Arquivos Visual - Revista Trama

No meio das coisas miúdas

Sun, 19 May 2024 19:00:15 +0000

Viver exige um esforço muito maior do que simplesmente o ar que respiramos, exige viver desafios em terras desconhecidas, caminhar por outros terrenos, vivenciar novos costumes. Desafiar novos silêncios, murmurar frases quase inaudíveis e apreciar a camada fina de poeira que pousa sobre o tempo. No limiar da luz e da neblina, sem ruído, vibram os espaços e surgem as coisas miúdas. Permita-se o simples, o pouco, o vazio, o cheiro das árvores, o frescor da brisa, a umidade da chuva miúda. Vou como vim, só levando o meu nada. Vou só com meu silêncio.

O branco límpido que nos remete ao cristalino, claro e puro com a presença do Homem e o mal-uso dos recursos naturais, gradualmente vai deixando suas nódoas. Com secas cada vez mais extremas, o planeta nos lembra continuamente que sem água não há vida.

Neste trabalho desenvolvido em residência artística na região de Estarreja, norte de Portugal, revisito mais uma vez a questão da água e como nós nos relacionamos com ela, no mal-uso não só da água, mas também com relação ao meio ambiente. Esta região tem água em abundância, riachos, rios e rias, além do mar, mas tem também muitas indústrias, e o questionamento é sobre a qualidade da água, e quanto estas indústrias contribuem na poluição ambiental. O branco neste trabalho nos remete ao puro, límpido, natural, mas a presença do Homem e suas ações, sujam este branco, tornando águas improprias para o consumo, ar inapropriado, alterando a fauna, a flora e vida do próprio Homem.

A partir do momento que o ser humano passa fazer mal-uso da água, ela aos poucos vai tingindo o branco. Se tornando impropria para nós e contaminando lentamente o todo.

Living requires a much greater effort than simply the air we breath, it demands living challenges in unknown lands, walking through other terrains, experiencing new traditions. Challenging new silences, muttering barely audible phrases and enjoying the thin layer of dust that settles over time. On the threshold of light and fog, the spaces vibrate silently and the tinny things appear. Allow yourself the simple, the little, the emptiness, the smell of the trees, the freshness of the breeze, the humidity of the tinny rain. I go as I came, taking only my nothingness. I leave solely with my silence.

The limpid white that reminds us of the crystalline, clear and pure, gradually leaves its stains with the presence of humans and the misuse of natural resources. With increasingly extreme droughts, the planet continually reminds us that there is no life without water.

In this work developed during an artistic residency in the region of Estarreja, northern Portugal, I once again bring up the issue on water as a resource and the way we relate to it, and not only the misuse of water but of the entire environment. This region has plenty of water, streams, rivers and estuaries, in addition to the sea, but it also has many industries, and the questioning is about water quality, and how much these industries contribute to environmental pollution. The white in this work reminds us of the pure, limpid, natural, but the presence of humans and their actions stains this white, turning the water unsuitable for consumption, and the air inappropriate, both contributing to altering the fauna, flora and human life.

From the moment humans start to misuse the water, we gradually dye the white. Turning the water inappropriate for us and little by little contaminating the whole.

Angella Conte

Artista luso-brasileira, vive e trabalha entre São Paulo/Lisboa, autodidata cursou psicologia, seguido por inúmeros cursos de arte e fotografia. As aspirações da sua produção se encontram na inter-relação criada entre o indivíduo e seu meio, pautando suas histórias, trocas e resquícios em diferentes mídias, como fotografia, objeto, instalação, intervenções, vídeos e performances. Com obras em acervos públicos e privados. Seu trabalho vem sendo exposto em instituições nacionais e internacionais como, CCSP- Centro Cultural São Paulo, MAM Bahia, MAC-USP, MARP Ribeirão Preto, MAC- Paraná e Jataí, Museu Amadeo de Souza Cardoso-Portugal, Córdoba, Badajoz, Madrid-Espanha, Perm – Rússia, Irlanda, México e Cuba. Premiada no 12º Salão Paulista, 18º Encontro de Artes Plásticas de Atibaia, 62º Salão de Abril em Fortaleza e XIV Samap, em João Pessoa 2012, 2019 Prêmio Novas Efervescências Porto Seguro. Em 2011 foi indicada ao 4º Prêmio CNI/ SESI Marcoantonio Vilaça, e também participou dos principais salões de arte no Brasil. Participou de residência artística em Borba, Coimbra, Canelas e Lisboa em Portugal e Irlanda no Leitrim Sculpture Centre, em 2005, 2006, 2007, 2012, 2015 e 2022.

