A ideia de que cada instante vivido transforma o que somos agora, e faz parte também da construção do nosso eu futuro norteia a pesquisa desta artista. Seu trabalho com frequência permite que diferentes experiências interfiram, e transformem suas obras, rasgos, costuras, elementos coletados e colecionados, a aplicação de diferentes materiais que interagem inesperadamente, a sobreposição de camadas, o uso da água e das linhas como registros da passagem do tempo, deformações, desencontros, desconstruções e reconstruções são práticas frequentes no dia-a-dia do estúdio. 

 Aparte alude à partir, separar, mas também carrega o significado teatral de expressar pensamentos aparte, de deixar o que flui dentro vazar para fora de um jeito íntimo, disfarçado. É isso o que fazem as tintas, fios e volumes que vazam entre rostos e corpos translúcidos, às vezes rasgados ou cortados. São experiências em forma de cor, tempo em forma de texturas, narrativas costuradas em símbolos, memórias gravadas em sulcos de cola, identidades em sobreposições de papel, as transformações do eu de fora pelo verter do eu de dentro. 

 Mariana San Martin 

brasileira, nascida em 1990 em Pelotas, Rio Grande do Sul. Formou-se bacharel em Artes Visuais com ênfase em Design Gráfico pela UFPel em 2012 e mudou-se para o Rio de Janeiro onde trabalhou com criação publicitária até 2017. Fez sua primeira exposição em 2016, uma individual na Galeria Daniel Bellora em sua cidade natal e a partir daí decidiu dedicar-se à arte. Seu fascínio pela figura humana conduz sua produção que explora o papel das contínuas trocas entre mundo interno e externo na formação da nossa subjetividade individual e da nossa história coletiva. A artista, que trabalha majoritariamente com pintura, tem como norte a ideia de que cada instante vivido transforma o que somos agora mas faz parte, também, de construções futuras através das memórias criadas, crenças compartilhadas e histórias contadas. Algumas das exposições de que participou incluem a Coletiva Diálogos em Papel, Museu Paulo Setúbal em São Paulo em 2022, Coletiva Espelhos, Museu Nacional dos Correios de Brasília, Centro Cultural dos Correios de Niterói e Centro Cultural dos Correios de São Paulo em 2021, IX Salão de Artes Visuais SINAP/AIAP, São Paulo em 2019 e a Mostra Brasil Observer, no consulado brasileiro de Londres, em 2017.

Instagram: @_marianasanmartin 

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O post Aparte  apareceu primeiro em Revista Trama.

Minhas referência para as pinturas são as fotografias antigas, não é certo de onde vem essa obsessão com as fotos analógicas mas, certamente, a qualidade visual e as poses de antigamente comunicam no meu trabalho uma atemporalidade do objeto. Os retratos duplos são também recorrentes, acho que eu me preocupo com o que está entre esses corpos que se tocam pra tentar entender dinâmicas de relacionamento daqueles que se amam, que se amaram e também daqueles que não sabem ao certo o que sentem, figuras que buscam afeto e violência, o expurgo e a contenção do desejo.

É importante ressaltar que não tenho interesse em reconstruir narrativas do passado, mas sim me apropriar delas para levantar um frescor narrativo ambíguo e potencialmente erótico. Repatriando-as neste novo cenário, procuro tensionar um diálogo entre performance de gênero e as possíveis relações do corpo masculino com o espaço público simbólico. Essas imagens que te olham estão fazendo algumas perguntas e mostram mais do que parecem mostrar: atentem-se.  

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Nickolas Garcia (1995) é um artista visual mineiro. Vive e trabalha em Juiz de Fora, onde é mestrando em Artes Culturas e Linguagens pela UFJF. Faz da pintura sua principal linguagem e com ela desenvolve uma pesquisa sobre a masculinidade e suas problemáticas, interessando-se essencialmente pelas tensões homoafetivas que as perpassam. 

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O post Corpo masculino: atalhos e tensões apareceu primeiro em Revista Trama.

Tiago Santana é artista plástico autodidata, natural de Taubaté, interior de São Paulo, formou-se como administrador com experiência em gestão bancária, mas no ano de 2020 reencontrou seu caminho para as artes, já que desde cedo apresentava uma grande inclinação a elas. Estudou na escola de Artes Fego Camargo, ainda em Taubaté, e após mudar-se para São José dos Campos -SP, ingressou na Escola Vila – Lobos e no Centro Cultural Vicentina Aranha.  

