É andando sem necessariamente caminhar que a música nos guia, com certeza por isso, que o dia 1º de outubro foi instituído como o Dia Internacional da Música, em 1975, pelo International Music Council, organização não governamental fundada com o apoio da UNESCO em 1948.

Pela face turva que, primeiramente revelada aos seus compositores, a música instiga a desembaçar e escrever. Canções demonstram a necessidade, revelando de forma poética a epifania. 

Hoje a Revista Trama Bodoque reforça o seu compromisso público com a cultura, trazendo aos nossos leitores, Beto Martins, artista da região de Juiz de Fora, para que exponha a sua arte, sendo elas mais do que obra, mas o líquido que melodiando desliza, colocando em funcionamento as engrenagens da vida.

Beto Martins é músico, ilustrador e artista gráfico, fundador do Viana Black Estúdioe host no artecast Bodoque. Instagram – Portfólio.

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Beto Martins | Café Libertas | Atena Bookstore

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Na última semana, o rapper juiz-forano Jovem Saga, lançou o terceiro e último EP do projeto batizado de ‘FashionBoy’ – no qual explora, em seus versos, a vivência das marcas, da opulência, do amor, e da própria identidade.

Essa semana, a Trama conversou com o Jovem Saga sobre o seu mais novo EP – Bounce (Balance-Yago) -, a cultura do luxo e a política no Rap. Rola pra baixo pra conferir a entrevista!

Trama: Me conta um pouco da sua história, Saga. De onde você vem? E como você começou no Rap?

Jovem Saga: Bom, sou daqui mesmo de Juiz de Fora. Nascido e criado na Zona Leste, Nossa Senhora Aparecida.

Já tinha contato com rap desde muito novo, já gostava, já consumia muito por conta daqueles dvds que todo moleque que faz parte de algum elemento do hip-hop já teve, aqueles que tinham 100 Clipes de rap (risos). Daí, comecei a “dublar” essas músicas dos dvds e tudo mais, mas o que me despertou mesmo pro rap, foi um contato na biblioteca da escola no ensino fundamental, um material sobre o Emicida. Isso foi em 2009/10 mais ou menos, foi quando comecei a esboçar as primeiras letras… nessa época, não tinha nenhum rolê de Rap aqui na cidade.

Em 2012, comecei a dançar break e conhecer uma cena do hip-hop na cidade; daí, conheci o Encontro de Mc’s no meio de 2013 e comecei nas batalhas de Mcs no meio pro final de 2013 e tamo até hoje nessa.

T: Você comentou que começou a compor lá em 2010. Mas nas plataformas, estão disponíveis apenas os EPs do seu projeto de 2020, ‘FashionBoy’, e algumas parcerias desse ano. As músicas que você lançou esse ano são as primeiras que você gravou?

JS: Na verdade, eu lancei a minha primeira musica em 2014, com meu primeiro grupo de Rap, Very Flow – que saiu do Educarte (um projeto de HipHop nas escolas que eu fiz parte como aluno/espectador e, depois, como parte da organização). Depois, fiz parte da Banda Seu Jeffrey em 2017, e fiz um trabalho por lá também, com clipe e tudo mais; mas criei coragem de fazer o meu trabalho solo depois de 7 anos envolvido com o Rap.

T: E a vontade e a coragem de fazer solo, nasceu de onde?

JS: Com toda certeza do mundo, dos meus amigos. E do nascimento da minha irmãzinha, em 2015.Mas ver meus amigos trabalhando muito, durante muito tempo, sem recurso nenhum, e entregando coisas muito boas, me fez dar o passo pra “iniciar” outra vez minha carreira.

Brackes e Slim (os dois que trabalham comigo hoje ) foram duas das principais peças pra me fazer funcionar. Os cara acreditaram mais em mim do que eu mesmo (risos). Brackes me levou pra trabalhar com ele como dupla de palco e dj e slim sempre me chamava pra gravar algo.

T:  As suas letras – e o projeto FashionBoy como um todo – trabalham com imagens de luxo, de ter e gastar grana, usar roupas de marca; e sempre misturando isso a temáticas de relações amorosas bastante intensas e complexas. Você identifica essas temáticas como traço do Rap enquanto estilo, herdadas das origens americanas, ou percebe alguma outra razão de ser?

JS: Rap e estilo andam juntos desde sempre. E na hora de criar o projeto, pensei muito nisso. Mas existem outras razões de trazer todo o trabalho dessa forma.

Por consumir muito funk, sempre vi e sonhei com todas essas marcas de luxo. Acho que pra quem vem de onde eu vim, das comunidades, dos bairros “perigosos”, você ter um tênis foda, uma roupa foda, um cordão daora, isso não tem a ver com ostentar, tem a ver com conquista – e eu quis passar isso nos trabalhos.

Fazer chegar nos bairros também, nos moleque que normalmente não tem contato com uma ideia de amor e relacionamentos, que são moldados pra viver essa liquidez das relações de hoje em dia, e pras mina que consomem meu trampo também, se sentirem importantes e enfatizarem essa importância dentro de um relacionamento.

T: E pensando nessa sua resposta: muita gente separa o rap ‘político’, que fala diretamente sobre questões sociais, do rap ‘ostentação’ – que você acabou de dizer que não é sobre isso, mas que aborda mais essas temáticas de estilo de vida e luxo. Porém, algumas pessoas argumentam contra essa separação. Como você percebe essa questão?

JS: Bom, a gente sempre quer passar algo pra quem escuta nossos trabalhos. Eu penso que seja importante existir todas essas variedades dentro do rap; num é só de revolta que a gente vive. A música tem muito esse poder de fazer a gente sentir, enxergar outro ponto de vista, entender sobre questões sociais.

O rap é muito versátil. Te faz dançar, te faz pensar, te faz sentir… Então acredito que tá tudo no mesmo barco. Num tem porquê separar, são só estilos diferentes dentro do rap.

