Ferreira Gullar, um dos maiores autores brasileiros do século XX, já alertava: “a arte existe porque a vida não basta”. Desde a pré-história o homem já se utilizava de pinturas nas paredes das cavernas para se expressar. A arte, seja ela qual for, é a forma mais genuína que o artista encontrou para mostrar ao mundo as suas perspectivas, para gritar aos quatro ventos as injustiças que existem e para desvelar que há sempre um lado bom quando se procura bem.  

Alguns anos atrás visitei uma exposição artística para gravar uma reportagem. Uma das artistas plásticas que me concedeu entrevista explicou, afinal, qual é a grandeza da arte. Se trata da subjetividade que é transmitida por ela. Todas as pessoas podem olhar para o mesmo quadro, mas as percepções daquela apreciação serão distintas. Uma mesma obra pode fazer as pessoas terem sensações e interpretações mais diferentes possíveis. Uma pintura que, para o outro, pode causar uma sensação de dor, para mim pode significar uma representação de alívio. E continua sendo arte. Ou melhor, isso é arte.  

O escritor Rubem Alves tem uma frase que se complementa – ou quase se iguala – com outra da francesa Anaïs Nin, e elas explicam isso. A dele diz assim: “nós não vemos o que vemos, nós vemos o que somos. Só veem as belezas do mundo, aqueles que têm belezas dentro de si”. Já ela fala o seguinte: “não vemos as coisas como elas são: vemos as coisas como somos”. Ou seja, ambos querem dizer a mesma coisa: a gente não vê aquilo que, de fato, está olhando. É mais profundo.  

Todo mundo pode ver a mesma coisa, mas nem todo mundo percebe a mesma coisa. A gente vê além dos olhos. A gente vê com a nossa bagagem, com a nossa experiência, com os nossos sentimentos e com a nossa sensibilidade. Não consigo fazer o outro observar da mesma forma que eu, justamente porque ele tem 

perspectivas da realidade diferentes da minha. A gente pode perceber detalhes que quase ninguém percebe. A gente pode avistar preciosidades em situações que para os demais é apenas algo simples. A gente pode vislumbrar um objeto que para os outros não passa de mais uma quinquilharia inútil, enquanto para nós pode ser um tesouro, por sabermos toda a história e o significado dele. A gente pode achar o sonho de uma pessoa bem sem graça quando aquilo, para ela, é tão valioso.  

A arte é tão magnífica que nos permite essas percepções distintas e mais do que isso, compreender que, muitas vezes, o outro não fará a mesma interpretação que a minha. A arte é maravilhosa porque permite ao artista externalizar os seus sentimentos e emoções e, ao mesmo tempo, concede para quem aprecia a obra a possibilidade de abrir a sua bagagem cultural para fazer aquela leitura do que foi produzido, seja um livro, um quadro, uma música, uma escultura, um espetáculo ou qualquer outra das mil maravilhas que se criam. A arte nos ajuda a entender que nós vemos o que somos. Quem não vê arte em tudo que é produzido, infelizmente ainda não tem a arte dentro de si. 

Gustavo Tamagno Martins é jornalista e escritor gaúcho, nascido em Caxias do Sul, na Serra Gaúcha. Aos 22 anos, trabalha como repórter no Jornal O Florense e já tem dois livros publicados: “O cemitério misterioso” (conto de suspense reflexivo) e “O sótão das lembranças” (crônicas). Sempre foi apaixonado por livros, câmeras fotográficas, filmadoras e microfones. Em 2021, foi escolhido como o patrono da 1ª Feira do Livro ao Ar Livre de Nova Pádua. Já atuou como fotógrafo, redator publicitário, social media e planejador de Marketing. Neste ano, participou com uma crônica na antologia poética “Árvore da Vida”.  @gustavotm27 

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O post Nós vemos o que somos  apareceu primeiro em Revista Trama.

