, colaboradora da Trama, conversou com a Dorea sobre a sua produção cinematográfica, suas inspirações e suas expectativas para o futuro em Cuba. Rola pra baixo pra conferir!

Trama: Como foi o seu processo de descobrir o cinema enquanto arte? E como você se descobriu no cinema?

Renata: Eu nasci na Baixada Fluminense, cresci em São João de Meriti. Naquela época, assistíamos a muitos filmes e novelas em família, então o encantamento com a imagem e som surgiu bem cedo, principalmente com o potencial de aprender novas formas de vida e outros mundos. Durante o Ensino Médio, eu era apaixonada  por física, filosofia, história e literatura, aliado a um amor que eu tinha por Fotografia, eu fui descobrindo os sentidos do conhecimento interdisciplinar e como os conhecimentos se fundiam, se complementando. A partir disso e de algumas oficinas de Cinema que fiz durante minha adolescência, fui descobrindo uma vontade de contar histórias, e foi no Audiovisual que encontrei um modo mais amplo de comunicar com as pessoas. Meu primeiro filme foi um ponto de partida bem bonito, eu apontei a câmera para minha vida e partindo da transição capilar, me redescobri uma Cineasta Preta, além do potencial dessa ato de auto-eternizar uma memória que antes foi ocultada nos processos da da diáspora africana.

T: Você é mais conhecida aqui na cidade pelo seu trabalho com pintura. Como você percebe que a pintura se liga ao cinema? E como você percebe a influência do que você pinta no que você dirige, e vice versa?

R: Eu acredito que a Arte funciona como uma espécie de poesia disfarçada: no audiovisual, se propaga pela imagem e som; nas pinturas e ilustrações, por meio de tintas. Acho que o processo artístico tem muita beleza em suas construções, então eu percebo a interferência e também uma conexão transmidiática entre os aprendizados com as outras possibilidades de registrar os sentimentos, das questões coletivas ou individuais (que também se refletem). Além disso, quando se estuda sobre a vivência dos Artistas Negros, você pode perceber uma certa dificuldade de acessar alguns materiais ou meios de transformar as ideias em criações, em diferentes períodos da vida; então, a gambiarra é uma estética muito presente na Améfrica Landina (Conceito de Lélia Gonzalez). Por muito anos, eu não tive câmera, nem celular, então o papel e caneta me valeu para ecoar aqueles sentimentos engasgados. Nesse momento, após muito trabalho, consegui novos equipamentos. Desta forma, a Arte Preta é tão bonita, tão multidisciplinar pela capacidade desses artistas se adaptarem aos recursos, Bispo do Rosário costurava pinturas, enquanto Grada Kilomba escrevia diálogos em peças de Teatro, da mesma forma que Carolina de Jesus escrevia nos papéis que encontrava no lixo. Somos potentes em nossa capacidade de tirar o melhor em recursos limitados, mas agora você consegue imaginar essa criatividade munida com meios de execução?

T: Como você percebe que o cinema que você faz impacta na vivência da comunidade negra e indígena que te rodeia? E como você espera que ele impacte?

R: “O Cinema é o que existe entre mais avançado entre os povos da terra, o cinema é uma Arma e nós negros com toda certeza sabemos atirar”; essa frase é do mestre Zózimo Bulbul, importante Cineasta e Fundador do Centro AfroCarioca de Cinema, onde atualmente acontece um dos maiores festivais de Cinema Negro da América Latina. Eu acredito nessa importância de a câmera ser um reflexo daqueles que a operam, então essa arma serve como encantamento. Afinal, quando falamos de filmes, estamos falando sobre sonhos assistidos, que nos geram uma série de emoções e também trazem uma humanidade, porque a jornada dos personagens ou da história faz a gente se sentir um pouco naquela pele. Quando a película (que registrava as primeira fotografias) foi criada, ela não registrava corpos negros; isso significa que foi criada por pessoas que enxergam a importância de registrar apenas uma parte do mundo. Quando ocultamos a maioria nas telas, ocultamos as histórias presentes naquelas vidas, então eu percebo que quando uma pessoa utiliza dos meios audiovisuais para registrar sua cultura, sua vida, sua pele, sua gente, o trabalho final é gerar dignidade e também um orgulho de ser quem é, sem que os colonizadores ou herdeiros da colonização coloquem palavras na boca dos filhos do sol, do povo preto dessa terra, dos povos originários de Aby Ayala, dos povos originários de Kemet.