T:  Você percebe essa expressão do estilo, da conquista através dele, como uma ferramenta de afirmação e demarcação de grupos e vivências? Digo no sentido de que a galera da periferia costuma ser muito apagada ou estereotipada nas mídias padrão. E aí, se essa seria uma forma de criar afirmação de identidades.

JS: Sim! A gente não é só o traficante neguinho do filme, a gente não é a escrava da novela, a gente não é só jogador de futebol com história de superação… É minha visão sobre o início de mudanças importantes pra nós, e é uma afirmação que faz bem pro ego, sabe? A parte boa do ego.

T: Agora um pouco mais sobre a forma do trabalho: por que a opção por lançar o projeto ‘FashionBoy’ em três EPs, e não em um álbum?

JS: A ideia principal era movimentar meus veículos de mídia, movimentar o público; mas eu também tinha muito medo de fazer um álbum e ele saturar muito rápido. Os EPs, por serem mais curtos, me deram uma tranquilidade, pra não deixar um trabalho muito longo e cansativo.

T:  E você sentiu que essa técnica funcionou?

JS: Demais! Me surpreendeu muito. Aconteceu muita coisa depois dos lançamentos, sério; eu recebi muita mensagem sobre as músicas, muita gente nova nas redes sociais que vieram por conta das músicas… Realmente, foi muito mais do que eu esperava. E funcionou tanto que o projeto, que iria se encerrar no Bounce, que é o último EP, se estendeu pra uma Mixtape que já está em processo de produção.

T:  Nesse contexto, você entrou com a campanha para 1600 visualizações no youtube antes de colocar o Bounce no Spotify e outras plataformas. Conta pra gente um pouco mais sobre essa proposta.

JS: Na verdade, essa meta era pro Instagram (risos). E foi só pra testar a galera, ver se estavam pilhadas mesmo – e tá acontecendo. Porque, infelizmente, a gente não tá podendo fazer show, e isso atrapalha muito a mobilização da galera, sabe? Tentei usar uma estratégia simples pra ver se a galera estava chapando nos trampos.

T: Além do Mixtape, quais são os planos para o ano que vem?

JS: A Mixtape, possivelmente, vem pra fechar o ano de 2020, pra deixar aquele gosto de muito trabalho e superação.

Pra ano que vem, pretendo trabalhar em projetos audiovisuais dessas músicas e, se tudo der certo e se a gente puder sair pra rua (saudadeeeeees), estudar um show de lançamento bem diferente – para, de fato, firmar esse momento especial na minha vida e na minha carreira.

T:  Qual pergunta você gostaria que eu tivesse feito e não fiz? E qual a resposta para ela?

JS: A pergunta é: Qual a minha visão sobre artistas, contratantes e publico na cidade. E a resposta é a seguinte: Eu, particularmente, acho que Juiz de Fora não merece os artistas que tem. A grande maioria dos contratantes são mal educados, o que acaba por deixar o publico mal educado também. Acredito que os artistas daqui, são constantemente desvalorizados, sabe? Principalmente se tratando de Rap. Até outro dia mesmo, a gente tava pagando pra cantar; já voltei de show a pé; já toquei por um pratão de batata e água a vontade. Primeira vez que recebi pra cantar, foi quando eu tava com Banda. Desde que comecei a trabalhar com o Brackes, nunca fiquei sem receber; mas ainda assim, é muito desvalorizado.

Ouça o EP mais recente do Jovem Saga, Bounce, no Youtube:

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Atualmente, um dos exemplares mais conhecidos no meio é o Set. Estudante de Jornalismo, o rapaz de apenas 22 anos já conta com um álbum, quatro singles lançados e um clipe novinho em folha pra comprovar que dá pra fazer música independente em Juiz de Fora.

Essa semana, a Trama conversou com o Set sobre a cena do Rap em Juiz de Fora e sobre seus projetos musicais. Rola pra baixo pra conferir a entrevista!

Trama: Como você começou na música? O que te estimulou a compor e a cantar?

Set: Eu sempre tive muito contato com música, cresci com a minha mãe escutando muita música, especialmente músicas brasileiras de amor. Mais tarde, eu tive contato com música gringa, nos DVDs de Hip Hop, quando começaram a chegar aqui – até com a Beyoncé -, comecei a curtir, mas ainda gostava muito dos sons mais românticos, e não conhecia o rap com outra pegada. Já quando eu fui fazer o meu primeiro som, já escutava muito Emicida, Racionais, já tinha mais consciência sobre a realidade que eu estava inserido, e isso fez toda a diferença na hora que eu escolhi ser artista. Antes mesmo de escrever meu primeiro som, eu já sabia que eu ia ser artista, que era isso que eu queria – e eu já escrevia poesia, sem ser muito ritmado, assim, e não escrevia sobre muita coisa conceitual, era mais objetivo.

Depois, entrei na faculdade de jornalismo, em 2016, acabou que eu caí na sala do Everton Beatmaker, que já era um cara ímpar na cidade de produção do rap e outros gêneros, já tinha um nome, já trampava com os melhores, e eu falei muito com ele sobre querer fazer música. E aí ele foi me ajudando, me apresentando pro RT Mallone, pro Brackes, por exemplo, e eu quis fazer parte daquilo. Daí eu peguei meu primeiro beat com ele, e consegui escrever uma música, que só transbordou de mim, que era um momento que eu estava passando. A partir daí, eu escrevi algumas músicas românticas, que falam de amor, mas não necessariamente de um jeito bom, uma coisa mais crua, de sentimento humano, que às vezes não é só bonito – e elas vieram a ser do meu primeiro álbum, o Invernia, que veio logo depois do ‘Me Diz’, meu primeiro single.