Nesta obra, as críticas de Lorca se concentram no papel social da mulher, que se resume  a um ideal de esposa, filha e mãe, no qual uma mulher deve ser totalmente submissa aos  homens, dócil e casta, repudiando qualquer tipo de ambição, paixão ou desejo sexual. Havia  apenas dois destinos: casar-se e ser submissa ao marido; ou permanecer solteira e submissa às  figuras paternas e/ou masculinas de seu lar. Na casa de Bernarda, na ausência de uma figura  masculina, o destino de cada filha foi determinado por ela, gerando conflitos e intensificando  os já existentes.   

Esta análise busca os efeitos de um regime ditatorial em suas vítimas, com o intuito de  conjecturar o porquê de duas pessoas que, passando por situações tão similares, evitam unir-se  por superação, preferindo a rivalidade. Apesar da peça se desenvolver em torno de uma inimiga  em comum, Bernarda Alba, o ambiente opressor cria inimizade entre suas vítimas que, ao invés  de se unirem, competem entre si. Diante de uma dominação violenta e moral, elas possuem  duas escolhas: conformar-se ou lutar. Essas são, consecutivamente, as posições tomadas por  Martirio e Adela que, apesar de irmãs, se tornam inimigas diante de um interesse amoroso e  única porta de liberdade.   

Após a morte de seu marido, Bernarda passa a assumir o papel simbólico de patriarca,  posição que lhe traz um prestígio e poder comumente destinados aos homens. É ela quem decide  o tempo que o luto durará, quando e com quem cada uma se casará, quando falam e quando se  calam. Diante dessa violência emocional, física e social, suas cinco filhas não possuem outra  escolha além de recuar. Cada uma delas descobre sua própria forma de sobreviver à Bernarda,  quase sempre com um falso respeito e um medo ressentido. A filha mais velha, Angustias,  encontra no casamento com Pepe sua rota de fuga da casa materna. A única forma de sair da  posição de filha submissa seria aceitar a posição de esposa submissa. Esse noivado, entretanto,  

foi o estopim da crise: as irmãs não aceitam bem essa felicidade da irmã e destacam que o  interesse do noivo é na herança que ela recebeu de seu pai, primeiro marido de Bernarda. Adela é a mais inconformada com toda a situação, como que sua juventude pedisse pelos  sonhos, liberdades e vaidades do mundo. Recusando-se a recuar, Adela começa a seduzir Pepe,  sem se constranger com a ideia de roubar o noivo de sua irmã, virando as costas para tudo o  que Bernarda defende. Ao mesmo tempo, Martirio, a mais apegada à caçula, muda  drasticamente. Ao perceber que Adela está apaixonada, começa a enciumar-se e a tentar  controlá-la. Além das duas, Pôncia, empregada da casa, é a única a reconhecer o conflito, mas  é ignorada e ofendida pela patroa. A matriarca nunca assumiria, em defesa de seu orgulho, que  algo pudesse ocorrer dentro de sua casa sem que ela o soubesse. Mas acontecia e se intensificava  a cada momento: a tensão entre as irmãs aumenta após um jantar no qual se descobre um boato  de que Pepe rondava a casa Alba de madrugada. Discutindo, Adela toca no cerne da questão: a  raiva da irmã por não ter idade e, quando teve, não ter tido a coragem de fazer o que ela fazia.  De madrugada, Adela sai para encontrar-se com Pepe. Martirio, que segue a irmã,  confessa amar o homem e que não aguenta vê-lo com a caçula. Ela não se incomoda com o  noivado de Angustias, pois sabe que não há amor, mas é diferente vê-lo apaixonar-se por Adela.  As duas discutem e são ouvidas, criando uma confusão que culmina com o suicidio da jovem.  Bernarda não se deixa afetar com a perda, preocupa-se apenas com a imagem da família,  enquanto a única reação de Martirio, pensando ainda em sua dor, é fria: “Dichosa ella mil veces  que lo pudo tener.” (LORCA, 2007, p. 172)  