T: O que você espera alcançar com os seus estudos em Cuba? 

R: A EICTV é uma das melhores escolas de cinema do Mundo! Gabriel Garcia Marquez dava aulas, além disso já teve professores como o Coppola  (diretor da trilogia O Poderoso Chefão), sendo um espaço em que circulam nomes muito importantes no cinema mundial. Quando recebi a noticia que eu fui selecionada, eu chorei uma semana. Eu acredito ser a primeira pessoa do IAD que passou nessa prova. Além disso, eu fui a primeira da minha família a entrar numa universidade federal e agora também sou a primeira a passar numa prova internacional! .  A maioria dos alunos formados pela EICTV tem um grande respeito e também visibilidade. Sendo um processo seletivo tão rigoroso, com professores tão fantásticos, é de se esperar que os profissionais formados sejam tão excelentes quanto a escola. Só de ter passado na prova eu já recebi alguns convites, então eu acredito que essa formação seja uma abertura de caminhos em minha jornada no mundo e no Mercado do Cinema. E sobre escolher por TV e Novas Mídias, vem da minha relação e produção com o Cinema Negro, sendo as temáticas raciais um ponto importante na minha obra fílmica e artística, seguir para as novas mídias, a internet, é uma forma de impulsionar que essas histórias sejam compartilhadas pelo mundo.

T: Como você acha que a vivência em Cuba, enquanto comunidade e sociedade estruturada de forma tão diferente da brasileira, pode fazer a diferença nos seus processos artísticos, tanto de pintura como de cinema?

R: A História de Cuba é muito relacionada com a Descolonização. Eu imagino que, no dia a dia, seja uma cultura bem diferente por questões políticas, apesar de algumas aproximações por conta da cultura Africana ser muito forte no Caribe. Eu quero conhecer esse país por sua taxa de mortalidade infantil, desigualdade social tão baixas, enquanto o nível de alfabetização é altíssimo. Além disso, um dos fundadores da Escola, Julio Garcia Espinosa, tem um manifesto sobre o Cinema Imperfeito, sendo um dos meus textos favoritos e tão relacionado com a produção atual de audiovisuais na internet brasileira; as histórias contadas pelas periferias, pelos jovens negros em celulares, independente da técnica e valorizando a criatividade, me lembra muito também do Cinema de Nollywood, na Nigéria. Além da possibilidade de sair do Brasil pela primeira vez e ter essa residência numa das melhores escolas de cinema do mundo, também pretendo estudar as ligações possíveis da Diáspora, principalmente as fantásticas manifestações religiosas e como os Orixás são celebrados em diferentes contextos na História do povo Preto. 

T: O que você gostaria que eu tivesse perguntado que eu não perguntei? E qual a resposta a essa pergunta que eu não fiz?

R: A pergunta é “Quais Artistas me Inspiram?” O nome dessas Artistas e Artesãs são:
Paula Duarte, Iuná luz, Giane Elisa, Denise Nascimento, Joyce Queiroga, Maria Luiza Evaristo, Sheila Gonçalves e Todas as Ruths!, Andressa Silva, Eliane Bettocchi, Karina Pereira, Karol Vieira (Mc Xuxu), Gogoia Assunção, Barbara Quintino, Iuli Melo, Francini Ramos, Lume Caetano, Naju Silvino, a primorosa documentarista Everlane Moraes, Yasmin Tháyna, Sabrina Fidalgo, Adélia Sampaio, Danddara, Zoel Zito Araújo, Zózimo Bulbul, Viviane Ferreira, Rosa Miranda, Leda Maria Martins, Sarita Gomez, Barbara Maria, Leticia Silva, Cristina Amaral, Glenda Nicácio, Maria Carolina de Jesus, Conceição Evaristo, ao Coletivo Descolonia, ao LAB AFRIKAS, a APAN, ao Grupo de Artes cênicas e políticas as Ruths! e tantas outras Artistas e Intelectuais Negras de Minas Gerais, do Brasil e Améfrica que me formaram como artista e como ser. 