T: Com 22 anos, você já tem um álbum lançado, mais quatro singles, e todo o seu trabalho é permeado por parcerias com uma galera que já é bem forte na cena do Rap de JF – como o RT Mallone, por exemplo, e o Beatmaker. Como você percebe a sua própria evolução de carreira dentro da cena da cidade, nesse processo de criar laços e parcerias, e vir desde lá o seu primeiro single em 2017, pra chegar agora em 2020 com o clipe de ‘Ela Sabe’, que é uma parceria tão forte?

S: Eu tenho até dificuldade de separar o lado de carreira dos laços, assim – a minha arte é tão pessoal que eu só faço música com quem é de fé, com quem é meu amigo, que entende que existe isso dentro de mim que é “ou eu faço arte ou não faço nada”, e que a gente se sente pleno fazendo isso. As primeiras vezes que eu vi o RT no palco, foi igual ver o Kendrick Lamar, assim; e aí fui conhecendo essa galera, o Brackes, o Sagate, e conversando com eles, me entendendo com eles, e foram eles que me disseram que era possível fazer música aqui, fazer algo diferente e novo. E eles me dão muitos conselhos até hoje.

E sobre carreira, lançamentos, e tal, eu acho até que poderia ter evoluído até melhor, porque eu tenho muita música pronta, tenho muito material, mas tenho que ter paciência na divulgação, e planejar melhor mesmo. Mas acho que a carreira tem fluido bem, melhor agora que eu tô estruturado e com um norte mais bem delimitado. E ano que vem, acho que se tudo voltar ao normal, eu volto com tudo também; tenho muita coisa minha pra revisitar, a própria ‘Ela Sabe’, que o clipe foi gravado há um ano, e o som tem dois anos já, e eu tinha muita dificuldade técnica e orçamentária pra fazer – então a gente mesmo gravou o clipe com celular, e foi difícil para editar, passou no Sirius, depois no João Paulo Brum, e ele que deu toda essa estética final urbana, mas crua, que tem a ver com o Trap Underground, e tal. Mas a gente só conseguiu soltar o clipe um ano depois de gravado.

T: A maioria da galera do rap aqui de JF tem raízes muito demarcadas na periferia da cidade, e falam muito dos seus próprios bairros. No seu caso, você não costuma abordar muito as suas origens nesse sentido. Como foi, e é, pra você, a questão de entrar em um meio musical que em geral traz esse traço de territorialização como força, sem trabalhar essas questões?

S: Essa pergunta me faz refletir muito sobre a minha maturidade musical, mesmo. Eu moro no Vitorino, sempre morei aqui, nascido e criado, e o RT, por exemplo, sempre morou no São Benedito, perto de mim, sempre tive amigos no Linhares e tal, e aquilo das músicas [terem essa demarcação] sempre esteve muito presente pra mim, mas eu não conseguia trazer isso para as letras. Para mim, falar de amor era fácil, só saia de mim, e por muito tempo eu sentia que eu só conseguia falar de amor – e eu cheguei até a conversar disso com os meus produtores, o Everton também, e concluí que era uma questão de maturidade artística, assim.

E aí, acabou que eu comecei a escrever uns sons mais nessa pegada, assim, que lancei um em primeiro de janeiro de 2018, que é o “Pra Começar Bem”, que fala da eleição presidencial, e no primeiro de janeiro do ano passado lancei “O Homem no Meu Funeral”, que fala do meu bairro. Mas para mim foi uma questão de conseguir entender melhor e canalizar em forma de música, e ver como eles [os outros amigos rappers] faziam, e aí quando o amor deixou de ser uma questão tão urgente pra mim, eu comecei a conseguir escrever sobre a periferia, as situações que os moleque aqui passam.

T:  Você comentou sobre as dificuldades de orçamento pra fazer as coisas: gravar música, gravar clipe, divulgar o trabalho; e tenho certeza que a maior parte da galera do Rap vai concordar contigo nesse ponto. Qual você percebe que é a origem desse problema na cena do rap de JF?

S: É difícil rastrear essa origem. Vira e mexe, a gente debate esses problemas da cena musical daqui que precisa mudar. Mas eu acredito que isso tenha a ver com pouco investimento no setor cultural daqui – hoje em dia eu vejo a FUNALFA se mobilizando bem mais, coisa que eu não via muito dois anos atrás, e isso é importante demais pro Rap.

E eu não sei se é a raiz do problema, mas o investimento público em cultura é importante demais. No momento atual do nosso país, parece até piada a gente falar disso né, mas é isso. Pô, eu quero fazer show em teatro, sabe? E não tem um edital aberto pra isso. E além disso, tem também a questão privada, do comportamento das casas de show na hora de chamar os artistas, que prioriza os artistas externos e gasta uma grana pra fazer show dessa galera, que vem do Rio, de SP, de BH, enquanto a gente daqui fica como secundário. E eu queria ver esse mesmo nível de investimento com a galera daqui, porque a galera daqui tem o mesmo talento da galera de fora.

T: Esse investimento mais massivo em artistas de fora te faz pensar em ir pra outras cidades? Como você percebe a questão de produzir arte em JF?

S: Eu tenho pensado muito sobre o cuidado dessas coisas que vêm prontas pra gente. Às vezes, pra um artista aqui de JF, de uma zona periférica, ir pra São Paulo parece a grande meta; e eu já pensei isso, também. Mas hoje em dia, eu não tenho essa ânsia. Eu tô me localizando mais. Primeiramente, a minha música é pra tocar pessoas, e pra fazer companhia, e eu acho que isso tem que começar a acontecer aqui na minha rua, no meu bairro, na minha cidade, pra conquistar o mundo. Esse é o jeito que eu trato música, com carinho, de levar as coisas pra cada lugar.

A ideia de ir pra fora, pra algum grande centro, me atrai no sentido de que show gira mais lá, o capital é melhor, o senso de oportunidade é maior, né? Porque JF ainda não é metrópole. Mas eu acredito que quando a minha música não couber mais aqui, ela vai chegar em São Paulo. Por enquanto, eu ainda tenho muita coisa pra fazer aqui. Quero ir, claro, conhecer, fazer parceria, mas trazer coisa pra cá, trazer ideias, projetos pra cá, e eu não quero me distanciar das minhas raízes também.