www.angellaconte.net

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Instantes Guardados

Sun, 25 Dec 2022 18:26:00 +0000

Nas entrelinhas das ruas, há de se encontrar poesia. Não estou falando de pequenas estrofes gravadas em muros cinzas, falo de instantes: a matéria prima da poesia. Diante a uma sociedade com olhos anestesiados, deixamos de notar o mundo que nos envolve e desenvolve, por outro lado, a fotografia me permitiu colecionar instantes, me permitiu ver o mesmo rio, mais de uma vez. Na rua, mora um pouco de mim, um click e pronto, a eternidade foi posta diante de nós.

Bruno Perella é ator, fotógrafo, poeta. Artista independente, natural de Guarulhos/SP. Formado pela Teatro Escola Macunaíma, pôde realizar quatro espetáculos. Começa a fotografar em 2017, como uma extensão de sua arte, que ja transbordava pra além dos palcos. Criou o perfil no Instagram @bruno.logia, voltado para postagem das fotografias autorias e por consequência, a sua comercialização. @bruno.logia

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Olhar brincado

Sun, 25 Dec 2022 18:24:00 +0000

Essas obras são o resultado da junção de um olhar comum, visualizando a arte natural do dia a dia , mais a arte de brincar.

Du Moschea é Cabo Frio, RJ e é um artista novo, porém com a experiência de uma vida que admirava, e desejava todos os dias fazer a parte dessa parte do mundo onde tudo é criável. Trabalha sempre brincando aliando o dia a dia com a fantasia através das suas colagens, artes digitais e fotografias.

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The doors: uma percepção abstrata da música

Sun, 13 Nov 2022 18:24:00 +0000

O que nos excede? Uma questão que certamente perpassa toda nossa elaboração artística e que nos fez desenvolver esta série de obras que pretendemos expor. A exposição :The Doors: uma percepção abstrata da música, foi baseada no disco de estreia da banda, lançado em 1967 com estrondoso sucesso tanto por parte do público, quanto da crítica especializada da época. Após 55 anos de lançamento, o disco ainda figura como um dos mais ouvidos nas plataformas de streaming atuais. Escutamos o disco buscando sentir sua beleza dispendiosa, lemos com paciência e diversas vezes as letras das músicas, buscando paulatinamente captar os movimentos sonoros das situações-limites traçadas pela poética da banda. Ao total são 11 desenhos abstratos que compõem a série, cada obra contém o título de uma música do disco. “Inconsciência”, “erotismo”, “entorpecimento”, “êxtase”, “insânia”, “esquecimento”, “morte”, são algumas situações de excesso que permeiam as cenas poetizadas por meio das músicas. Transbordamentos que nos destituem dos sentidos, que nos fazem esquecer quem somos, que nos fazem desapegar de nós mesmos e de todas as certezas que supomos ter sobre nossa tênue e vacilante existência. Tentamos discutir por meio da série, essas situações incomunicáveis, nas quais nosso corpo se joga para perder-se, se deixa levar pelos múltiplos ângulos, cores, perspectivas e direções inesperadas das pulsões e incoerências da vida. Expressar através da arte abstrata as questões existenciais poetizadas nas canções que, certamente, excedem a utilidade da razão e nos convidam às inúmeras sensações provocadas pelo visual abstrato. A série propõe, através destas sintonias poéticas ensandecidas, por meio desses ecos de desejos que impossibilitam nossa identidade ao lugar, criar uma atmosfera de linhas visuais da nossa experimentação e pesquisa entre música, poética e arte abstrata. Aqui não se trata de ilustrar, tampouco explicar as músicas, mas sim de tracejar por formas intuitivas os desejos, movimentos e imagens destituídas de sentido preciso compostas no devir destes sons do rock psicodélico do final dos anos sessenta. O público que temos pretensão de atingir são tanto os fãs da banda The Doors (milhões nos mais diversos lugares do mundo), as pessoas que gostam do rock-blues do final dos anos sessenta, pessoas que apreciem interações entre formas distintas de arte, (no caso da exposição proposta o diálogo entre arte abstrata e música), bem como os interessados por arte abstrata com elementos conceituais que incrementam a experiência visual. Mas vale salientar que, para apreciação do conteúdo exposto não é estritamente necessário ao público conhecer as músicas da banda. As artes dialogam entre si de forma interativa, não havendo interdependência de um gênero sobre o outro, tampouco hierarquia entre as formas de expressão. Os espectadores são livres para associar ou não os desenhos abstratos às canções, pois uma das principais propostas da arte abstrata é exatamente deixar em aberto (infinitas) as sensações experimentadas por aqueles que observam a obra.