Assista ao documentário “Afrodites”, de Renata Dorea:

Para apoiar o trabalho dessa artista sem precedentes, é só clicar neste link e escolher a sua recompensa.

No domingo tem mais Arredores!

Carol Cadinelli é jornalista, apaixonada por palavras. Escreve, edita, revisa, traduz e, vez ou outra, fotografa. Atua como Social Media na Peregrina Digital, assistente de edição na Trama e escritora nas horas vagas.

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Vinícius Oliveira Rocha

Bacurau e o(s) Nordeste(s): uma construção histórica, política e sociocultural

Vamos deixar as coisas bem claras aqui: não existe o Nordeste.

Pelo menos não o Nordeste como essa entidade homogênea, de um único povo, um único sotaque, uma única cultura, uma única vegetação. Nordeste que foi “azeitado” e construído por cerca de um século e meio. Mesmo enquanto região geográfica institucionalmente estabelecida, o Nordeste é mais recente do que se pressupõe: a sua atual configuração em nove estados data de 1969. Historicamente, há uma determinada flexibilidade na presença de estados como Bahia, Piauí e Maranhão dentre os que constituem a região, sendo ou não considerados estados nordestinos.

Até a I Guerra, não se via o Brasil como uma nação, predominando até então uma visão regionalista que buscava no meio, na natureza e na raça as respostas para as diferenças entre o Norte (que se estendia da Amazônia até Sergipe) e o Sul (que ia da Bahia até o Rio Grande do Sul). Prevalecia um abismo comunicacional e interativo entre as duas regiões, abismo esse transposto apenas ocasionalmente por figuras políticas, intelectuais e jornalistas.

Em 1877, uma devastadora seca atingiu o Norte, e a partir daí o elemento “seca” passa a ser indissociável da região. Os políticos nortistas passam a clamar a atenção do governo para os problemas das suas províncias/estados, ancorando-se justamente no discurso da seca e de que como o Norte era negligenciado pelo poder político baseado no Sul.

A forma como esse discurso vai sendo reforçado, definindo quais estados eram atingidos pela seca e quais não eram, é o que gradativamente vai estabelecendo a separação entre o Nordeste e o que futuramente virá a ser conhecido como o Norte. O primeiro uso da palavra “Nordeste” se dá em 1919, pela Inspetoria Federal de Obras Contra as Secas (IFOCS). Trata-se de um discurso institucional que destaca essa área do restante do Norte do país por ser mais sujeita às estiagens e que, portanto, deveria receber especial atenção do governo federal.

(Embora, como vários amigos e conhecidos meus nordestinos já relataram, ainda há quem ache que Norte e Nordeste são tudo a mesma coisa.)

A imprensa tem um papel importantíssimo na configuração dos discursos e símbolos que permeiam o Nordeste. Jornalistas enviados ao longínquo Norte escrevem textos que ilustram seus estranhamentos e impressões, portando-se como enviados a áreas e povos exóticos. São esses estranhamentos e exotismos que vão ajudando a moldar a identidade “paulista” e “nordestina” – carregadas de contrapontos. Percebam, entretanto, como a identidade paulista é restrita a seu estado e nunca diz respeito à região da qual faz parte; enquanto isso, a identidade nordestina/nortista é genérica, homogênea, metonímica – traduz um todo em apenas uma parte.

As diferenças entre essas identidades estão ancoradas num discurso majoritariamente eugenista. Para quem não sabe, eugenia é um termo criado pelo antropólogo inglês Francis Galton que significava “bem-nascido”. Nas palavras de Galton, a eugenia seria “o estudo dos agentes sob o controle social que podem melhorar ou empobrecer as qualidades raciais das futuras gerações seja física ou mentalmente”. Se você não acha a existência desse conceito minimamente controversa, basta dizer que ele foi parte fundamental da ideologia de supremacia e pureza racial dos nazistas que culminou no Holocausto.