A questão de produzir arte independente aqui é difícil, primeiramente porque a gente já é muito injetado pelas culturas de fora, mas também por conta da propagação de formação; a cena musical daqui é muito nova ainda, e os cara tão fazendo acontecer agora, o ápice tá sendo agora, com as galera fazendo som de alto nível.

T:  Quais foram as suas inspirações mais diretas para o clipe de ‘Ela Sabe’?

S: De inspiração visual, eu arrisco dizer que tem muita influência do Atlanta, alguns enquadramentos me lembram muito o Hiro Murai e como ele filma o cotidiano, e a gente fez esse clipe num rolê que a gente dava de verdade – não foi set de gravação ou locais pensados -, e a gente só resolveu filmar um dia desses. E aí, na questão da estética, o JP Brum soube dar essa sujada na imagem, pra passar essa ideia mais urbana. Mas o clipe foi gravado num perrengue, com dois celulares, e as imagens tiveram que passar por um tratamento mais pesado.

No fim das contas, o clipe saiu muito bonito, com uma estética urbana, noite street, assim, e foi uma surpresa linda.

T: A escolha pelo Bahamas 24h para o clipe foi muito bem pensada no sentido de que é um local de rolê mesmo da galera, e que vocês conseguiram trazer pra dentro do clipe como um elemento tanto de pertencimento à cidade quanto transformá-lo em algo cosmopolita através da estética e do som que imprimiram nesse cenário. Tendo isso em vista, como você pensa que as produções locais podem popularizar e aumentar o alcance da produção de Juiz de Fora a longo prazo?

S: Eu penso que a gente precisa criar uma estética nossa, local, e importar o mínimo possível num sentido um tanto modernista mesmo, de pegar um tanto, saber aproveitar o que dá e jogar o resto fora. Porque a gente mora aqui, a gente não mora na gringa, a gente não mora na metrópole. Então por mais que o Rap chegue aqui já como um gênero importado, porque veio dos EUA, eu acredito que a gente tem que saber criar a nossa própria estética – e eu ando indo atrás disso, não de trazer pronto, mas de descobrir mesmo, e vejo muita gente daqui fazendo o mesmo, e retratar a nossa cidade (em vez de um cenário, ou um carro que a gente não tem, ou uma casa que a gente não mora) é uma forma de deixar a cidade expandir a nossa arte. É uma coisa que faz o público daqui se sentir representado, e não uma coisa poética de querer representar uma vida que aqui não tem. É nisso que a produção de JF precisa mirar pra gente ser grande, assim. E é isso o que eu quero fazer.

T:  Desde a época da Pantera Cor de Rosa, da MC Xuxu, filmado no Parque Halfeld, que fica claro para mim esse impacto de pensar os lugares do nosso cotidiano enquanto lugar de arte, até pra que as pessoas entendam que é possível fazer arte na cidade. Nessa perspectiva, o que você diria pra alguém que está começando agora na arte e se sente orfão de apoio e de espaço para produzir aqui na cidade?

S: Eu diria “bem vindo à luta” (risos). Porque é isso, a gente também se sente orfão de apoio e espaço, e se alguém começa agora, e passa a frequentar os espaços, vai ver que tá todo mundo procurando apoio, patrocínio, e descolar uma gravação em estúdio. E é difícil, nem todo mundo consegue. Mas pra não desmotivar, assim, também, eu acho que a música encontra muito as pessoas, e a gente vai formando laços. E isso é uma das melhores coisas, independente do sucesso econômico. Com certeza a música vai te unir com pessoas que você nunca imaginou, que vão te ensinar coisas incríveis, e vai te colocar num espaço de pertencer, porque a galera aqui sabe muito o que quer para a cena daqui, como um negócio autênticos e que também alimente a gente. É colar com as pessoas certas, que fazem a arte por motivos bons, pra entrar nesse ambiente.

T:  Você comentou, lá no início, que tem muito essa coisa de escrever sobre amor, que é um tema fácil pra você – e realmente, ele tá em boa parte das suas músicas. Mas outro tema bem recorrente nas suas letras é a questão da ostentação, em que você fala de marcas, de estilo, de consumo – e que é um tema recorrente no rap. Queria que você comentasse um pouquinho sobre essa questão e como essa temática se encaixa na cultura do rap mesmo enquanto ponto de fortalecimento, identificação, etc.

S: Essas letras, pra mim, são como um vislumbre de futuro, um futuro em que eu posso comprar as coisas, essas marcas que são de qualidade e tal. Essas músicas pensam em um modelo de sucesso, e eu vejo que, pra mim, isso me injeta e me molda de algumas formas. Mas eu querer ter um cordão de ouro, e uma roupa da hora, e um Air Jordan, por exemplo, vem muito da formação identitária do rap, que vem dos Estados Unidos; e eu falo como participante dessa cultura, também. Mas revisitando essas músicas, eu vejo elas de uma forma um pouco diferente – porque não tem problema você falar de marca, de luxo, e tal, mas isso não pode ser vendido como a felicidade plena, entende? Eu tomo cuidado e tenho mais essa consciência agora de tentar não vender muito esse ideal de felicidade baseado nesse lifestyle.

Em ‘Ela Sabe’, é uma letra mais descontraída, mais de festa, e é essa a vibe que me bate pra escrever letras que tenham essa abordagem. Então eu não levo muito como uma coisa poética ou educativa, nem com uma ideia de literacia.

T: Você comentou agora sobre essa questão da escrita poética, ou com literacia, e isso me remeteu muito à sua experiência no jornalismo e com a escrita de forma geral. Como é, pra você, trabalhar esses dois mundos – a escrita poética/literática e o rap -, que tantas vezes são vistos como opostos?