Dessa forma, vemos algumas das consequências desse regime: graças à dominação  castradora de Bernarda, todas as suas filhas possuíam desejos reprimidos, criando mágoas e  ressentimentos. Pepe foi o pretexto de uma guerra que aconteceria de qualquer forma,  considerando que todas tinham motivos para criar intrigas e revoltas, uma vez que a relação  entre elas já estava ruim. Bernarda impediu qualquer possibilidade das filhas se verem como  amigas. Buscando proteger os valores em que acreditava, tornou-os inviáveis para elas, criando  um ambiente hostil, onde a confiança não sobrevive. Adela e Martirio poderiam ter feito a  diferença na realidade da casa de Bernarda Alba, questionando os desmandos da matriarca.  Mas, por não perceberem quem era a verdadeira inimiga, nada mudou e ninguém ganhou.   

Referências bibliográficas  

AZAMBUJA, Kristianny Brandão Barbosa de. Autoridade e Liberdade: um conflito  permanente em A casa de Bernarda Alba, de Federico Garcia Lorca. In: XX Jornada Nacional  de Estudos Lingüísticos – GELNE, 2004, João Pessoa. XX Jornada Nacional de Estudos  

Lingüísticos. João Pessoa: ideia, 2004. p. 1319-1332. Disponível  em:https://gelne.com.br/arquivos/anais/gelne-2004/PDF/Kristianny%20Brand%E3o%20 Bar  bosa.pdf Acesso em: 06/4/2020.  

GARCÍA LORCA, Federico. La casa de Bernarda Alba. Buenos Aires: Longseller, 2007. 

Isabela Cordeiro dos Santos, 23 anos, é uma professora de línguas portuguesa e espanhola do Rio de Janeiro. Faz especialização em língua espanhola e suas literaturas, com foco em um ensino literário de qualidade na educação básica. Seus interesses abrangem literatura clássica e contemporânea, teatro, cordel, artes manuais, filmes, séries e músicas. 

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O post “Mujeres sin hombres” – Conflito pela liberdade em “La casa de Bernarda Alba”, de  Federico García Lorca apareceu primeiro em Revista Trama.

Sergipano da cidade de Propriá, chegando em Salvador, direto de Aracaju, o artista plástico Gildo Dias aterrissou em solo baiano em 1967, trazendo na bagagem um potencial criativo inigualável. Imbuído do universo abstracionista e com uma paixão incomensurável pela arte, em suas obras Gildo Dias nos traz beleza, sentimento, inspiração e intuição, materializadas em sua pintura carregada de personalidade. O resultado é uma obra pictórica peculiar, polissemântica (propriedade de apresentar vários sentidos, além do sentido original, e que guardam uma relação de sentido entre si), extremamente emocional e atemporal. 

 Monica Prado: Quando você começou a se dedicar a pintura? 

 Gildo Dias: Só tive condições de começar os meus trabalhos artísticos dos 60 anos em diante, foi quando me aposentei e na época que  comecei fui aluno do grande artista plástico Waldo Robatto . Além de ser pintor autodidata , também sou ator teatral. 

 MP:Foi importante na sua infância a educação artística? 

 GD:A minha infância foi em Propriá em Sergipe. Naquela época ainda não existia o incentivo às artes nas escolas mas dentro do meu coração já havia esperança de começar a pintar. 

 MP:A pintura lhe causa emoção ? 

 GD: Sinto brotar dentro do coração essa beleza que me faz forte para dar mais incentivo na minha caminhada. 

MP:A cor na sua pintura transmite uma emoção e sentimentos como você alcança esse ponto sensível? 

 GD: As cores são luzes que brilham no centro do meu intelecto e é daí que chega as inspirações para as combinações das cores. 

MP:O que o mundo representa quando o senhor transmite a sua arte? 

 GD:O mundo, a paisagem, o mar, a floresta, os rios, as nuvens e as estrelas, tudo são fontes de inspirações é daí que eu obtenho dos meus pensamentos internos energias para deslizar os pincéis e as tintas nas telas. 