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O post A energia da vida em arte apareceu primeiro em Revista Trama.

A pintura transcende o tempo, tem um título curioso e recorrente em obras do século XVI que lidavam com o enfermo momentos antes de ter a vida ceifada. Resgatar o conceito para o século XXI retirando toda a teatralidade alegórica do tema de pintura numa visualidade difusa como dente de leão que solta suas sementes ao ar num ato efêmero e encantado, isso tem um poder. 

Ars Moriendi – ou a arte da morte, em livre tradução – retratava em livros e ilustrações o destino das pessoas que estavam prestes a morrer. Registros de cenas mostravam que a peste assolava as vidas e suas vítimas findam o último ato de estar aqui. Rodeada por seus entes queridos (ou não) aguardando a sua passagem. 

A pintura é um gesto simbólico da cerimônia fúnebre. Retira o espetáculo de dor e sofrimento e mostra com delicadeza o quão é delicado e íntimo o momento da despedida. Num suspiro de conforto traz acalanto e solicitação para que nenhuma dor seja naturalizada e banalizada. 

Acrílica s/ tela, 60 x 80 cm – 2020 

Luciano Carmo é artista visual e professores de arte na educação básica. Trata conceitualmente a produção visual com a ideia de Imaginário dos afetos. Utiliza a pintura, o desenho, monotipias e objetos em ações e práticas reflexivas acerca da memória afetiva, do corpo e da latência. 

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O post Ars Moriendi Brazil apareceu primeiro em Revista Trama.

Em 2018, a série foi exposta em Piolla and arts, na cidade de São Paulo. 

Carolina Saidenberg é artista plástica paulistana, formada em artes e pós graduada pela Belas Artes de São Paulo. Morou por um período na Itália, na cidade de Milão 2011, onde pode realizar residência artística e estudos em desenho de moda e joalheria. Retornando ao Brasil, passou a se dedicar somente à arte, e desde então tem participado de exposições nacionais e internacionais.

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O post Malabaristas Urbanas apareceu primeiro em Revista Trama.

Na verdade, para ser justo, outra realidade também permeou e permeia minha vida desde 2009, quando conheci uma Comunidade católica onde pude retomar uma caminhada de fé cotidiana e verdadeira, que tem refletido no meu modo de ver e viver todas as outras realidades da minha vida. A espiritualidade da Comunidade dos Viventes tem me ajudado a voltar para aquilo que sou desde pequeno, voltando a ver o mundo com um “olhar de criança”, sem perder a maturidade e profundidade das coisas. Uma criança agora armada com o lápis e o pincel. 

Por isso, nomeei esta série de obras como “Vida interior”. São obras que retratam cenas que vi e vivi em Juazeiro, no interior da Bahia, onde trabalho com agricultura. Cada uma me toca de um jeito peculiar e diferente. São cenas que me fizeram mergulhar interiormente e refletir sobre realidades da alma e do ser humano, buscando a Vida além da vida comum. 

Cláudio da Rocha Paschoal Neto não é um artista de formação no sentido acadêmico, mas definitivamente de vivência. Desde pequeno, o lápis e o papel foram grande aliados nas suas primeiras descobertas e desafios da infância e adolescência. Desenhava muito, todos os dias. Cursou Desenho Industrial em São Paulo e trabalhou com design gráfico por alguns anos. Após voltar para Recife em 2016, retomou com alguns cursos rápidos de artistas locais até que em 2018 fez um intensivo com Bruno Passos, artista e amigo paulistano.  @claudiopaschoart 

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O post Vida Interior apareceu primeiro em Revista Trama.