Break on Through (To the Other Side)

Soul Kitchen

The Crystal Ship

Twentieth Century Fox.

Alabama Song

Light me Fire

Back Door Man

I Looked at You

End of the Night

The End

Nascido na cidade de Natal, Rio Grande do Norte, Daniel César é artista plástico, dedicado à pesquisa e exploração do abstracionismo. Iniciou a carreira de forma autodidata expondo e comercializando informalmente seu trabalho nos corredores da Universidade Federal do Rio Grande do Norte – UFRN. Artista periférico, buscou na estética, na filosofia da arte e na teoria da história, trajetórias para pensar o fazer artístico visual. Buscando criar uma arte insubordinada, não compatível com as urgências da sociedade utilitária, pretende transmitir aquilo de incomunicável que permeia nossas interações com a linguagem. O desenvolvimento recente de seu trabalho teve influências de seus estudos nessas áreas de humanidades, tendo cursado Estética filosófica com o Prof. Dr. Eduardo Pellejero, Teoria da história com o Prof. Dr. Durval Muniz de Albuquerque Junior, História da Arte Brasileira com a Profa. Dra. Maria da Conceição Guilherme Coelho, além de ter frequentado o Seminário de História Moderna e Contemporânea, ministrado pela Profa. Dra. Leilane Assunção, todos na Universidade Federal do Rio Grande do Norte – UFRN. Por fim, sua pesquisa trabalha a relação entre linguagens artísticas, sobretudo entre as artes visuais e a literatura, com a qual, em diversas ocasiões, seu trabalho dialoga diretamente.

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A câmara de escaneamento

Sun, 23 Oct 2022 18:24:00 +0000

Devido a pandemia mortal do século XXI, o SARS-CoV-2, que levou a óbito mais de 4 milhões de pessoas pelo mundo, de acordo com a Organização Mundial da Saúde (OMS). Se fez necessário em tempo recorde a criação das vacinas, como também a criação de um método para verificar, com alto nível de eficiência de diagnósticos, se o organismo está ou esteve contaminado pelo mesmo, já que sequelas foram descobertas. Cria-se, portanto, uma câmara de escaneamento capaz de detectar se o organismo está infectado com o vírus. Tal câmara foi tão bem elaborado que se tornou o equipamento médico mais cobiçado do mundo, capaz de detectar inúmeras outras doenças tão graves quanto.