S: Esses mundos, pra mim, eles se separam como eu separo o que é mecânico e o que é emocional. Trabalhar a escrita de uma matéria jornalística, pra mim, é algo mais mecânico, que eu preencho uma fórmula de texto; e eu sempre escrevi nesse sentido, de escrever crítica de cinema, que foi o meu primeiro rolê de pensar a arte. E literatura me inspira muito, vira e mexe eu trabalho diretamente uma palavra; mas escrever poesia, pra mim, é bem mais emocional. Porque quando eu tô precisando escrever algo mais íntimo, vem em forma de poesia, em forma de música, os versos melodizados.

T: Na própria FACOM, foi onde você conheceu o Beatmaker, e de lá saíram outros nomes da música de JF também, e até do nicho específico do rap – como o J.Vito, com quem você tem uma parceria, e a Marcella, que não é exatamente do rap mas com quem você também já fez parceria. Como você entende essa relação entre o espaço da FACOM e a música de Juiz de Fora, tendo essa perspectiva de alguém que observa isso de dentro?

S: Realmente a FACOM é um ambiente que atrai uma galera da música, né? Até outros tipos de música, mesmo, galera do Rock também. Mas no rap, por exemplo, o J. Vito foi meu veterano, que me guiou no início, me deu dicas de escrita, de mostrar letras pra ele em intervalo de aula. E vendo de dentro, eu sinto que a FACOM traz muita liberdade pra gente falar de coisas próprias em determinada parte do curso, e nessa época, pra mim, foi quando eu pude usar pra aflorar o meu sentido artístico. Eu entrei na faculdade pensando “sobre o que eu vou escrever”, e a minha decisão já era escrever sobre a arte – mas calhou que eu passei a escrever a arte em si, mas acho que tem a ver com essa relação com a escrita e de ter uma certa sensibilidade nisso.

T: Você já comentou que tem muita coisa pronta, guardada, pra sair. O que vem por aí primeiro?

S: Então, eu resolvi revisitar algumas coisas na minha arte, assim, como ‘O Homem no Meu Funeral’, por exemplo. E vai ter clipe dela, vou gravar esse ano ainda. E, assim, eu vou lançar um curta documental de uns dias que eu passei na Bahia – e eu tenho um EP que chama ‘Coisas da Vida’, que eu escrevi ele em Salvador, que tem essa pegada bem brasileira mesmo, e que coincidiu de eu ter a oportunidade de ir em um outro lugar da Bahia e gravar umas imagens, e aí vai sair o curta.

E falando de música, primeiro de janeiro eu tô aí de novo, vou vir com uma reflexão sobre esse ano de pandemia, pensando do por quê disso tudo estar acontecendo, vindo de uma lógica minha de fé – e vai chamar ‘Pandemônio’. E pra deixar um gostinho, eu tenho o meu segundo album de estúdio, que vai vir um álbum colaborativo com o Brackes Mallone, BRK, que chama “Complexo Guache”, que trata de uma perspectiva de melhora diante da depressão, e trabalhando com a ideia das cores, tá bem bonito – e as coisas estão bem encaminhadas já, por isso que tô falando delas.

E fora isso, tem outras coisas que já tem o instrumental gravado, e já tem um conceito e a letra pensada, mas que faltam algumas etapas ainda.

T:  Qual pergunta você gostaria que eu tivesse feito e não fiz? E qual a resposta para ela?

S: Acho que nem tem uma pergunta, mas queria deixar pra galera que eu vou continuar aqui, fazendo muita música, pra galera não esperar coisas parecidas, que eu tenho a ideia de fazer outros sons, funk, dancehall, reggae, e outras coisas que eu já tenho pensada aí, flertar com muitos gêneros, porque eu posso fazer tudo, música é vastidão. E eu espero que a minha consiga tocar muita gente, de verdade.

Assista ao clipe de ‘Ela Sabe’:

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SÓ PRA COMEÇAR         

Pra eles nota seis é muito
Pra nóis nota dez ainda é pouco
Pros meus qualquer grana é o mundo
Pros deles qualquer grana é troco

Tentar estabelecer artistas ou musicas como definidoras de uma época é sempre algo arriscado. Mas, cedendo a essa pretensão, podemos afirmar que hoje no Brasil o Rap é o gênero mais relevante e crítico – uma prateleira que foi ocupada durante muito tempo pelo Rock, que tem se mostrado cada vez mais comercial e conservador em suas letras e atitudes (claro, existem alguns sopros de esperança que são exceções) -. Por ser professor, convivo diariamente com alunos e alunas entre 12 e 18 anos e, algo que me chamou a atenção nesse convívio, foi descobrir alguns nomes que até então para mim eram meros desconhecidos musicais. BK, Baco Exu do Blues, Rincon Sapiência, Flora Matos, Drik Barbosa, Djonga… seus nomes e letras circulavam pelas minhas aulas e redes sociais. Mas eu não tinha ideia de quem eram.

            Aos poucos o interesse e a curiosidade por aquele som foi surgindo. Comecei pelos clássicos que já conhecia: Rael, Emicida, Criolo, Racionais… Gostei! As rimas, a batida, as críticas ao racismo, à pobreza, às injustiças e a todo autoritarismo existente me atraiu. Fazia jus ao significada da palavra rap, que nada mais é do que uma sigla para rhythm and poetry – ritmo e poesia. Uma palavra que remonta ao século XIV, referindo-se a algo como “bater” ou “criticar” e que se popularizou entre os negros de algumas cidades dos Estados Unidos.

            Como todo bom historiador e amante de música, passei a ouvir aqueles novos artistas – pelo menos para mim eram – de forma crítica e atenta. Todos muito bons, mas, o que mais me chamou atenção foi o Djonga. Por isso, tive a ideia de escrever esse texto sobre a excelente música Corra analisando-a de forma histórica.

MAS QUEM É DJONGA?