Aqui no Brasil, a eugenia se fez presente no tratamento diferenciado e superior conferido aos imigrantes europeus, os quais se estabeleceram em sua maioria no Sul na iminência do contexto pós-abolição. A presença deles em São Paulo e nos demais estados reforçava a pureza da raça branca que se havia estabelecido na região, livre da miscigenação entre negros, índios e brancos que havia “contaminado” as populações nortistas. Te lembra alguma coisa?

Pois é, nossos personagens sudestinos em Bacurau repetem o que jornais já diziam há no mínimo um século. Cerca de 100 anos atrás, O Estado de São Paulo enviou Paulo Moraes de Barros à Juazeiro do Norte, no Ceará, para escrever uma série de artigos conhecida como “Impressões do Nordeste”. Segundo Barros, era a inferioridade racial dos nordestinos que justificava a violência e o fanatismo religioso que abundava por essas terras – e tanto uma quanto o outro serão parte fundamental do imaginário que até hoje é composto sobre o Nordeste.

Em seguida, o jornal publicou outra série de artigos, intitulada “Impressões de São Paulo”, onde buscava “evidenciar” a superioridade de São Paulo e de sua população, cujos traços europeus se sobressaíam no lugar da herança negra em decorrência da escravidão e tampouco indígena ou mestiça. Essa ascendência europeia e branca era digna de orgulho e supervalorização, sendo a base do progresso e do desenvolvimento paulista em detrimento das demais regiões.

E o que dizer do famoso Euclides da Cunha? Que ao escrever Os Sertões (sobre a guerra de Canudos, na Bahia) cunhou a famosa frase “o sertanejo é, antes de tudo, um forte…”, mas em sequência escreveu outra frase que é pouco conhecida: “… não tem o raquitismo exaustivo dos mestiços neurastêmicos do litoral”. Para o jornalista e escritor paulista, o sertão era um espaço onde a nacionalidade se mantinha intacta, livre das influências da civilização litorânea. Seria onde se mantinham escondidas as verdadeiras raízes brasileiras.

Assim, o Sul vai constituindo sua própria visão, pautada no exotismo e na superioridade racial, sobre o Norte/Nordeste. Isso, obviamente, gera reações dos nortistas e nordestinas, mas ainda é uma reação orientada a partir das elites intelectuais, econômicas e políticas.

O grande centro de produção dos discursos regionalistas pró-Nordeste é Recife, à época já uma das principais e mais populosas cidades do país. Para lá eram enviados os filhos dos líderes dos grupos político-econômicos dos estados vizinhos, com a Faculdade de Direito de Recife e o Seminário de Olinda servindo de locais de encontro dessas figuras intelectuais e de fomento de ideias.

É também em Recife que está sediada uma imprensa que possibilita a divulgação destas expressões regionalistas, visto que um jornal como o Diário de Pernambuco tinha uma área de cobertura que se estendia de Sergipe até Maranhão – e tal área de influência (que configurava até onde podia se veicular esses discursos) também é fator determinante do que se entenderá por Nordeste.

Autores como Gilberto Freyre se tornam referenciais importantes para a instituição de um discurso combativo ao que se dizia nos jornais sulistas: através de livros, artigos publicados em jornais e congressos regionais, ele e seus companheiros incitam a formação de uma região nordestina unificada contra os interesses e opiniões preconceituosas do Sul, nem que isso significasse eliminar os particularismos de cada estado nordestino para fortalecer a “comunhão regional”. Portanto, o discurso homogeneizado ainda presente no Nordeste até hoje também é fruto de estratégias de defesa e não apenas de uma visão xenófoba.

Mas Freyre e seus associados não deixam de ser filhos da aristocracia decadente da cana-de-açúcar, e eles cometem dois erros a meu ver absurdos: o primeiro de falarem de uma suposta “democracia racial”, como se as relações entre brancos, negros e índios no Nordeste e no país sempre tivessem sido pacíficas e cordiais (uma ideia tão mentirosa quanto a de que a miscigenação causava a inferioridade racial dos nordestinos); e o segundo de vincularem o Nordeste como um entorno da Zona da Mata, da “civilização do açúcar” cujo centro era Recife. Nos seus escritos, os sertões ganhavam pouco ou nenhum espaço.