Daniel Aldano é arquiteto, urbanista (UNIPE) e designer gráfico pernambucano, especializado em apresentações digitais desde 2015, com foco em arquitetura e design “ArchViz” (Modelagem Tridimensional – 3D, Renderização, Desenvolvimento de apresentações e animações 3D) voltados para o mercado imobiliário, arquitetos, construtoras e incorporadoras, fornecendo imagens e vídeos de alta qualidade. Sempre foi apaixonado por tecnologia e formas geométricas e um forte adepto aos estudos da geométrica sagrada e símbolos místicos. Em sua trajetória já residiu em São Paulo, Ceará e Paraíba. Atualmente reside em João Pessoa – PB. Seus estudos e pesquisas englobam a arte: futurista, minimalista, surrealismo, conceitual.

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Period

Sun, 24 Jul 2022 18:26:00 +0000

Tem-se imagens fotográficas de base química em p&b e suas perdas resultantes como catalisadoras de um processo artístico no qual se desenvolveu uma série de trabalhos que dialogam com o conceito de latência expresso por Joan Fontcuberta e o de Arte Mestiça, estudado por Icleia Cattani. As obras envolvem processos de miscigenação: foram alternadas e justapostas técnicas e matérias, processos e meios que, por vezes, podem ser considerados antagônicos, como por exemplo, os da tecnologia digital e os da manufatura.

Para a produção das obras apresentadas, desenvolveu-se inicialmente um processo de trabalho no
qual se aliou a teoria à prática diária em laboratório fotográfico, tanto quanto o ato de costurar e de desenhar
sobre as fotografias. O começo dos trabalhos se deu com a captação de imagens em filmes p&b de 35 mm.

Os negativos foram revelados e digitalizados e, em seguida, as imagens sofreram alterações a partir de um
programa editor. Após serem impressas em papel fotográfico, as mesmas passaram por um processo manual
no qual se acrescentou manchas com tinta a óleo e com tinta acrílica, riscos com estilete, costuras com linhas, colagem com diferentes tipos de papéis, inserção de alfinetes, pregos e grampos, etc. Por fim, algumas fotografias acabam sendo apresentadas dessa forma, como cópias únicas, outras são redigitalizadas e impressas em tamanho e papel adequados e, ainda, há as que se tornam imagens em movimento a partir da técnica de stop motion e são utilizadas para a produção de vídeos experimentais.

No trabalho desenvolvido, as imagens fotográficas agem como catalisadoras de um processo de
recuperação de perdas: perda do tempo da fotografia, incluindo o tempo de latência da imagem, e de suturas.
Sobre o estado de latência em fotografia, Fernando Braune, no livro O Surrealismo e a estética fotográfica
(2000), afirma que o mesmo costuma ser angustiante, visto que em tal processo sempre se trabalha em dois
extremos: antes da revelação, quando nada se tem além de fantasias; e o momento posterior, na ocasião em que esses vislumbres são rompidos ao se retirar o filme do tanque de revelação e colocá-lo contra a luz.

As fotografias servem para mim tanto como base, como referência, quanto, por vezes, como produto final. Existe também a tentativa de transgredir a ideia da fotografia e do desenho como obras bidimensionais,
tornando-as objetos, com a aplicação direta nas imagens de diversos tipos de materiais. Esta mistura de
diversos elementos presentes na obra de forma simultânea não se anulam, tampouco se fundem: eles permanecem sempre presentes, em uma relação tensa, ambivalente, contraditória. As obras de viés mestiço
resgatariam para o campo da arte características de subversão – a mestiçagem seria o meio, a confrontação, o diálogo. A significação viria nas dobras, nas costuras, onde o elemento autobiográfico está indiretamente
presente, mas se revela em uma catálise, em uma permanência possível

Samy Sfoggia(Porto Alegre/RS, 1984) é licenciada em História pela FAPA (2007), bacharel em Artes Visuais pela UFRGS (2014) e pós-graduada em Arte, Corpo e Educação pela mesma instituição (2009). Atualmente é responsável pelo laboratório de fotografia do Instituto de Artes da UFRGS. Em 2012, atuou como bolsista de iniciação científica no projeto de pesquisa “Procedimentos de contato: desdobramentos da fotografia em imagem numérica na arte da atualidade”, coordenado pela professora Drª. Elaine Tedesco. Participou de diversas exposições e teve seu trabalho comentado em livros e revistas online. Em 2015, a Azulejo Arte Impressa publicou seu livro Drømmer om Skov, com fotografias da série “Samy’s dreaming about the forest”.