            Se você não conhece e nem ouviu o Djonga, fica a dica: Vai no Youtube! – ou continua lendo esse texto -. Gustavo Pereira Marques, um mineiro de Belo Horizonte que trancou a faculdade de História da Universidade Federal de Ouro Preto para seguir com o Rap, recebeu esse apelido de um amigo, que fazia trocadilhos com as palavras “djonga” e “bironga”. Na véspera do lançamento do primeiro single, Gustavo ainda não tinha um nome artístico e foi justamente o “djonga de bironga” que lhe veio à cabeça. 

            Suas músicas são estimulantes, agressivas e conscientizadoras das dificuldades de uma grande parte da sociedade brasileira que foi abandonada pelo poder público. Seus trabalhos colocam o dedo – ou dedos – na(s) ferida(s) que a maioria dos artistas brasileiros preferem fingir que não veem. Seu álbum “Heresia” de 2017 foi considerado um dos melhores do ano pela revista Rolling Stone. “O Menino Que Queria ser Deus” de 2018 foi muito bem recebido pela crítica, e é nesse álbum que se encontra a música central desse texto.

CORRA!

            Fazendo referência ao filme de terror “Corra” de 2017, dirigido por Jordan Peele, a sétima música do álbum fala sobre racismo estrutural desde a colonização do Brasil pelos portugueses até os dias atuais. A música possui um pouco mais de quatro minutos e parece ser um diálogo entre um casal negro sobre o racismo e escravidão.

“Amor, olha o que fizeram com nosso povo. Amor, esse é o sangue da nossa gente. Amor, olha a revolta do nosso povo. Eu vou, juro que hoje eu vou ser diferente”.

            A escravidão foi uma prática tão antiga quanto cruel e aplicada de formas diferentes entre os povos que a adotaram. Os árabes adquiriam africanos para negociá-los no Mediterrâneo muito antes dos europeus. “Estima-se que entre 650 e 1600, os árabes escravizaram 4.820.000 escravos” [1]. Na Europa, os portugueses foram pioneiros no comércio de escravos africanos através do Oceano Atlântico, brevemente seguido por holandeses, franceses e ingleses. O tráfico negreiro realizado pelos europeus a partir do século XVI uniu interesses de grupos escravistas em três continentes: África, Europa e América. Formava-se assim, um comércio triangular, os navios europeus levavam produtos das colônias e da metrópole para a costa africana, que eram trocados por escravos. Em seguida, esses escravos eram vendidos para os colonos americanos, que os utilizavam em suas lavouras, minas ou outras atividades.

“Éramos milhões, até que vieram vilões / O ataque nosso não bastou / Fui de bastão, eles tinham a pólvora / Vi meu povo se apavorar / E às vezes eu sinto que nada que eu tente fazer vai mudar”.

            Com o tráfico, milhões de africanos eram arrancados a força de sua terra e transformados em escravos. As estimativas sobre o total de escravos trazidos para o Brasil variam muito, pesquisadores dizem algo por volta de 3 e 5 milhões entre os séculos XVI e XIX, nenhum outro lugar no mundo recebeu tantos escravos quanto o Brasil.

Ao longo de mais de três séculos, navios portugueses ou brasileiros embarcaram escravos em quase 90 portos africanos, fazendo mais de 11,4 mil viagens negreiras. Dessas, 9,2 mil tiveram como destino o Brasil. Para toda a América estima-se entre 10 a 20 milhões de escravos entre os séculos XVI e XIX. Os dados são da The Trans-Atlantic Slave Trade Database, um esforço internacional de catalogação de dados sobre o tráfico de escravos – que inclui, entre outros, a Universidade de Harvard [2].

Aquela noite eu te ensinei coisas sobre o amor / Durante o dia eu só tinha vivido o ódio

            As viagens que traziam os africanos escravizados ao Brasil eram longas e exaustivas: “do continente africano até a Bahia levavam cerca de 40 dias no mar; até o Rio de Janeiro, cerca de dois meses” [3]. Devido às péssimas condições do transporte e os maus-tratos, calcula-se que entre 5 e 25% dos escravizados morriam durante a viagem. Por isso, os navios foram apelidados de tumbeiros, uma referência a tumba ou túmulos.

Querem que eu me contente com nada / Sem meu povo tudo não existiria / Eu disse: Óh como cê chega na minha terra / Ele responde: Quem disse que a terra é sua?

            Aos que sobreviviam, mais uma difícil jornada, reconstruir suas vidas em um novo continente. Muito entravam em uma profunda depressão associada à violência da escravidão e à saudade de sua terra natal. Esse estado psicológico ficou conhecido como banzo e provocava apatia, inanição e a morte. Costumavam ser diferenciados pelos colonos de acordo com o trabalho que desempenhavam: eram classificados como escravos de ganho, do eito ou domésticos. Os de ganho eram aqueles que viviam nas cidades e realizavam trabalhos temporários em troca de um pagamento, que normalmente era revertido para o seu dono. Os escravos do eito trabalhavam nas lavouras ou minas. Pelo excesso de trabalho e pelos castigos, faleciam depois de cinco a dez anos de trabalho forçado. Os escravos domésticos eram escolhidos pelos senhores para trabalharem em suas casas como jardineiros, babás, cozinheiras, etc.

SÓ PRA FECHAR

Após essa breve análise de pontos específicos da letra, percebemos que quando “pensamos historicamente”, notamos que a realidade social é construída pelos seres humanos. Não é por um acaso do destino, mas sim uma construção cultural dinâmica, mutável e aberta a novas possibilidades.

Diante disso, ESTUDEM HISTÓRIA. Ao fazer isso, podemos despertar a consciência em cada um de nós para construir uma sociedade mais justa, com menos desigualdades entre as pessoas, independentemente da idade, gênero, origem, cor e religião.