Mas no fim das contas, foram os sertões que prevaleceram como a imagem definitiva do Nordeste. Porém, como eu disse, não foram apenas os sulistas e sudestinos que construíram esta visão; os intelectuais da nossa própria região tiveram grande contribuição. Seja na literatura (José Américo de Almeida, Raquel de Queiroz), na música (Luiz Gonaga), no cinema (Lima Barreto, Nelson Pereira dos Santos, Glauber Rocha), no teatro (Ariano Suassuna, Augusto Boal) ou na política. É o sertão arcaico, retrógrado, tradicionalista; dos fanáticos religiosos, dos cangaceiros, pistoleiros, da miséria, da ignorância, da caatinga, da terra seca, da falta d’água constante, dentre outros referenciais e símbolos.

São esses símbolos que Bacurau des(cons)trói no decorrer das suas pouco mais de 2h de duração. O filme nem precisaria incluir as tramas dos estadunidenses que já seria um estudo fascinante por si só na forma como mostra um sertão totalmente por fora das suas estereotipadas representações.

Embora não seja um filme que se preste a ser um estudo de personagens (e onde alguns viram nisso uma falha, eu não vi, por entender que a proposta da obra seja justamente de trabalhar a coletividade), ele oferece o suficiente dos membros dessa comunidade para entendermos como eles quebram a noção de um sertão retrógrado e potencialmente preconceituoso. As questões de gênero e sexualidade são abraçadas de tal forma que é como se nem fosse mais necessário discuti-las: da personagem travesti Darlene que permanece de vigia na entrada da comunidade alertando a todos sobre quem está chegando (e parece viver uma relação poligâmica pacífica com outros dois homens), passando pela doutora Domingas (Sonia Braga) que vive num relacionamento aberto com outra mulher, e culminando em Lunga, ora referido como homem, ora como mulher, trajando vestimentas que fluem entre os dois gêneros e nem por isso ser menos viril, violento(a).

Além disso, as lideranças da comunidade se dividem entre um pistoleiro (Pacote/Acácio) e um professor (Plínio). Este professor, assim como outros personagens, se vale livremente da tecnologia no seu dia-a-dia, mostrando como Bacurau como uma comunidade tecnológica e progressista, cuja vivência de resistência é o que lhe permite saber quando forças ocultas tentam invisibilizá-los para destruí-los. Afinal de contas, quem se importa com um povo que é massacrado todos os dias se sequer ouvimos falar dele?

Chega a ser curioso como num longa que retrata uma realidade local (para o mundo inteiro ver), Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles se apropriem de linguagens e técnicas cinematográficas de alguns diretores estrangeiros. Talvez o principal homenageado seja John Carpenter, que não apenas é referenciado através da forma como a história ilustra o medo do desconhecido (como em O Enigma do Outro Mundo), mas na trilha sonora – que conta com uma música autoral de Carpenter, intitulada “Night” – ou até na escola da comunidade chamada… “João Carpinteiro”. Há também um quê de Brian DePalma (no plano em que Darlene avisa da chegada dos motoqueiros em Bacurau), e a violência, no silencioso clímax da obra, é mais Sam Peckinpah do que Quentin Tarantino.

Porém, os diretores nunca traem a proposta do filme ao se tornarem meros imitadores e plagiadores. Eles fazem algo que a cultura brasileira sempre soube fazer bem: ressignificam, “antropofagizam” o exterior numa apropriação inteligente que conversa com a nossa realidade. Essa antropofagia de influências externas estava na Semana Moderna de 1922 e na Tropicália sessentista. É utilizada, inclusive, para valorizar a ancestralidade, tema que percorre o filme desde o funeral de Dona Carmelita até seu clímax, quando vemos, num belo foreshadowing do destino dos inimigos da comunidade, as cabeças decapitadas nas fotos do Museu de Bacurau, bem como os cangaceiros que fazem parte dessa ancestralidade.