 MP:Há quanto tempo tem paixão pela pintura? 

 GD:Na fase de criança, adolescência e adulto eu já me imaginava deslizando os pincéis, mas infelizmente só pude me dedicar com a aposentadoria na faixa dos 60 anos.  

“O mundo, a paisagem, o mar, as montanhas, a floresta, os rios e as estrelas  tudo são fontes de inspirações, é daí que eu obtenho dos meus pensamentos internos energias  para deslizar os pinceis e as tintas nas telas.“

 MP:A arte abstrata existe há mais de 100 anos. O que significa a arte dentro do abstracionismo geométrico nas suas pinturas ? 

 GD:As figuras geométricas me fascinam e ao deslizar os pincéis as minhas forças internas despertam como energias positivas , felicidades , sentimentos elevados dentro do meu interior. Não tenho uma explicação plausível, é algo que vem intuitivamente e cada vez que me expresso eu coloco as sensações nas cores e tintas . É um desdobrar , apenas ter confiança e entregar com alegria nesse momento. 

 MP: Qual o conselho que o senhor dá a quem está iniciando na carreira artística? 

 GD:Tenho imensa e boa vontade para aconselhar as pessoas iniciantes que  traz desenvolve  os trabalhos das artes. Temos que ensinar as outras pessoas para que a arte continue desbravando os ofícios. Se o artista não contribuir com a arte fica mais difícil para quem quer aprender. 

Monica Prado É Jornalista, Colunista e Escritora – DRT/6508BA.  

Monica Prado é Empresária na área de moda , produtora de moda, consultora de moda, jornalista e palestrante e com mais de 26 anos de experiência  clinicando como Terapeuta. Escritora autodidata, colunista da Revista Metropolitana, Jornal do Povão (SE), Jornal do Povão ( MG), além da participação semanalmente do programa de rádio com abordagens e temáticas diversas sobre bem estar, comportamento, consciência , espiritualidade, saúde psicoemocional, dualidade, autoconhecimento entre outros. Bacharel em Musicoterapia pela Universidade Católica do Salvador (UCSAL) com especialidade na área geriátrica, neurológica e gestacional ,criadora do método Modaterapia em que no campo da terapia observa e  percebe a ótica da imagem e o comportamento das pessoas em relação à moda. Transcreve conhecimentos e experiências dos atendimentos em consultório  ajudando no empoderamento feminino, elevando a auto estima da mulher,  fertilizando a vida através das suas experiências singulares, o bem estar e aceitação de si mesma.  

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O post [ENTREVISTA] A Abstração intuitiva de Gildo Dias apareceu primeiro em Revista Trama.

A montagem, como percebida por Serguei Eisenstein, tem seus princípios como passíveis de estudo e aplicação por todas as artes. Além disso, é um procedimento – ou modo de pensar as imagens e as palavras – muito próximo da colagem. A combinação é uma etapa do fazer que se estende à leitura, permitindo que as relações entre as partes e o todo fundem certa gramática particular. Isso vale para o artista que compõe no idioma da montagem/colagem, mas também para o leitor/espectador que assimila o lido e o visto como uma criação interna, ou seja, traduz os elementos em imagens da imaginação.  

Em termos formais, os meus trabalhos exploram o papel dos elementos visuais na composição de uma cena na potencialização de um sentido, de um estado de espírito ou de uma impressão particular. A cor, mas também a textura, assim como as sombras, a tipografia, a imagem fotográfica e os objetos, condensam-se com as construções literárias. Imagem verbal e imagem física perpassam, em retroalimentação, as problemáticas do tempo e do espaço, do transcorrer e do percorrer. Como tema, tenho circunscrito as cenas melancólicas e horroríficas, puxando um fio condutor que vem das fábulas, a fim de testar as possibilidades poéticas e imaginativas da montagem como procedimento ao mesmo tempo plástico e conceitual. 