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Fragilidades contemporâneas

Sun, 24 Jul 2022 18:24:00 +0000

Com inegável sensibilidade, Gonzalo Fonseca desenvolveu um conceito extraordinário de criação artística. Influenciado pelo artista plástico Alejandro Obregón Rosés, seu olhar voltou-se para a miséria mais especificamente para as pessoas solitárias e abandonadas nas ruas das grandes metrópoles. Usa cores tonais baixos, às vezes com pinceladas sutis de vermelho, evidenciando uma cena que é a realidade vivida. Envolve o espectador no próprio mundo do quadro como se entrasse em suas cores e formas, apoderando-se das figuras do personagem ali registrado como que esperando uma resposta para sua fragilidade no mundo das grandes metrópoles.

Gonzalo consegue criar, num espaço quase sempre contínuo e sem fissuras, o universo que, embora seja sempre inquietante e repleto de personagens misteriosos, consegue destacar da própria subjetividade a coerção do consciente de uma maneira peculiar, com pinceladas fortes, com dor, como um grito. Artista expressionista que é, Gonzalo volta-se à procura da liberdade, para sua realidade, em vez do embate com a realidade caótica e fragmentada da vida contemporânea. Aí reside sua sensibilidade, isto é, a pobreza de espírito em que não permite a configuração da intimidade, a solidão surreal em que vivemos. Como dizia Proust: “ Essa relação entre as obras e suas reproduções, não é simples, nem mecânica. Nem reproduções são apenas veículos que transmitem, como podem, a essência do original”.

(texto por: Loly Demercian)

Gonzalo Fonseca Torres é artista plástico, nascido em 1976, em Santa Rosa de viterbo, na Colômbia. Possui formação acadêmica na Colômbia (1998) e na Suíça (2000-2006), pela Escola de Artes Visuais Pierre Moor e pela Oficina L’arrêté Creation, ambos em Yverdon-Les-Bains, além de outros cursos em artes visuais e arte terapia.

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Corpos sedimentares

Sun, 19 Jun 2022 18:26:00 +0000

As rochas sedimentares são formadas pela junção de detritos, chamados de sedimentos, oriundos da fragmentação de outras rochas, que ocorre na ação dos agentes externos fazendo a transformação do relevo em um processo denominado por intemperismo. Intemperismo ocorre quando as rochas e os solos desgastam-se, quebrando-se em inúmeros e minúsculos sedimentos, como, por exemplo, a areia das praias ou a poeira. No intemperismo, podem ocorrer processos químicos, físicos e biológicos que estão sempre modificando o relevo. Nessa lógica, a obra corpos sedimentares retrata através de fotografias fragmentadas, impressas em rochas, diferentes tipos de corpos rompendo com a visão dicotômica entre materialidade-espiritualidade, sensibilidade-consciência, sentir-pensar, natureza-cultura, corpo-espírito. Considera-se que corpos representam identidades, relações históricas em dialogo consigo, com outros, com o mundo, no mundo. Portanto, nessa obra o corpo funciona como símbolo social, com bagagem histórica e, quando auto reconhecido pelo indivíduo e os seus, um símbolo ancestral. Um símbolo apresentado em fotografias fragmentadas que em conjunto com as rochas propõem uma tomada de consciência ao corpo que é, sempre foi, instrumento de luta e de transformações sociais.