Pois aqui, os cangaceiros, outrora ícones do atraso e da violência selvagem destes sertões sem lei, são motivo de orgulho e inspiração para o que se deve fazer aos que perturbam a existência dessa coletividade. “Bacurau” não nos dá respostas definitivas ao seu final. Outros estrangeiros poderão vir, outros estadunidenses “comuns” e obcecados pela sua cultura de armas e violência (a um nível até mesmo erótico) como os que servem de antagonistas ao longa. Não há respostas sobre se algum dia o Nordeste estará finalmente livre do estigma do sertão, da seca, da miséria, do cangaço, do atraso e da inferioridade.

Se existe alguma resposta, alguma mensagem, essa está nas palavras de Geraldo Vandré, músico baiano cuja música “Requiém para Matraga” dá o tom do final do filme e a palavra final:

Vim aqui só pra dizer
Ninguém há de me calar
Se alguém tem que morrer
Que seja pra melhorar

Tanta vida pra viver
Tanta vida a se acabar
Com tanto pra se fazer
Com tanto pra se salvar
Você que não me entendeu
Não perde por esperar

            Afinal de contas, somos gente e merecemos sermos tratados como tal.

Vinícius Oliveira Rocha é um paulista de nascimento e baiano de coração que atualmente reside em Aracaju-SE, onde faz graduação em Jornalismo. É aficionado por cinema, música, literatura, TV, cultura pop e mobilidade urbana, e autor do livro de fantasia infanto-juvenil “O Destruidor de Mundos”.

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Então já sabe, coloque os fones de ouvido e boa audição.

Franco Groia é professor universitário, cineasta, roteirista e produtor audiovisual. Formado em Comunicação Social na Universidade Federal de Juiz de Fora (UFJF), possui Especialização em Globalização, Mídia e Cidadania também pela UFJF. Desde 2003, leciona na Universidade Salgado de Oliveira (UNIVERSO) em Juiz de Fora (MG). É criador e Coordenador geral do portal “História do Cinema Brasileiro”, além de ser membro da Academia Brasileira de Cinema.

Frederico Lopes é Artista e gostaria de ser Escritor. Trabalha no Memorial da República Presidente Itamar Franco e é fundador da Bodoque Artes e ofícios.

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Eu não sou cinéfilo. Não possuo qualquer conhecimento que possa contribuir para discutir proposições estéticas de diretores de fotografia e arte, ou estruturas narrativas de roteiristas e diretores. As técnicas e estratégias possíveis para solucionar os problemas do audiovisual sequer passam pelo meu parco vocabulário. Entretanto, creio que alguns filmes são capazes de nos fazer mergulhar profundamente no vasto oceano da condição humana, ainda que não tenhamos o conhecimento abrangente sobre sua apresentação.

Não tenho aqui a intenção de fazer uma crítica, resenha ou sinopse do filme, mas sim propor algumas reflexões que considero relevantes a partir do longa.

Entre livros e autores que me são familiares, e uma rotina onde há prevalência da disciplina e dedicação, Viggo Mortensen dá vida ao Capitão Fantástico. Na realidade, preciso dizer que é mais do que isso. Ele desbrava e revela, gentilmente, outras possibilidades de se exercer a vida.

Diante do empilhamento de convenções que a sociedade estabeleceu ao longo das eras, o condicionamento à rotinas estruturadas em função de um sistema político e econômico que zela pela desigualdade, nos coloca em uma posição onde só podemos enxergar caminhos pré-estabelecidos para experimentar a vida. Esse estreitamento da dimensão existencial do ser humano, foi tratado por diversos autores na literatura, na filosofia, sociologia e história, evidenciando a fantasmagórica presença de uma entidade opressora organizada e poderosa, que administra a tendência ao acumulo de riquezas em poucas mãos e estabelece critérios para hierarquizar vidas – a tal necropolítica.

Sabemos que a capacidade humana de consumir e mitigar recursos para manter padrões desiguais de dignidade sempre foi observável. No entanto, a semente da resistência à opressão reside na essência mais humana do ser: ter conhecimento sobre a própria existência.