Léo Tavares é nascido em São Gabriel, no Rio Grande do Sul, vive e trabalha no Distrito Federal. É Doutor em Artes Visuais pela Universidade de Brasília. Pesquisa a relação entre a palavra e a imagem. Participou de mostras coletivas no Brasil, em Portugal e na Espanha, e realizou as exposições individuais Não só com as imagens (Aliança Francesa, Brasília, 2018), Jogo de Evocação (Espaço Sala de Estar, Cidade do Porto, 2017) e Narrativas Fronteiriças (Galeria de Bolso da Casa da Cultura da América Latina, Brasília, 2016). É autor dos livros de contos O Congresso da Melancolia (Urutau, 2021), Ruibarbo do deserto (Patuá, 2019) e Os Doentes em Torno da Caixa de Mesmer (Modelo de Nuvem, 2014), prêmio Contista Estreante, pela FestiPoa Literária, de Porto Alegre.  

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O post Cromacontos (série) apareceu primeiro em Revista Trama.

O material da nossa experiência é o corpo e as suas reverberações. Eu sou um pouquinho do público que há em mim, mas por vezes eu sou tudo, eu sou todo o público, as suas limitações, suas fraquezas, seus erros, suas angústias. Para mim a personalidade do artista só é completa quando existe o público, o público pode dar sentido ou destruir uma ação. Precisamos pensar nos possíveis finais e fins. O que já está acabado e o que ainda existe? O que está próximo do fim? O fim não é só um fim apocalíptico, mas um fim que está próximo e é localizado. Quantas são as pessoas próximas da gente que passam fome todos os dias? Quantas não são as que têm crises de ansiedade? Quantas morrem sem que a gente nem consiga se despedir? A verdade é que: quem se matou, foi morto por algo. Esse algo distante e quase existente. Quais são as cobranças que matam a cada dia mais um pouco de você? O fim já chegou e continuamos pensando que ele está próximo porque ainda não chegou. Mas ele está ao seu lado. O fim está bem próximo e é uma placa de uma pessoa com uma roupa amarela, mas também é um grito, também é um pedido de socorro! PAREM E OLHEM! Parem e se olhem! Cada dia mais a relação entre seres humanos torna-se instável e imediatista, precisamos regredir e voltar às origens, o único modelo de sociedade possível para o sustento das relações humanas de forma viável é dos povos tradicionais, não temos muito o que aprender, mas muito o que reaprender. Pessoas não podem ser números, pessoas não podem ser valores monetários. 

ECKXS é uma artista de performance que trabalha com as relações humanas e suas teias, utilizando seu corpo como tela. Suas performances exploram os limites do corpo e a linha entre vida e a morte. Durante suas performances, já dançou em cima de pregos; já os engoliu; retirou sangue do próprio corpo com seringas no videoarte “EU” e já queimou duas mãos inteiras. Em uma performance na qual fazia crítica ao funcionamento das polícias no Brasil, esteve em frente à uma delegacia com um cartaz escrito “Eu não tenho medo de ninguém”. Além de já ter ficado em pé, imóvel e sem comer ou beber água na frente de um espelho por 3 dias. . 

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O post O fim está próximo apareceu primeiro em Revista Trama.

O coletivo “Mulherio das Letras Indígenas” incentiva a produção literária como forma de expressão artística e de preservação cultural.

Colocar em evidência a produção literária de escritoras e autoras indígenas brasileiras. É esta a missão do “Mulherio das Letras Indígenas”, coletivo que articula a produção de contos, poesias e prosas como forma de expressão artística e de preservação cultural dos povos indígenas no país. 