            Para finalizarmos nosso assunto, gostaria de apresentar alguns dados estarrecedores, extraídos do site da Revista Carta Capital [4], que mostram o abismo racial no Brasil. “Segundo dados do IBGE, mais da metade da população brasileira (54%) é de pretos ou pardos, sendo que a cada dez pessoas, três são mulheres negras. Só em 2089, ou seja, daqui a 69 anos, brancos e negros terão uma renda equivalente no Brasil. A projeção é da pesquisa “A distância que nos une – Um retrato das Desigualdades Brasileiras” da ONG britânica Oxfam, dedicada a combater a pobreza e promover a justiça social. Segundo a pesquisa, em média, os brasileiros brancos ganhavam, em 2015, o dobro do que os negros: R$1589, ante R$898 mensais. Os cálculos foram feitos com base dados do Instituto de Pesquisa Econômica Aplicada (Ipea) e da Pesquisa Nacional por Amostra de Domicílios (Pnad), considerando rendimentos como salários, benefícios sociais, aposentadoria, aluguel de imóveis e aplicações financeiras, entre outros.

Homens, jovens, negros e de baixa escolaridade são as principais vítimas de mortes violentas no País. A população negra corresponde a maioria (78,9%) dos 10% dos indivíduos com mais chances de serem vítimas de homicídios, de acordo com informações do Atlas da Violência 2017, elaborado pelo Instituto de Pesquisa Econômica Aplicada (Ipea) e o pelo Fórum Brasileiro de Segurança Pública. Atualmente, de cada 100 pessoas assassinadas no Brasil, 71 são negras. Brasil abriga a quarta maior população prisional do mundo, atrás apenas dos Estados Unidos, da China e da Rússia. Tratam-se de 622 mil brasileiros privados de liberdade, mais de 300 presos para cada 100 mil habitantes. Mais da metade (61,6%) são pretos e pardos, revela o Levantamento Nacional de Informações Penitenciárias (Infopen).

Na contramão dos demais países, porém, a taxa de aprisionamento no Brasil não está diminuindo. Entre 2004 e 2014, o índice cresceu 67%. A taxa de superlotação por aqui também é maior: 147% no Brasil, ante 102% nos Estados Unidos e 82% na Rússia”.

            Enfim, quando vemos um acréscimo nos debates nacionais e internacionais de combate ao racismo, evidenciamos também uma crescente opressão e violência por fatores étnicos. É necessário conhecer as formas de estruturação do racismo, só assim poderemos pensar em maneiras eficientes de combatê-lo.

[1] SILVA, Alberto da Costa e. A enxada e a lança: a África antes dos portugueses. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 2006, p.671.

[2] Disponível em: https://www.bbc.com/portuguese/brasil-45092235

[3] BOXER, Charles R. Salvador de Sá e a luta pelo Brasil e Angola (1602 – 1686). São Paulo: Nacional, 1973, p.244.

[4] Disponível em: https://www.cartacapital.com.br/sociedade/seis-estatisticas-que-mostram-o-abismo-racial-no-brasil/

Diogo Tomaz é professor e mestre em História pela Universidade Federal de Juiz de Fora, ilustrador quanto tem tempo e headbanger a todo momento.

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O formato de organização de conteúdo por mapas mentais é praticamente a base estrutural do texto, onde se conectam conceitos, eventos, referências e ideias diretamente entre si, ao passo que são introduzidos ainda fenômenos que fazem parte da experiência vivida. Aproveitando o conceito de paralaxe trazido nessa literatura, que é mostrado na própria estrutura do texto por meio das constantes mudanças de perspectiva e olhares que a arte de rua podem proporcionar. Uma dinâmica no olhar que precisa ser desprendida, garantindo uma imersão no texto.

Le mot ‘sabotage’ n’était, il y a encore une quinzaine d’années qu’un terme argotique, signifiant non l’acte de fabriquer des sabots, mais celui, imagé et expressif, de travail exécuté ‘comme à coups de sabots’. Depuis, il s’est métamorphosé en une formule de combat social et c’est au Congrès Confédéral de Toulouse, en 1897, qu’il a reçu le baptême syndical. (POUGET, Émile. Le Sabotage. 1911, p. 3).[3]

Se você também não domina o idioma francês como eu, repara nessa sugestão de tradução:

A palavra sabotagem era, quinze anos atrás, apenas uma gíria, significando não o ato de fazer cascos, mas a expressão expressiva e imaginativa do trabalho feito com ‘tiros de cascos’. Desde então, ele se transformou em uma fórmula de combate social e foi no Congresso Confederal de Toulouse, em 1897, que recebeu o batismo sindical.

[A página original está disponível aqui. Acesso em 25/11/2018].

É fácil encontrar alguma literatura sobre a história dos trabalhadores que jogavam seus sabots (tamancos) nas máquinas para danificar as engrenagens. Essa talvez seja a teoria mais indicada de como surgiu o conceito de sabotagem: a prática dos empregados de resistências aos meios de produção abusivos vigentes no período.

Pra mim é quase impossível ler essas notas sobre a etimologia de “sabotagem” e não receber a memória de músicas de um grande sabotador cultural:

Mauro Mateus dos Santos Filho (São Paulo, 3 de abril de 1973 — São Paulo, 24 de janeiro de 2003), mais conhecido pelo seu nome artístico Sabotage, foi um rapper, cantor, compositor e ator brasileiro. Mauro, pai de 3 filhos, nasceu na Zona Sul de São Paulo, onde, depois de ter sido assaltante e gerente de tráfico encontrou a saída no rap, entrando na música e percebendo o seu verdadeiro dom. A origem do apelido Sabotage deu-se por estar sempre conseguindo burlar as leis com tremendo êxito, como entrar em bailes, festas e boates sem permissões, e saindo ileso de inúmeras confusões. Uma associação nada casual.

Nessa leitura biográfica, fica claro a diferença no emprego da palavra “sabotage”, mas convido a um exercício filosófico orientado por Slavo Zizek, a paralaxe.