A escolha do nome corpos sedimentares faz conexão com o processo de formação das rochas sedimentares porque os nossos corpos no mundo em suas relações sociais, têm experiências constantes com outros corpos. Essas experiências são a junção de desgastes, quebras, sedimentos e detritos que formam esse corpo, podendo ser comparado, com a formação da rocha que se quebra, desgasta e se torna diferentes sedimentos a partir dessas relações naturais. Os espaços da rocha se fundem com os traços do corpo. Há um diálogo entre o corpo da rocha e o corpo humano. Corpo e rocha tonam-se um só, com suas particularidades, mas tendo por eixo aquilo que é a própria vida.

Corpo-rocha são vidas em luta por seus territórios historicamente negados através de uma estrutura de poder, saber e ser que impôs um modelo eurocêntrico e hegemônico padronizando os territórios e os corpos em direção das desigualdades sociais, raciais, de gênero, de povos e de naturezas, dentre outros. Diante disso, os corpos sedimentares, se multiplica (ou pluraliza) propondo uma intervenção-pensamento e rastreando nossos espaços. Rastreando espaços contra hegemônicos. Rastreando de alguma forma o próprio mundo, suspenso por suas bases espaço- temporais, geo-politicas, natureza-cultura e individuo-ser social e aqui edificado em fragmentos expandidos de nossa existência.

Anna Menezes tem 25 anos, cursa Teoria Crítica e História da Arte pela Universidade de Brasília, é fotógrafa, pesquisadora e uma artista emergente, lésbica, que hoje vive exclusivamente de seu ofício artista. A partir de inquietações e através da fotografia, desenvolveu um trabalho em que parte de inquietações a respeito do que poderia ser o movimento no objeto estático, onde produz resultados a partir da transferência de película fotográfica para o concreto, numa transformação de fotografia bidimensional para objeto tridimensional. Atualmente, desenvolve pesquisas abrangendo fotografia e arte contemporânea.

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Envelhecer em Cores

Sun, 19 Jun 2022 18:24:00 +0000

Procedente de famílias de imigrantes fugidos da segunda guerra mundial, suas ancestrais eram mulheres fortes e determinantes. A todo momento, seu trabalho revisita a insubmissão e a tradição latino-judaico-cristã, com humor permeando o urbano, tão contemporâneo e, ao mesmo tempo, ainda retrógrado. A artista foi figura presente na cena clubber carioca dos anos 90, o que influenciou seus conceitos e opiniões por toda sua trajetória.

A artista utiliza a linguagem da pintura como suporte para debater o etarismo e o lugar feminino no mundo, promovendo uma discussão sobre o sistema de desigualdades, preconceitos e ideias fora do lugar. Seu projeto estético é político e lida com conceitos de identidade e etnias, através dos quais busca enfatizar a potência feminina madura, a espiritualidade, a sexualidade, os desejos e o que é banal e de direito.

A cor intensa é um elemento onipresente na obra de Karin Cagy. As telas coloridas pintadas em óleo e acrílico representam geralmente mulheres transgressoras, rebeldes, maduras e que se sentem bastante vivas. São figuras que apontam questões que o envelhecimento provoca. A tinta aguada traz transparência e delicadeza ao trabalho. São obras expressivas, nas quais mulheres são exuberantes e, geralmente, olham nos olhos do espectador, transmitindo algum tipo de sentimento. As normas e convenções são questionadas por ela na medida em que se sente aprisionada

“A dor e a delícia de ser o que é” (2021) – óleo sobre tela – 54 x 78 cm

“Princesa” (2022) – óleo sobre tela – 30,5 x 54 cm

“Joie de vivre” (2022) – óleo sobre tela – 46 x 61 cm

Karin Cagy é artista visual e estilista. Vive e trabalha no Rio de Janeiro, RJ. Frequentou cursos na EAV (Escola de Artes Visuais) do Parque Lage -RJ onde estudou com Astréa El Jaick, Gianguido Bonfanti, Charles Watson, Luiz Ernesto, Bruno Miguel.

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