O grupo– liderado pela escritora, produtora cultural e professora, Eva Potiguara– busca oferecer incentivos para que autoras indígenas não apenas tenham os recursos para escrever, como também para divulgar seus trabalhos, superando desta forma a visão simplista de que não há literatura produzida pelos povos originários. “Há uma questão racista: é como se indígena não escrevesse. Então, a mulher indígena não escreve”, expõe Eva. “Outra ideia falsa é que o indígena limita-se a uma produção oral. Por uma necessidade de se colocar, o indígena teve que aprender português. A escrita está no bojo das nossas necessidades há mais de quatro séculos”, explica. 
 
A riqueza da produção, no entanto, não resume-se apenas ao português. O coletivo hoje é formado por mulheres que escrevem em 12 idiomas indígenas diferentes. “Temos mais de 80 mulheres no nosso grupo. Muitas vivem em áreas de retomada, têm mestrado e doutorado. E há muitas que nunca escreveram. Não tiveram o apoio para estudar. Não têm acesso à mídia de qualidade, internet, computador e impressora”, conta Eva. Para driblar a situação, as cunhãs escritoras utilizam o celular para escrever seus versos e compartilhar com as mais experientes. 

A temática das produções literárias passa por questões atuais como poder, identidades, linguagens e direito à terra. “A nossa escrita traz as denúncias, os protestos, a dor da mulher, as memórias de nossas mães e avós estupradas. Traz o amor à natureza, a voz da Mãe Terra, da nossa Terra Pindorama e os quatro elementos que formam esse nosso universo”, explica Eva.

Como um dos próximos projetos do “Mulherio das Letras Indígenas” está o lançamento de um e-book, publicação que já reúne conteúdo de ao menos 86 escritoras indígenas. 

Invisibilidade – Ativista das causas indígenas, Eva conta que uma das principais motivações do coletivo é enfrentar a invisibilidade histórica da contribuição artística indígena para a formação do Brasil. “Os indígenas, que aprenderam o barroco e as artes trazidas pelo branco, também foram aprendendo a se colocar no grafismo, na poética, na prosa. Contudo, esses materiais foram perdidos, queimados, extraviados, porque não eram importantes”, conta. “Quando foi fundada a Academia de Letras do Brasil em nenhum momento pensaram nos povos indígenas. Até o nome Brasil surgiu como invenção para substituir o que antes era Pindorama. O que existia antes não era levado em conta”, frisou.

Do passado para o presente, Eva diz que a luta para superar esta invisibilidade continua. “Sabemos que há leis que orientam a prioridade da literatura indígena nas escolas, mas fica no papel”, diz. “No século 21, há muitos indígenas que escrevem e escrevem muito bem. Escrevem sobre o que já se colocava no urucum e no jenipapo séculos antes: suas dores, lutas, cosmovisões. É uma escrita feita de muita coragem, perseverança e resistência. E foi por isso que chegamos até aqui”, diz a ativista. 

Valorizar o patrimônio linguístico dos povos indígenas em todo o mundo é um dos propósitos da Década Internacional das Línguas Indígenas, celebrada entre os anos de 2022 e 2032, por iniciativa da Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (UNESCO). 

Iniciativas como a do coletivo  “Mulherio das Letras Indígenas” colaboram com esta missão e ajudam a proteger, somente no Brasil, a herança e o futuro de 896 mil pessoas indígenas, de 305 etnias e 274 idiomas, segundo as últimas estimativas do Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística (IBGE). 

A ONU Mulheres, agência das Nações Unidas responsável por esta entrevista com Eva Potiguara, também apoia as ações do coletivo e reconhece a importância de se ampliar a voz e a escrita dessas mulheres como forma de enfrentamento ao preconceito, a misoginia e o machismo, além da negligência com a produção das mulheres indígenas de um modo geral. 

Artigo Publicado Originalmente na página da ONU Brasil no dia 03/11/2022

A ONU (Organização das Nações Unidas) é uma organização internacional formada por países que se reuniram voluntariamente para trabalhar pela paz e o desenvolvimento mundiais.

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O post Escritoras indígenas lutam por valorização apareceu primeiro em Revista Trama.