Gosto de retratar e representar mulheres, algumas reais outras personagens, entretanto cada uma delas tem um pouco de mim, penetro nos seus sentimentos, aos mesmo tempo que expresso também os meus através das figuras representadas. A expressão facial, o olhar e cores estão presentes nos meus desenhos e ilustrações. Desenhar a figura humana para mim, não é simplesmente retratá-las esteticamente, mas sim mergulhar em seus sentimentos e emoções, sendo a pintura um espelho, o reflexo da alma. “Espelhos são usados para ver o rosto; arte para ver a alma”. George Bernard 

Tatiana Moura descobriu sua vocação pela arte aos 12 anos de idade, realizando de forma autodidata desenhos, ilustrações e pinturas á lápis, carvão, tinta aquarela, giz pastel, e várias outras tecnicas etc. Em 2018, foi classificada para exposição e catálogo na segunda Bienal de ilustração na Sky Gallery Arts – Barcelona,e assim foi incentivada a aprofundar seus conhecimentos artísticos através de vários cursos de pintura e desenho. Desde então, realizou exposições de arte em galerias como BArte GALERIA em Salvador, Arte Pamplona em São Paulo e diversos projetos com artistas de várias nacionalidades, realizando não somente a execução de obras de arte, como também atuando na organização e curadoria de alguns projetos artísticos, que podem ser visualizados no site https://www.behance.net/tatimoura77a67

Instagram: @tatimoura.art 

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Gonzalo consegue criar, num espaço quase sempre contínuo e sem fissuras, o universo que, embora seja sempre inquietante e repleto de personagens misteriosos, consegue destacar da própria subjetividade a coerção do consciente de uma maneira peculiar, com pinceladas fortes, com dor, como um grito. Artista expressionista que é, Gonzalo volta-se à procura da liberdade, para sua realidade, em vez do embate com a realidade caótica e fragmentada da vida contemporânea. Aí reside sua sensibilidade, isto é, a pobreza de espírito em que não permite a configuração da intimidade, a solidão surreal em que vivemos. Como dizia Proust: “ Essa relação entre as obras e suas reproduções, não é simples, nem mecânica. Nem reproduções são apenas veículos que transmitem, como podem, a essência do original”.

(texto por: Loly Demercian)

Gonzalo Fonseca Torres é artista plástico, nascido em 1976, em Santa Rosa de viterbo, na Colômbia. Possui formação acadêmica na Colômbia (1998) e na Suíça (2000-2006), pela Escola de Artes Visuais Pierre Moor e pela Oficina L’arrêté Creation, ambos em Yverdon-Les-Bains, além de outros cursos em artes visuais e arte terapia.

Fragilidades contemporâneas

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Este trabalho e esta série representam que, não importa a cor, não importa o que você tenha, no meio da multidão, tudo se torna um. Todos são iguais, todos nascem livres, todos vivem e todos morrem.

Rafael Lucchesi nasceu em Belo Horizonte em 1987 e cresceu colorindo os desenhos do seu pai, Eduardo Lucchesi, e folheando os livros de arte do seu tio artista, Fernando Lucchesi, que são hoje sua grande influência. Como artista mineiro, define-se como expressionista abstrato, com tempero apurado do urbano contemporâneo cubista de viver.

Todos iguais

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Ao refletir sobre o pós-morte, questiono-me por onde passaria, que tipo de lugares, quais seres eu veria… lembranças ainda existiriam? Quais seriam? Existiria sentimento depois de partir? Haveria saudades, tristeza, alegria ou seria apenas dado espaço ao vazio? Procura-se criar essa dimensão quase onírica. Essas representações oníricas que só se dão a ver por meio de seus representantes plásticos.

Como o sonho, a obra plástica enquanto construção muda e situa-se no espaço de realização imaginária do desejo com um objeto intermediário, pelo qual são permitidos pensamentos e condutas com os quais o espectador pode se relacionar – sem autoacusações nem vergonha nesse espaço potencial, gerador de uma área hipotética que exista. Isso se dá sem que se faça necessária a confirmação dessa existência um ato de crença, pois o fato de não poder indicar a diferença entre real e imaginário, no plano da crença ingênua, não significa que ela não existe (enquanto eu creio, esse universo se faz existente em mim).

Luis Napoli, 1998. Natural de Castro – PR, mudou-se para o Estado de São Paulo, onde morou em diversas cidades do interior. Atualmente vive e trabalha na cidade de Barra do Garças, Mato Grosso. Formado em Bacharelado em Artes Plásticas, na Escola Guignard, Universidade do Estado de Minas Gerais (UEMG). Suas pinturas permeiam pelo imaginário popular e por questões particulares que lhe afligem. Sua poética se forma deformando a estética de onde emergem suas experiências ficcionalmente verossímeis.

O post [EXPOSIÇÃO VIRTUAL] ETERNO ONÍRICO apareceu primeiro em Revista Trama.