Nosso objeto em questão é uma entidade que contrariou as expectativa sociais e proporcionou uma obstrução cultural (gesto que assemelho a contracultura) por produzir um legado continuado de reflexão e amadurecimento intelectual sociopolítico dos que interagem com a obra.

um rapper de periferia que sabotou vários sistemas que o cercavam, fazendo barulho.

por meio da resistência e da sabotagem cultural, A atuação de Sabotage deu força e visibilidade à dimensão social em que se inseriu.Esta dimensão social tem sua própria fonte de cultura e se relaciona em outros aspectos de identidade consolidada na sociedade contemporânea com o Hip-Hop. Iniciado nos EUA, ainda que observe-se gestos simultâneos e similares no Brasil e em outros lugares do mundo contendo suas singularidades.

PARALAXE

medida da mudança de posição aparente de um objeto em relação a um segundo plano mais distante, quando esse objeto é visto a partir de ângulos diferentes. Ou seja, o objeto permanece imóvel, contudo parece mover-se. Esse fenômeno óptico, relativamente simples, torna-se método e guia para a teoria do Filósofo esloveno Slavoj Žižek.

Interessante o emprego dessa teoria para observar o fenômeno que a cultura urbana proporcionou à sociedade contemporânea: resistência; empoderamento de classe em contrapartida aos prejuízos patrimoniais; e, talvez a mais perigosa de todos os danos para o sistema, a ressignificação ideológica; entre outros impactos.

Convido a observar as distintas culturas (pixação e graffiti) reagindo de forma similar à opressão e descaso do estado às periferias. Um gesto oportuno que configura essa expressão de resistência é o graffiti, um fenômeno que se destacou nas periferias de Nova York como demarcação de territórios entre gangs e rapidamente usado como suporte de expressão artísticas de jovens. Enquanto, no Brasil, um fenômeno similar nascia com a mesma intenção transgressora, a pichação. Enquanto lá se miravam os trens que veiculavam pelo Broklyn,(…) em São Paulo se mirava a arquitetura de prédios, da fachada de entrada ao topo.

Por mais que “forcemos” nossos olhos para esses dois fenômenos na busca de extrair tudo que pudermos, ainda precisaremos nos deslocar e mudar de posição sobre nossa perspectiva, um exercício que o MC Sabotage expressou na sua essência por intermédio do Rap com músicas que falam da condição social da periferia, dando voz e ascendendo a realidade com sua própria interlocução.

O Hip Hop se tornou uma via de resistência cultural e inspirou a elevar essa luta pras ruas pela pintura onde o jovem pode estar presente participando da transformação da cidade, modelando a informação dos esgotos aos arranha céus.

Essa ação trata-se de defender a importância da universalidade. Em tempos de relativismo, de multiculturalismo e de multiplicidade de pontos de vista, Žižek usa a noção de paralaxe para pensar a unidade da existência e a necessidade de um universal que não seja coercitivo ou mera reunião de figuras particulares. “O Ser é diferença, elevada à dignidade de universal. O respeito às particularidades são extremamente necessário para coexistir e continuar o ideal universal, pois ideologias que usam de machismo, racismo ou qualquer tipo de reducionismo conspira pelo desenvolvimento harmônico da humanidade.

Nada além do trivial ver jovens buscando empoderar-se do espaço político em que vivem, da maneira a que se faz em sua dimensão social, como previa Carlos Drummond,

Acredito que:

Pixa-se aquilo que foi pichado, ou seja, ocupa-se os espaços esquecidos e/ou usados de maneira desinteressada à sociedade pelos os olhos do artista. Para pixadores, um muro cinza tem o efeito oposto do “espaço em branco” em um quadro.

O “cinza” nas ruas é o anti respiro.

A pixação é a arte que ficou por muito tempo fora das galerias. Quando, em 2008, isso foi interrompido e vivemos o momento de estudo dessa arte por parte das academias artísticas pelo mundo afora. Vide a Bienal de Berlin de 2012 que se sacudiu recebendo uma turma de pixadores como principal atração do evento.

Com força e expressão para transformar, a vivência na pixação modifica o olhar, desloca o que se considera seu lugar e indaga sua ideia de espaço urbano público ou privado, além do conceito de sociedade universal. Uma experiência que desafia o ego e a perspectiva disruptiva de impacto social:são vidas com suas cotas de opressão que afrontam e expressam suas intenções, desenhando um cenário com dados etnográficos que podem ajudar a decifrar o comportamento social do local.

Os muros de uma cidade gritam dados e informações para os que passam ali. Algumas informações que essa textura gráfica indica na cidade:

_ Nível aparente de participação e manutenção dos Gestores e Autoridade;

_ Nível e modelo aparente de controle da ocupação da cidade por parte das autoridades ( algumas cidades aplica uma pena por multa variável de R$1000,00 a R$9000,00 com distintas formas de efetivar essa pena);

_ Nível aparente de cultura fomentada na região, etc;

Sendo o Graffiti e a pixação movimentos que se estabeleceram em todas as classes, com praticantes de variados níveis econômicos, tem-se a comunicação de forma direta com os diversos espaços urbanos pertencentes à diferentes contextos. A arte de rua pode ter muitos pontos focais e o que mais vale nesse segmento artístico/político é se permitir enxergar seja ilegível ou aparentemente sem sentido, pois existe muita coisa por entre essas expressões urbanas. É necessário inquietude para ver de outro ponto e entender as diversas faces do que se observa.

Iury Borel é mineiro com formação acadêmica que coexistiu o erudito e marginal, formou-se pichador e desenhista industrial pela Universidade Federal do Espírito Santo, mas prefiro resumir como ativista gráfico. Acredita na arte como meio de transformação e empoderamento do ser e de comunidades. Logo que inserido nos movimentos de arte de rua, buscou o relacionamento do dualismo presente em sua trajetória, coexistir o erudita acadêmico com o grafista marginal. Propulsor e criador de ideias como CinePixo, Oficinas de Tobograffiti e Artefatos da Arte de Rua que propõem uma visão empírica para mostrar as entrelinhas da arte urbana.Vive de design e pintura.

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