Letícia Veltem Chamone, mineira, residente em Santana de Parnaíba, SP. Nascida em Belo Horizonte, em 1983, é formada em Publicidade e Propaganda e trabalhou em diversas áreas de design como criação publicitária, ilustração editorial, design de produto e marcenaria. 

@chamone.art 

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corrosivos, exausto por elaborá-los; 

sou o que sobrevoa insolúveis paraísos, 

sem afagá-los, sem sequer imaginá-los. 

Sou anjo que boceja irremissíveis pecados, 

o que comete perjúrios vãos. O inefável 

prazer de mentir: tênue membrana infindável 

do sarcasmo, que rodeia os seres alados, 

mas eclode somente em mim, que tenho as asas 

pensas e vi, sem conter o riso fremente, 

a divina comédia encenada nas casas 

que, em si, formam o palco em carne edificado, 

onde as rasas verdades velam a evidente 

Verdade, banquete a que não fui convidado.  

Saul Gomes nasceu em Belém (PA). Graduou-se em Letras (Licenciatura em Português e Inglês) pela Universidade da Amazônia (2001). Possui mestrado (2006) e doutorado (2011) em Filologia e Língua Portuguesa pela Universidade de São Paulo. Em 1998, obteve o 4º lugar no Concurso Nacional de Contos “Cidade de Araçatuba”. A produção do ensaio “O romance regionalista: do panorama ao perfil” lhe valeu o prêmio “Carlos Nascimento”, concedido pela Academia Paraense de Letras em 2002. Dois anos depois, teve uma poesia classificada no VIII Prêmio Escriba de Poesia. Em 2020, publicou o livro “Entre a História e o discurso: olhares sobre a obra de Gladstone Chaves de Melo”. Nesse mesmo ano, obteve o 11° lugar no Concurso Literário de Poemas da Revista Projeto Autoestima e o 1° lugar no Concurso Poético “Tendência”.

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O post O anjo dissidente  apareceu primeiro em Revista Trama.

Desenhar os animais é uma forma de valorizar a vida, a natureza como ela é através do olhar genuíno que ecoa em cada bicho, seja selvagem como uma onça, ou dócil como um beija flor uma poesia se faz valer a partir dessa coexistência orgânica.

Tomo como base de estudo principalmente as fotos de Araquém Alcântara, suas capturas traduzem todo esse sentimento e beleza real. As formas que compõem os animais são desenhos, um delicado traço da natureza: a arte.  Acredito que representá-los nos meus trabalhos é uma forma de preservar a beleza que ainda existe no Brasil e no mundo, resistindo em meio extinção iminente que nos cerca. 

Meu nome é Giulia Araujo, tenho 19 anos, moro em Cotia (SP) e sou estudante de Artes Plásticas na UFES. Desde a infância, sempre gostei de desenhar; ficava imersa nesse mundo mágico de rabiscos coloridos. A princípio, tudo começou como um simples passatempo na escola, mas ao longo dos anos fui sentindo a necessidade de desenhar cada vez mais. Desde 2014/2015 tenho aprofundado o interesse pelo desenho e hoje essa prática faz parte de mim. Não consigo viver sem rabiscar. Atualmente, além do próprio uso do grafite, gosto de utilizar diversos materiais nas minhas produções; sempre busco me arriscar em tintas e técnicas diferentes, aliadas a diversos estudos.  @agulha__ // @giu.araujoo 

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O post Delicado Traço da Natureza apareceu primeiro em Revista Trama.

se nega 

a participar do 

aquecimento global 

Gabriel Lopes Garcia é poeta, professor e divulgador científico. Na coluna Póesis, usa da linguagem poética para expressar sua reverência pelo Universo e o sentimento do sagrado que lhe habita a intimidade. Elabora sensibilidades estéticas-éticas, segue o fluxo de ideias prazerosas, reinventa semânticas, faz silêncio e verbo conjugarem harmonicamente. Ele não escrevo poesias. Se escreve nelas.

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