Por esse motivo, por mais dura e indigna que sejam as condições que a vida possa apresentar em sua estrutura social, política e econômica, alguns conceitos são extremamente sensíveis à cada homem e mulher sobre a Terra. E eu me arrisco dizer que a liberdade talvez seja o maior de todos.

Assim como em Walden, ou A Vida nos Bosques de Henry David Thoreau, Capitão Fantástico oferece uma maneira mais crua de se debruçar sobre as noções de liberdade e conhecimento, tendo como base noções de humanidade estabelecidas na Declaração Universal de Direitos Humanos, de 1948, e várias obras literárias como Os irmãos Karamazov (Fiódor Dostoiévsky), Quem Governa o Mundo (Noam Chomsky), Armas, Germes e Aço: os destinos das sociedades humanas (Jared Diamond), entre outros.

Curiosamente, tratando-se da educação dos filhos, uma rotina rigorosa, disciplinada e alicerçada na autoridade dos pais, é o caminho escolhido por Ben (Viggo Mortensen) e sua esposa Leslie (Trin Miller) para criar condições de emancipação intelectual e desenvolvimento humano de todos. Nesse sentido, o filme destaca que não há liberdade que possa ser alcançada sem o rigor da disciplina ou a amplidão do conhecimento.

Por outro lado, o filme contrasta em muitos momentos a vida levada por Ben e seus filhos na natureza com a vida como vivemos nas cidades, colocando em evidência a precariedade do modo como a vida moderna se organiza política e socialmente, mas também as limitações impostas aos filhos pelo modo como vivem.

Desse modo, após assistir o filme, fica a sensação de que é preciso romper a barreira da ignorância que nos cerca a cada embalagem plástica que descartamos. Que o método industrial e as noções de produtividade do mercado tomaram conta também de nossas relações, onde tudo é esvaziado de sentido em prol de uma superficialidade intelectual suficiente apenas para executarmos funções básicas no meio social no qual estamos inseridos.

Somos, assim, convidados a recorrer à tomada de consciência a partir do entendimento das noções de liberdade, humanidade e conhecimento, (em alguns casos, até mesmo de desobediência civil), e compartilhar a mais elevada e importante experiência que a vida pode proporcionar: a simplicidade de dividir à mesa, a existência humana – tempo de vida que escolhemos passar presos às relações que nos trazem o verdadeiro significado do que é liberdade.

Frederico Lopes é Artista e Escritor. Trabalha no Memorial da República Presidente Itamar Franco e é fundador da Bodoque Artes e ofícios.

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“Será que vamos conseguir vencer?”

No futuro, talvez a nossa esperança seja a de termos toda a população padronizada assim como nossos objetos ordinários. Explico. Desse modo, teríamos então a chance de criar uma sociedade cheia de “Marcels Duchamps”. Assim, todo o lixo e excesso de nosso tempo poderia ser alocado como arte, e nosso esforço diário não seria desperdiçado em um produto bom mas que acabou entulhado de maneira ordenada para um consumo futuro que nunca acontecerá.

Pare pra pensar em quantos carros, motos e outros bens perdemos por estarem parados e, ainda, sofrendo o efeito das condições climáticas. Oxidam e já não funcionam perfeitamente para serem vendidos como “ponta de estoque nem mesmo mostruário”.

Duchamp desenvolveu um conceito chamado ​readymade ​que se baseia em mostrar, entre outras coisas, que o que produzimos para uso cotidiano, também pode ser arte.

Uma pena que mesmo em toda a padronização da nossa sociedade, não seremos capazes de replicar um único indivíduo em todos os “corpos perambulantes” nesse nosso pequeno planeta azul.

Qual será a esperança para o nosso futuro? Teremos que viver dentro de um cenário estilo Mad Max, Máquinas Mortais? Ou seremos capazes de “consertar” nosso mundo como em Wall-e?!

Poderíamos enviar nosso “entulho civilizatório” para o espaço em uma rota sem perigo?

Me parece que toda alternativa que tentarmos sempre colidirá com a capacidade destrutiva que está entranhada em nós.

Kariston França é apaixonado por pizza, e nas horas vagas atua como entusiasta da teologia pública.

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